Este cuadro remite a las estancias en París de De Nittis, un cautivador episodio de la vida de la ciudad ligado al "mundo brillante y lujoso" del medio alto burgués plasmado con vivaz frescura expresiva, bien ejemplificado en el acercamiento del pintor apuliano a aquellos temas de género que Precisamente en esos años en París, y más allá, recibió elogios de crítica y público. La Amazonía, datable a mediados de los años setenta del siglo XIX, se caracteriza por esa "elegancia interior" que permite al artista no deslizarse en un boceto estucado: retoques casi imperceptibles para hacer el velo que oculta el rostro de la Amazonía, ligeramente más espumoso para los encajes, bordados y volantes que decoran la ropa para el pelaje del perro. El artista no se pierde la perspectiva panorámica que ofrece el Bois de Boulogne hasta el Arco del Triunfo, bajando por los Campos Elíseos. El artista yuxtapone los fuertes contrastes cromáticos del primer piso, con la intención de realzarlos, con los tonos dorados y gris azulados de ese rápido vuelo perspectivo del paseo, vivificado por figuras cada vez más pequeñas esbozadas hasta el borde de la Arco. Una manera de romper con la pintura que se repite en muchas de sus obras y que les da profundidad y aliento.

La pintura se remonta a la segunda mitad de la década de 1860, a ese momento de la producción pictórica de Fattori en el que la experiencia Macchiaioli remite al mundo poético y humano del artista. Temas similares al aquí representado se repiten con variaciones hasta finales de los años ochenta: recordamos Bovi al carro de 1867, Maremma Toscana de alrededor de 1880, hasta Rest de alrededor de 1887. verde del pavimento y la vegetación en primer plano, dentro del cual se incluye la "mancha" blanca de los bueyes, al azul del Arno en el piso intermedio; desde los verdes de los árboles más allá del río, hasta el perfil gris de las montañas que se desprende del fondo claro del cielo. El paisaje se crea así mediante la combinación de campos cromáticos, realzados por una línea de contorno, deliberadamente superpuesta al color en la zona central del cuadro. La obra aparece impregnada de una impresión de calma y silencio, conferida por la extrema síntesis cromática que ordena y construye las formas.

El cuadro se expuso en la exposición dedicada a las colecciones de los hermanos Frugone en el Palazzo Bianco en 1938. Aquí se evidencia la preferencia por los temas orientalistas, como lo demuestra la elección del tema, comparable a la serie de las muchachas en el harén o a las diversas odaliscas representadas en pinturas como El baño turco y Una mujer de la oda, ambas de 1876, o en el dibujo a pluma Odalisca. La pequeña figura tendida sobre la alfombra naranja (un color muy querido por el artista) está perfilada por una línea resumen que resume las luces, las sombras y los contornos. El fuerte impacto emocional, deseado por el pintor, se consigue también a través de las elecciones cromáticas, como el blanco de la sábana que envuelve a la niña, potenciado aún más por la complementariedad del azul del cojín y el naranja del fondo.

Medalla de oro en la Exposición de Boston de 1890, año al que se remonta su ejecución, el cuadro, también recordado bajo el título Notissie Nove y Leyendo el periódico, representa a una mujer joven sentada mientras toma una taza de café, durante un descanso. de la lectura del Gazzettino de Venecia. Es un retrato femenino ambientado con gran destreza y elegancia, que parece subrayar el carácter independiente del personaje. Es una feliz representación de una escena de la vida cotidiana, burguesa y elegante, construida con gusto y refinamiento también gracias al hábil uso de los contrastes cromáticos (el blanco del periódico, los colores oscuros del vestido, el color vivo del lazo ). La obra representa dos temas de la pintura de la época, un retrato y una vista, la de Venecia, que se perfila más allá de la ventana, en la parte inferior del cuadro.

Fechada por el autor el 17 de noviembre de 1904, Otoño es una de las numerosas tablillas que representan paisajes de la región de Biella realizadas por el artista directamente del natural, preferentemente durante la estación otoñal o primaveral. También en el paisaje aquí representado, Delleani renueva su gusto por una pasta de color espesa y densa, que se puede trabajar con el pincel para dar relieve a las formas (en este caso, las nubes), o casi grabar, utilizando la punta del lápiz sobre el color fresco, hasta obtener surcos (que aquí se convierten en ramas de árboles contra la luz).

Expuesta a la exposición individual del artista organizada por la Bienal de Venecia en 1909, junto con Porta di Moschea en Brussa y Porta rossa en Anatolia de la colección de Lazzaro G. B., la pintura, fechada en 1869, forma parte de la serie de estudios realizados por el artista en Constantinopla entre 1867 y 1869. De hecho, representa unos veleros con bandera turca tomados en el estrecho del Bósforo y devueltos al lienzo con una técnica más concisa que la minuciosa de otros estudios realizados por el pintor. Los barcos, su reflejo en el agua, la animada intersección de los árboles, los tirantes de las velas recogidas y las escaleras de cuerda, crean una visión animada que se destaca sobre el fondo de la ciudad, resumida en su perfil, y la luz del cielo El elemento principal es la luz que parece romper el color y encenderlo en los detalles de las banderas rojas turcas movidas por el viento.

