La pintura está inspirada en las Metamorfosis de Ovidio. A la izquierda encontramos la escena en la que Apolo se dispone a matar a la serpiente Pitón, de la que sin embargo hoy sólo se distingue la figura de Apolo, con el arco estirado, dispuesto a asestar el golpe final al monstruo que iba a ser colocado en frente a él. Continúe hacia la derecha donde, en el centro al fondo, tiene lugar la disputa entre Apolo, en la tierra, y Cupido, en el cielo sobre una nube. Apolo se jacta de su reciente hazaña y denigra las habilidades del niño Cupido como arquero; decide vengarse, disparándole a Apolo la flecha que hará que se enamore de la primera chica que verá. Se prepara otra flecha con la punta al revés para poner en fuga al amor de la mujer que será golpeada: la ninfa Daphne. Apolo comienza a perseguir a Dafne quien, al verse alcanzada, invoca la ayuda de su padre, el dios-río Peneo, (quizás el mismo río que corre bajo el puente). Su oración es respondida y se la representa en el acto de transformarse en laurel.

Esta obra es la única de su colección, que había pintado el marqués Manfredini (él mismo consiguió la tabla de nogal para el pintor). El tema proviene de la mitología griega: se refiere al accidente de caza en el que Céfalo mata por error a su amado Procris. Mientras el desdichado héroe intenta en vano tapar la herida provocada por su lanza, en el fondo Cupido lamenta el final de un amor turbulento.

Penélope está en el telar empeñada en tejer ese lienzo con el que contemporizó frente a las propuestas de matrimonio de los pretendientes que había prometido considerar sólo cuando el lienzo estuviera terminado. Es posible que el tema fuera elegido como modelo de fidelidad nupcial y enviado a la futura novia con motivo de la estipulación del contrato de matrimonio (lo testimoniaría también el bajorrelieve bajo el marco, en el que van unas mujeres para obtener los husos a hilar).

Sin embargo, según otra interpretación, la postura solemne de la mujer, el rostro frío y el brazo que parece sujetar una vara en lugar de un marco parecen estar inspirados en algún modelo de estatuaria antigua. También el bajorrelieve representado a la derecha probablemente muestra a Minerva quien, con ropas más varoniles que la figura de pie, enseña a las niñas el arte de tejer. Además, el lienzo es de color púrpura mientras que, como sabemos por las fuentes, el sudario de Laertes tejido por Penélope era de color blanco. En cambio, si, a la espera de una mayor confirmación, el panel formara parte de la serie Petrucci, el tema tratado sería pertinente para el programa del ciclo basado en los mitos relativos a la fundación mítica de la ciudad de Siena.

Un ángel emerge en un esplendor de luces entre las nubes del cielo nocturno para dar a los pastores el anuncio del nacimiento de Jesús Salvador. Sólo uno de ellos le presta inmediatamente una temblorosa atención; los otros todavía duermen o están decididos a cuidar a los animales.

Este humilde mundo pastoral, que Jacopo Bassano y su taller conocen bien y ponen en primer plano del gran arte, es el primer destinatario de la noticia más sorprendente: Dios se hizo hombre. En la oscuridad de la noche, símbolo del mal y del pecado, un sencillo pastor se deja atraer por la nueva luz, seguido tras él por una oveja que levanta la cabeza: es la primera de ese numeroso rebaño de fieles que el Hijo de Dios ha venido a recoger.

Tres escaleras muy largas permiten que tres hombres con túnicas diminutas, más un cuarto con ropa moderna (quizás un autorretrato del propio pintor), bajen de la cruz el cuerpo lívido y sin vida de Cristo. Su sangre fue enteramente derramada por amor y ahora parece haberse trasladado simbólicamente al manto rojo de Juan: este es el discípulo que permaneció bajo la cruz hasta el final y recogió el testimonio del agua y la sangre que brotaron del costado de Jesús.

En el ángulo izquierdo, María se desmaya sostenida por las piadosas mujeres; a la derecha, en el suelo, yace el cuerpo tendido de uno de los ladrones, mientras que el otro es llevado en el hombro por un hombre de trabajo. En el cómputo del día judío, la puesta del sol da comienzo al sábado y para no exponer los cuerpos en la solemnidad de la Pascua, que está por comenzar, es necesario dar rápidamente sepultura.

A ello alude el pintor intercalando en el fondo el cielo coloreado por las luces del atardecer y dejando entrever la puerta del sepulcro.

Esta imagen del rostro de Cristo probablemente esté inspirada en la llamada leyenda de Edesa.

