Ce tableau fait référence aux séjours à Paris de De Nittis, un épisode captivant de la vie citadine lié au "monde brillant et luxueux" du milieu bourgeois supérieur rendu avec une fraîcheur expressive vive, bien illustrée dans l'approche du peintre des Pouilles à ces sujets de genre qui précisément dans ces années à Paris, et au-delà, a reçu les éloges de la critique et du public. L'Amazonie, datable du milieu des années soixante-dix du XIXe siècle, se caractérise par cette « élégance intérieure » qui permet à l'artiste de ne pas se glisser dans une esquisse stuquée : touches presque imperceptibles pour rendre le voile qui cache le visage de l'Amazone, légèrement plus mousseux pour les dentelles, broderies et volants qui décorent les vêtements pour la fourrure du chien. L'artiste ne manque pas la perspective panoramique qu'offre le Bois de Boulogne jusqu'à l'Arc de Triomphe, en descendant les Champs Elysées. L'artiste juxtapose les forts contrastes de couleurs du premier étage, avec l'intention de les mettre en valeur, avec les tons dorés et gris-bleu de cette rapide fuite en perspective de la promenade, rendue vivante par des figures de plus en plus petites esquissées jusqu'au bord de la Cambre. Une manière de percer la peinture qui revient dans nombre de ses oeuvres et qui leur donne profondeur et souffle.

La peinture remonte à la seconde moitié des années 1860, à ce moment de la production picturale de Fattori où l'expérience Macchiaioli renvoie au monde poétique et humain de l'artiste. Des sujets similaires à celui représenté ici sont répétés avec des variations jusqu'à la fin des années 80 : nous rappelons Bovi al carro de 1867, Maremma Toscana d'environ 1880, jusqu'à Rest d'environ 1887. le vert du dallage et de la végétation au premier plan, dans lequel s'inscrit la "tache" blanche des bœufs, au bleu de l'Arno à l'étage intermédiaire ; des verts des arbres au-delà de la rivière, au profil gris des montagnes qui se détache du fond clair du ciel. Le paysage est ainsi créé par la combinaison de champs chromatiques, rehaussés par une ligne de contour, volontairement superposée à la couleur dans la zone centrale du tableau. L'œuvre apparaît imprégnée d'une impression de calme et de silence, conférée par l'extrême synthèse chromatique qui ordonne et construit les formes.

Le tableau a été exposé à l'exposition consacrée aux collections des frères Frugone au Palazzo Bianco en 1938. Ici, la préférence pour les thèmes orientalistes est évidente, comme en témoigne le choix du sujet, comparable à la série des filles du harem ou aux diverses odalisques représentées dans des peintures telles que Le bain turc et Une femme de l'Oda, toutes deux de 1876, ou dans le dessin à la plume Odalisque. La petite figure allongée sur le tapis orange (une couleur très chère à l'artiste) est soulignée par une ligne sommaire qui résume les lumières, les ombres et les contours. L'impact fortement émotionnel, voulu par le peintre, passe également par les choix chromatiques, comme le blanc du drap qui enveloppe la jeune fille, encore renforcé par la complémentarité du bleu du coussin et de l'orange du fond.

Médaille d'or à l'exposition de Boston de 1890, année à laquelle remonte son exécution, le tableau, également rappelé sous le titre Notissie Nove et Reading the journal, représente une jeune femme assise en sirotant une tasse de café, lors d'une pause de lire le Gazzettino de Venise. Il s'agit d'un portrait féminin mis en scène avec beaucoup de talent et d'élégance, qui semble souligner le caractère indépendant du personnage. C'est une représentation heureuse d'une scène de la vie quotidienne, bourgeoise et élégante, construite avec goût et raffinement aussi grâce à l'utilisation savante des contrastes de couleurs (le blanc du journal, les couleurs sombres de la robe, la couleur vive du nœud ). L'œuvre met en scène deux thèmes de la peinture de l'époque, un portrait et une vue, celle de Venise, qui se dessine au-delà de la fenêtre, en bas du tableau.

Datée par l'auteur du 17 novembre 1904, Automne est l'une des nombreuses tablettes représentant des paysages de la région de Biella réalisés par l'artiste directement d'après nature, de préférence pendant la saison d'automne ou de printemps. Toujours dans le paysage représenté ici, Delleani renouvelle son goût pour une pâte de couleur épaisse et dense, qui peut être travaillée au pinceau pour donner du relief aux formes (en l'occurrence les nuages), ou être presque gravée, à l'aide de la pointe du crayon sur la couleur fraîche, jusqu'à obtenir des rainures (qui deviennent ici des branches d'arbres à contre-jour).

Exposé à l'exposition individuelle de l'artiste organisée par la Biennale de Venise en 1909, avec Porta di Moschea à Brussa et Porta rossa en Anatolie de la collection de Lazzaro G. B., le tableau, daté de 1869, fait partie de la série d'études réalisées par le artiste à Constantinople entre 1867 et 1869. En effet, il représente des voiliers battant pavillon turc pris sur le détroit du Bosphore et ramenés sur la toile avec une technique plus concise que celle minutieuse des autres études réalisées par le peintre. Les bateaux, leur reflet sur l'eau, l'intersection animée des arbres, les tirants des voiles froncées et les échelles de corde, créent une vision animée qui se détache sur le fond de la ville, résumée dans son profil, et la lumière du ciel. L'élément principal est la lumière qui semble briser la couleur et l'allumer dans les détails des drapeaux turcs rouges déplacés par le vent.

