Parmi les objets les plus intéressants de la collection Chini, on trouve le casque corinthien de la seconde moitié du VIe siècle av. J.-C., en bronze coulé et décoré de gravures. La forme et la décoration de l'œuvre peuvent être liées à la région des Pouilles : elle provient probablement de la région de Gioia del Colle, où une classe guerrière aristocratique avait attaqué depuis l'âge archaïque. On remarque un décor riche et raffiné qui suit la facture de l'ensemble de l'objet : un trait marqué pour représenter les sourcils et les bords, un beaucoup plus fin pour les autres éléments figuratifs.

La Fuite en Égypte a été commandée à Jacopo Da Ponte par le recteur de l'église Bassano de San Girolamo. La toile constitue l'ébauche d'un sujet reproduit plusieurs fois par l'artiste et repris ici dans l'instant qui suit l'apparition de l'ange annonçant la volonté divine en songe à saint Joseph. La Sainte Famille échappe à la fureur meurtrière d'Hérode plongé dans une aube gelée, accompagné de trois bergers à provisions. Le charme est renfermé dans le grand paysage avec le pommier au centre derrière la Vierge, le cerisier et le chêne à gauche, les fleurs au premier plan, renforcées dans leur puissance symbolique en prélude à l'incarnation du Christ. Le charme du tableau, acclamé par toute la littérature, réside dans l'essentialité du récit et dans la pureté cristalline de la lumière, qui éclaire les personnages de dos.

Le panneau de la Vierge à l'Enfant provient du monastère de Bassano dédié à Santa Maria della Misericordia, puis au XVIIe siècle à la Bienheureuse Giovanna Bonomo. Michele Giambono, élève de Jacobello del Fiore, fut l'un des interprètes les plus vivants de la Vénétie de la leçon de Gentile da Fabriano. Le fond d'or, d'où ressort clairement la préparation typique du bol rougeâtre, n'empêche pas la Vierge à l'Enfant de communiquer à l'observateur un esprit de naturel intime perceptible dans le jeu des mains, dans la couleur vive des carnations, mais surtout dans l'intense échange de regards entre la mère et l'enfant.

Peinte à la détrempe sur bois avant 1332 pour l'église voisine de San Francesco, la grande croix stationnaire de Guariento di Arpo a été commandée par la noble Bona Maria dei Buvolini. La femme est représentée au pied de la croix dans une attitude de prière : l'inscription la compare à Hélène, mère de l'empereur Constantin qui trouva la vraie croix du Christ. L'oeuvre est parmi les rares de l'artiste à être signée "Guarientus pinxit" au pied de la croix. Le modèle est la croix de Giotto de la Chapelle des Scrovegni que l'artiste regarde dans la première période de son activité.

L'œuvre a été créée pour l'autel de la famille Testa di San Giovanni, dans l'église de San Francesco à Bassano. La figure du Baptiste, la tête rejetée en arrière, la poitrine projetée en avant, provient d'une combinaison de différents angles qui nécessite une comparaison avec les solutions importées à Venise par Paolo Veronese dans la décoration des plafonds. Le véronésien, c'est aussi l'aménagement du paysage, où les variations raffinées des bruns des troncs et des rochers se soudent au bleu froid, strié de blanc du ciel avec un savant effet décoratif sur toute la surface, inhabituel pour Bassano.

La scène s'organise entre deux ailes de ruines architecturales, avec le toit en étoupe caractéristique, au-delà duquel le paysage s'ouvre au rythme d'une lumière froide. Le point de vue en contre-plongée saisit au plus près l'événement sacré : la Vierge est représentée en train de découvrir l'Enfant endormi recroquevillé. À gauche, derrière San Giuseppe endormi, les saints Vittore et Corona, co-patrons de l'église de San Giuseppe, sont présents, et une troisième figure apparaît, certainement un portrait en raison de ses caractéristiques physionomiques évidentes. A droite, le groupe de bergers avec leurs bêtes, copié du vrai journal. La lumière provenant du trou dans le ciel, où les anges s'envolent, et de l'horizon nuageux unifie la composition en donnant une impression de solennité classique.

Ce tableau a été réalisé pour l'église de Santa Caterina à Bassano. San Martino apparaît dans l'iconographie traditionnelle avec le pauvre au premier plan, dos au spectateur. Le saint, représenté avec une armure et monté sur un coursier à la crinière blanchie par la lumière, donne un manteau aux pauvres. Sur le bas de la toile, une entaille rougeâtre brillante s'ouvre au loin au-dessus du Golgotha avec les trois croix, tandis que le coin inférieur gauche est occupé par la figure de Saint Antoine l'Abbé, avec le grand livre de la règle sur ses genoux, un autre livre, des flammes et un cochon aux pieds.

Outre celui de la Madeleine pénitente, le Musée Civique de Bassano del Grappa abrite la précieuse esquisse des Trois Grâces. Le petit groupe sculptural de 1812, d'environ 25 centimètres de haut, révèle les empreintes digitales du maître à plusieurs endroits, désormais conservées dans un étui de haute sécurité et jamais libérées des musées civiques de Bassano, à l'exception d'une brève exposition tenue à Possagno, en la même année où il a été acheté, en 2003. Dans l'esquisse, l'artiste vit une relation très différente entre les trois corps des Grâces par rapport au modèle exécutif des versions en marbre.

En 1799, les Français s'installent à Paris, parmi les nombreuses œuvres d'art italiennes, également la Vénus Médicis des Offices, une copie romaine de l'Aphrodite Cnidia de Praxitèle. Antonio Canova a donc été chargé de faire une copie de l'œuvre pour remplacer l'original. Le modèle en plâtre est conservé dans la salle du Musée Civique de Bassano del Grappa. La Vénus Italica, construite en 1812, a été sculptée dans du marbre avec l'inscription "volée par l'Empereur" dessus, et placée à l'intérieur de la Galerie des Offices à Florence.