El cuadro fue comprado por Luigi Frugone a la Sra. Campeggi (mujer conocida en el mercado del arte), gracias a la mediación de Ferruccio Stefani, en 1925. El tema representado es muy frecuente en la producción de Fontanesi: una figura aislada y central en un paisaje. llena de solicitaciones emocionales, elementos propios de ese diálogo entre la figura humana y la naturaleza que el pintor enfrentó con feliz resultado a lo largo de su trayectoria artística. Tanto el tema como los modos de representación recuerdan las experiencias pictóricas de paisajistas franceses, como Costantin Troyon, Camille Corot y Charles Daubigny, conocidos por el artista a través del marchante Victor Branchard y durante las estancias en París que se iniciaron con una visita a la Exposición Universal de 1855.

Procedente de la colección genovesa de los herederos de Giuseppe Bertollo subastada en la Galería Scopinich de Milán en mayo de 1928 e incluida en el volumen relativo a la colección de Luigi Frugone elaborado por Enrico Somarè en 1936, el cuadro, firmado y fechado en 1874, se enfrenta a un agradable sujeto femenino en términos neo-siglo XVIII, según modalidades y sugerencias ofrecidas al artista quizás por su estancia en París en 1866, durante la cual tuvo la oportunidad de conocer la obra de dos virtuosos del pincel, Mariano Fortuny y Jean-Louis Meissonier. En El pintor, la intensidad de la luz que ilumina la escena sirve para resaltar la preciosidad casi miniaturista de los detalles, resueltos en colores esmaltados con un enfoque que recuerda el estilo del pintor Giuseppe Bertini, maestro de Bianchi. Probablemente existe una versión contemporánea pero más esquemática de este cuadro, perteneciente a una colección particular, en la que se han reconocido los rasgos de Carolina Marignani, esposa del artista; en cambio, una acuarela remite a 1872, ya en una colección privada milanesa, considerada una primera idea para este lienzo. El museo conserva otras dos pinturas sobre madera de Mosè Bianchi, pertenecientes al legado de Lazzaro G.B. Frugone: Barca a Chioggia y Vecchia Milano, ambos de mediados de los 80.

El retrato, de aire vivo y desenfadado, se caracteriza por un plano que capta de arriba abajo a la elegante joven (quizás identificable con una actriz de la Comedie Française, Marie Jeanne Bellon, conocida como Miss Bell): la composición se reequilibra por el movimiento en espiral del susurro de la ropa, que, junto con los rápidos y sintéticos "golpes" del pincel, dan ligereza e impulso al conjunto. El contraste entre el color negro del lazo y el cabello, la blancura luminosa del escote, el rojo iridiscente del vestido contribuye a dar al cuadro, aún hoy, un impacto emocional muy fuerte, tanto como para hacerlo, espontáneamente , la imagen simbólica de las Colecciones Frugone. La obra, firmada y fechada en 1903, fue comprada por Luigi Frugone en 1926, por el comerciante Ferruccio Stefani. En una carta, el coleccionista no oculta su entusiasmo por la posesión del cuadro, por lo que utiliza el adjetivo "insuperable". La pintura en realidad estaba destinada a la marquesa Matilde Giustiniani Pallavicini Durazzo de Génova, que quería iniciar una colección de arte moderno. Pero Stefani no renunció a proponérselo a Luigi, debido a la relación amistosa y privilegiada que había establecido con el industrial, y se lo vendió por 130.000 liras. En 1932, en la XVIII Bienal de Venecia, con motivo de la retrospectiva dedicada a Giovanni Boldini, se exhibió Miss Bell con la indicación explícita de la propiedad de Luigi.

La Pastorella al monte delle Raccolte Frugone ve al protagonista junto con un grupo de ovejas y dos perros, en un amplio espacio natural, creado a través de una pintura táctil que se convierte en una herramienta para devolver la percepción de la realidad al lienzo. El lienzo es un ejemplo de cómo la larga estancia francesa en la pintura de Giuseppe Palizzi favoreció un interés por la verdad, entendida sobre todo como "percepción". Si, manteniendo un interés común en la elección del tema, la pintura de su hermano Filippo está más orientada hacia una reproducción objetiva de la verdad, en sus pinturas Giuseppe se fija más en la apariencia general que en la descripción de los detalles. El cuadro puede situarse cronológicamente entre las obras de producción tardía, en las que la pintura, más libre, suelta y luminosa, parece conmovida por solicitaciones impresionistas.

El boceto es un estudio preparatorio para la pintura homónima expuesta por Signorini en la Promotora Florentina de 1860, comprada en esa ocasión por el Príncipe de Carignano y ahora conservada en Valdagno en la Colección Gaetano Marzotto. El boceto preparatorio de las Colecciones Frugone, datable por lo tanto en 1859, puede considerarse el resultado de las vivencias y emociones dirigidas y registradas directamente por el pintor sobre los lugares de los hechos: como otros artistas vinculados a la pintura de manchas, de hecho, Signorini participó en las guerras del Risorgimento y se alistó como voluntario en 1859. En él, como en el cuadro terminado, además del vigor y la inmediatez del plano en vida, hay una entonación general muy clara, determinada por la redacción "manchada". con que el artista construye las arquitecturas blancas, el azul del cielo iluminado por nubes blancas, el verde del paisaje en el horizonte. Los colores oscuros que se juntan en primer plano definen las masas de los soldados y las sombras, en contraste con el pavimento soleado.