Francesco del Pugliese, comerciante y mecenas florentino, compró el panel central de la mano flamenca y encargó las dos puertas laterales a Filippino Lippi. Lippi en esos años (1487-1502) pintó al fresco la capilla de San Giovanni Evangelista en SM Novella en Florencia para Strozzi. Esto probablemente influyó en la elección de temas tomados del Evangelio de Juan.

A la izquierda , Jesús se encuentra con la mujer samaritana en el pozo . En el panel de la derecha tiene lugar el encuentro entre María Magdalena y Jesús en el jardín del sepulcro.

La obra está compuesta casi por yuxtaposición de recortes de "decoupage" de las obras de Leonardo. El Niño es una repetición literal del de La Virgen de las Rocas (conservado en el Louvre), mientras que la cabeza de José recuerda los estudios de dibujo que Leonardo realizó sobre la figura humana.

Jerónimo está de rodillas estudiando y traduciendo la Sagrada Escritura, cuando una voz del cielo lo llama (representada simbólicamente por una trompeta) que lo hace girar y mirar hacia arriba. Se refiere a un episodio de su vida: una visión que tuvo durante su primer viaje a Palestina, narrada en una carta del mismo santo a Eutiquio: "De repente fui agarrado en espíritu y arrastrado frente al asiento del Juez... Me pidieron que declarara mi condición y le respondí que era cristiano. Pero el Presidente dijo: "Mientes, eres ciceroniano, no cristiano. Porque donde esté tu tesoro, allí estará tu corazón"... Jurando apelé al nombre del Señor: "Oh Señor, si alguna vez he libros de nuevo mundanos o los leeré, te habré negado”” (Girolamo, ed. 1980, pp. 125-129).

La Virgen en el trono sostiene sobre sus rodillas al Niño que es sorprendido en el acto de coronar a Santa Eulalia, patrona de Barcelona, que fue martirizada muy joven en el siglo IV en España. Detrás de la santa aparece la cruz "X", uno de sus atributos iconográficos: tras el martirio, de hecho, el cuerpo sin vida de Eulalia fue expuesto en una cruz como advertencia a quienes pretendían seguir profesándose cristianos. Todavía no se sabe cómo llegó a Venecia la obra de este pintor catalán, sólo se sabe que fue donada al Seminario en 1925.

El santo viste ropas litúrgicas y su aureola está decorada con caracteres casi cúficos. Sostiene un libro sobre el que descansan las tres esferas doradas, estilización de los monederos con los que, según la leyenda, salvó de la prostitución a las tres hijas de un noble caído ofreciéndoles las sumas necesarias para preparar la dote de cada una de ellas. ., tan rápidamente se convirtieron en novias.

La Virgen, sentada en el trono, sostiene en sus brazos al Niño Jesús que se dirige al espectador de la bendición, erguido y desnudo: De rodillas, está un abad benedictino que ha puesto su mitra en el escalón del trono: es quizás Carrier Trevisan, pero otros lo identifican con el Abad Canal. A la izquierda está San Cipriano, dueño de la abadía, con traje de obispo mientras sostiene el báculo. El compartimento derecho lleva a San Benito, fundador de la orden religiosa que vivió en la abadía de Murano. Ambos santos van envueltos en suntuosos mantos bordados, adornados con perlas y cerrados con broches enjoyados. Sobre el panel central, una media luna muy pintada representa al Padre Eterno rodeado de ángeles.

El grupo de mármol representa únicamente a un Mago que ofrece un regalo al Niño Jesús, reconociéndolo como el Hijo de Dios; María, coronada como una reina, representa a la Iglesia Madre en cuyo regazo Cristo reina como emperador en el trono y bendice a quien se le acerca San José se viste como un viajero medieval y con la mano en el rostro medita al costado del escenario , pero está dispuesto a partir hacia Egipto para salvar al Niño ya su Madre, liberándolo de la amenaza de Herodes que quiere matarlo.

El Padre Giannantonio Moschini (1842) dice que la obra fue "donada" al Seminario por Don Fortunato Maria Rosata, entonces Canciller Patriarcal. Los estudios críticos ahora coinciden en la hipótesis de que la escultura originalmente era policromada y pertenecía a un ciclo sobre la Natividad concebido para la Basílica de San Marco. La interpretación detallada es excepcional; la escultura de alto valor se atribuye por afinidad estilística al llamado Maestro de los Meses de Ferrara (activo a principios del siglo XIII).

Al igual que el busto de Pietro Zen, este líder llegó al seminario como regalo de la noble Chiara Zen, condesa Carlotti.

Esta cabeza de Cristo es una copia del famoso “Volto Santo” que es un crucifijo-relicario todavía venerado en Lucca dentro de la Iglesia de San Martino. Los comerciantes de Lucca, que vivían en Venecia, construyeron su propia capilla en el convento de los frailes Serviti en Cannaregio alrededor de 1360-65.