Le Musée Civique de Bassano del Grappa conserve deux des cinq moulages en plâtre réalisés par Antonio Canova pour la sculpture de la Madeleine pénitente ainsi qu'un dessin de la même et le précieux croquis en terre cuite. La sainte est représentée agenouillée sur le sol, la tête appuyée sur sa poitrine vers son épaule gauche, les bras tendus et le dos arqué vers l'avant alors qu'elle implore sa propre rédemption, son regard affolé concentré sur les paumes de ses mains ouvertes destinées à accueillir une croix. . La posture courbée et le geste implorant illustrent la fragilité psychique du personnage. A côté de la femme, un crâne rappelle la vanité terrestre qui l'a réduite à cet état compatissant, dont elle tente maintenant de se racheter par la prière. Le plâtre représente un modèle préparatoire pour la statue en marbre que Canova avait initialement prévu de vendre au comte Tiberio Roberti de Bassano del Grappa.

Dans ce monochrome, qui reprend une détrempe conservée à Possagno, le thème de la danse se développe en frise. L'artiste élimine la mince bande de sol qui, à la détrempe, sert de surface de pose, suspendant les danseurs dans les airs. La composition est élégante et très décorative. Les robes en voile fluctuant confèrent aux danseuses une légèreté de papillons, mettant en valeur les formes élancées du corps.

Le remarquable patrimoine Canova conservé au Musée Civique de Bassano del Grappa est complété par 10 carnets de croquis grand format et 8 cahiers plus petits pour un total de 1890 feuilles d'une valeur artistique extraordinaire. Parmi celles-ci, l'EB Album conserve le très précieux croquis de la célèbre sculpture d'Amour et Psyché. Le dessin au crayon gras témoigne déjà de l'habileté de composition que Canova traduira plus tard en marbre, les corps des deux personnages se croisant en deux diagonales douces, donnant un équilibre à la composition.

La grande tête exposée dans la salle canovienne du Musée civique, restaurée en 2004, est l'un des nombreux fragments du cheval colossal arrivé à Bassano au milieu du XIXe siècle grâce au legs testamentaire du beau-frère d'Antonio Canova, Monseigneur Giovanni Battista Sartori Canova. Disséqué en 1968 et entreposé depuis lors, le colosse a été le protagoniste et le point de départ de l'Atelier Canova, un projet lancé en 2016 par les Musées civiques en collaboration avec la Fondation Factum, qui a finalement rendu accessible une partie importante du patrimoine de la ville. au public : la restauration virtuelle du Cheval Colossal, la réalisation du fac-similé de deux carnets de croquis et l'esquisse en terre cuite des Trois Grâces. Les résultats de ces recherches ont donné naissance à Antonio Canova. Atelier, volume édité par Marsilio édité par Chiara Casarin en collaboration avec Adam Lowe.

Le tableau met en avant la figure féminine qui est ici à la fois artiste et sujet pictural. La première version de l'œuvre, exécutée par l'artiste en 1610 à l'âge de 17 ans, qui fait aujourd'hui partie de la collection Graf von Schönborn de Pommersfelden en Allemagne, fut suivie en 1622 par celle appartenant à la collection anglaise de Burgley House, celui datant de 1649 de la Galerie Moravska à Brno et celui reçu par le Musée Civique de Bassano en 1973 grâce au legs de Mary Dirouhi Megrditchran veuve Agostinelli. Des aperçus récents précisent la réalisation de la peinture dans l'atelier napolitain d'Artemisia vers 1650.

Il s'agit d'une précieuse esquisse ancienne inachevée, où la préparation de fût rouge utilisée par l'artiste, typique de l'art vénitien du XVIIIe siècle, ressort avec une grande évidence. L'esprit classique repris par Paolo Veronese et le contraste en clair-obscur de la matrice Piazzetta confirment pour l'œuvre une datation de la période « sombre » de Tiepolo, datable vers 1725, non loin de la décoration du Palazzo Sandi à Venise.

L'œuvre est présentée comme l'un des chefs-d'œuvre de Magnasco. Un somptueux et bondé banquet de frères se déroule à l'intérieur d'un immense bâtiment à trois nefs. La scène est vue d'un point de vue surélevé, à vol d'oiseau. Dans la nef centrale, les frères, minuscules par rapport à l'architecture grandiose, se disposent le long de trois grandes rangées de tables qui se développent en profondeur et convergent en perspective vers l'arrière.

Le sujet est Francesco Roberti, fils du comte Tiberio et frère du plus connu Roberto Roberti. La taille du portrait et la rédaction rapide et fine le rendent adapté à un environnement familial. Bien qu'il s'agisse d'une œuvre de jeunesse du maître liée à l'expérience vénitienne et romaine, où il connaît l'environnement de Canova et entre en contact avec les comtes Roberti, le portrait frappe par l'immédiateté sûre, la capacité communicative et l'introspection du sujet.

Bortolo Sacchi était l'un des principaux représentants du courant vénitien du réalisme magique dans sa déclinaison liée à l'environnement de Ca 'Pesaro, lieu de rencontre des peintres de sa génération ; sa peinture est également touchée par l'influence de l'expressionnisme allemand pour sa formation à l'Académie de Munich. Dans cette interprétation particulière du thème de la figure figée, exposée à la Biennale internationale d'art de la ville de Venise en 1928, on retrouve les pierres angulaires de sa peinture : le mystère d'un temps suspendu, l'inquiétude donnée par un étrange silence qui l'imprègne l'espace, l'étude des volumes et des détails.