Le tableau a été acheté par Luigi Frugone à Mme Campeggi (une femme connue sur le marché de l'art), grâce à la médiation de Ferruccio Stefani, en 1925. Le sujet représenté est très fréquent dans la production de Fontanesi : une figure isolée et centrale dans un paysage plein de sollicitations émotionnelles, éléments typiques de ce dialogue entre la figure humaine et la nature auquel le peintre a fait face avec des résultats heureux tout au long de sa carrière artistique. Tant le sujet que les modes de représentation rappellent les expériences picturales des peintres paysagistes français, tels que Costantin Troyon, Camille Corot et Charles Daubigny, connus de l'artiste par l'intermédiaire du marchand d'art Victor Branchard et lors des séjours parisiens qui débutent par une visite à l'Exposition Universelle de 1855.

Issu de la collection génoise des héritiers de Giuseppe Bertollo vendue aux enchères à la galerie Scopinich de Milan en mai 1928 et reprise dans le volume relatif à la collection de Luigi Frugone dressé par Enrico Somarè en 1936, le tableau, signé et daté 1874, fait face à un agréable sujet féminin en termes néo-XVIIIe siècle, selon les modalités et les suggestions offertes à l'artiste peut-être par son séjour à Paris en 1866, au cours duquel il a eu l'occasion de connaître le travail de deux virtuoses du pinceau, Mariano Fortuny et Jean-Louis Meissonnier. Dans The Painter, l'intensité de la lumière qui éclaire la scène sert à faire ressortir la préciosité presque miniaturiste des détails, résolus en couleurs émaillées avec une approche qui rappelle le style du peintre Giuseppe Bertini, le maître de Bianchi. Il existe probablement une version contemporaine mais plus sommaire de ce tableau, appartenant à une collection privée, dans laquelle les traits de Carolina Marignani, épouse de l'artiste, ont été reconnus ; au lieu de cela, une aquarelle fait référence à 1872, déjà dans une collection privée milanaise, considérée comme une première idée pour cette toile. Le musée conserve deux autres peintures sur bois de Mosè Bianchi, appartenant au légat de Lazzaro G.B. Frugone : Barca a Chioggia et Vecchia Milano, toutes deux datant du milieu des années 1980.

Le portrait, à l'air vif et désinvolte, se caractérise par un cliché qui capture l'élégante jeune femme (peut-être identifiable à une comédienne de la Comédie Française, Marie Jeanne Bellon, dite Miss Bell) de haut en bas : la composition est rééquilibrée par le mouvement en spirale des vêtements bruissants, qui, avec les "coups" rapides et synthétiques du pinceau, donne de la légèreté et de l'élan à l'ensemble. Le contraste entre la couleur noire du nœud et de la chevelure, la blancheur lumineuse du décolleté, le rouge irisé de la robe contribue à donner au tableau, encore aujourd'hui, un impact émotionnel très fort, au point de le rendre, spontanément , l'image emblématique des Collections Frugone. L'œuvre, signée et datée de 1903, a été achetée par Luigi Frugone en 1926, par le marchand Ferruccio Stefani. Dans une lettre, le collectionneur ne cache pas son enthousiasme pour la possession du tableau, pour lequel il utilise l'adjectif "insurpassable". Le tableau était en fait destiné à la marquise Matilde Giustiniani Pallavicini Durazzo de Gênes, qui souhaitait constituer une collection d'art moderne. Mais Stefani n'a pas renoncé à le proposer à Luigi, en raison de la relation amicale et privilégiée qu'elle avait établie avec l'industriel, et le lui a vendu pour 130 000 lires. En 1932, à la XVIIIe Biennale de Venise, à l'occasion de la rétrospective consacrée à Giovanni Boldini, Miss Bell est exposée avec l'indication explicite de la propriété de Luigi.

La Pastorella al monte delle Raccolte Frugone voit le protagoniste avec un groupe de moutons et deux chiens, dans un vaste espace naturel, créé à travers une peinture tactile qui devient un outil pour ramener la perception de la réalité sur la toile. La toile est un exemple de la façon dont le long séjour français dans la peinture de Giuseppe Palizzi a favorisé un intérêt pour la vérité, entendue avant tout comme « perception ». Si, tout en conservant un intérêt commun dans le choix du sujet, la peinture de son frère Filippo est plus orientée vers une reproduction objective de la vérité, dans ses tableaux Giuseppe s'intéresse davantage à l'aspect général qu'à la description des détails. La peinture peut être placée chronologiquement parmi les œuvres de production tardive, dans lesquelles la peinture, plus libre, plus lâche et plus lumineuse, semble mue par les sollicitations impressionnistes.

L'esquisse est une étude préparatoire pour le tableau homonyme exposé par Signorini au promoteur florentin de 1860, acheté à cette occasion par le prince de Carignano et aujourd'hui conservé à Valdagno dans la collection Gaetano Marzotto. L'esquisse préparatoire des Collections Frugone, datable donc de 1859, peut être considérée comme le résultat des expériences et des émotions dirigées et enregistrées directement par le peintre sur les lieux des événements : comme d'autres artistes liés à la peinture des taches, en effet, Signorini a participé aux guerres du Risorgimento et s'est enrôlé comme volontaire en 1859. Dans celui-ci, comme dans le tableau fini, outre la vigueur et l'immédiateté de la vie, il y a une intonation générale très claire, déterminée par la rédaction "tachetée". avec lesquels l'artiste construit les architectures blanches, le bleu du ciel éclairé par des nuages blancs, le vert du paysage à l'horizon. Les couleurs sombres qui se rassemblent au premier plan définissent les masses des soldats et les ombres, en contraste avec le pavé ensoleillé.