La obra consiste en un estuche de madera pintada y dorada que contiene una escultura del ángel de la guarda en el acto de protección de un niño. El objeto constituye un altar doméstico cuya presencia en las casas Marche era muy frecuente.

El trabajo de la producción local de la segunda mitad del siglo. XVIII tiene la ventaja de haberse conservado en su totalidad formal y de constituir un ejemplo de alta artesanía artística en el que se asocian elementos de elaboración plástica con otros de más marcado interés ebanista. El nivel alcanzado por los talleres locales en la talla y modelado del frente está bien documentado por la elegancia de la caja que presenta elementos decorativos en relieve de distintas calificaciones formales con desarrollo de volutas en la cofia y una cinta en los montantes con el motivo de la piña invertida y de la borla en forma de bellota. La misma refinada elegancia manifiesta la figura del ángel.

La obra es una réplica antigua de la pintura similar de Guercino que hoy se conserva en Inglaterra en Corsham Court. El lienzo, de excelente calidad, trata un tema devocional bastante difundido en el clima de la Contrarreforma tardía destinado a invitar a la meditación sobre el tema de la pasión purgada de excesos de patetismo. El lado cultural es el clasicista de la escuela boloñesa de la segunda mitad del siglo.

En el cuadro de Jesi la concentración de los elementos compositivos se apoya en el uso fuertemente contrastado de los elementos luminosos, hoy no del todo revelados, que realzan la luminosidad de la blanquísima carne del niño que emerge de un fondo oscuro y dramático. Mientras que la luz en primer plano corta transversalmente a la figura principal desde arriba, una luz de aurora incide en el paisaje de fondo y define los contornos de la ciudad con torres que domina una extensión de agua que reverbera con su resplandor rojizo.

A la izquierda del cuadro una insólita representación del globo terrestre aclara el supuesto teológico de la imagen, destinado a sugerir el efecto regenerador de las dos acciones sacramentales de la Pasión, a la que aluden la cruz y los clavos, y del Bautismo eclipsado por el curso del río en el fondo.

El Niño, de expresión intensa y meditativa, aparece triunfante en la exhibición de los instrumentos de la Pasión y suaviza su impacto emocional con un físico cándido y regordete.

El cuadro que aquí se presenta pertenece al momento de mayor notoriedad de Amorosi quien, habiendo dejado el taller de Giuseppe Ghezzi en Roma para caminar sobre sus propias piernas, se convierte en un punto de referencia en la capital para quienes desean enriquecer su galería con temas curiosos e insólitos. . . De hecho, Antonio Mercurio Amorosi, originario de la región de Marche, no tardó en darse cuenta de que tenía una particular predisposición por las escenas de género, las Bambocciate tal como las definían, no sin desprecio, aquellos que pedían sólo sujetos altos y profundos de cuadro. En contraste con la representación de temas religiosos, de historia antigua e incluso de mitología, los bamboccianti eligieron para sus pinturas protagonistas miserables, atrapados en los gestos de una vida cotidiana pobre y mezquina con ambientes sórdidos y hacinados como fondo. Despertaron la curiosidad y atrajeron la atención de gente rica y culta, fascinada por el extraño mundo de la pobreza y la mendicidad.

El cuadro que aquí se presenta pertenece al momento de mayor notoriedad de Amorosi quien, habiendo dejado el taller de Giuseppe Ghezzi en Roma para caminar sobre sus propias piernas, se convierte en un punto de referencia en la capital para quienes desean enriquecer su galería con temas curiosos e insólitos. . . De hecho, Antonio Mercurio Amorosi, originario de la región de Marche, no tardó en darse cuenta de que tenía una particular predisposición por las escenas de género, las Bambocciate tal como las definían, no sin desprecio, aquellos que pedían sólo sujetos altos y profundos de cuadro. En contraste con la representación de temas religiosos, de historia antigua e incluso de mitología, los bamboccianti eligieron para sus pinturas protagonistas miserables, atrapados en los gestos de una vida cotidiana pobre y mezquina con ambientes sórdidos y hacinados como fondo. Despertaron la curiosidad y atrajeron la atención de gente rica y culta, fascinada por el extraño mundo de la pobreza y la mendicidad.

La alegoría de los Cinco Sentidos resulta ser uno de los temas predilectos de Carlo Cignani, el alumno más célebre de Francesco Albani y el máximo representante de la corriente clasicista que recorre el relato artístico boloñés de la segunda mitad del siglo. XVII.

Rodeado por la estima de los intelectuales de su tiempo, que lo consideraban el único heredero verdadero de Correggio, fue el jefe de una floreciente tienda primero en Bolonia y luego en Forlì, donde se instaló definitivamente en 1685.

La obra es una réplica de taller del prototipo realizado por Carlo Cignani para el cardenal Lazzaro Pallavicini a finales de siglo. XVII.

En la versión aquí representada, Caridad es representada como una madre rodeada de sus 5 hijos, cada uno llamado a personificar la alegoría del oído, la vista, el olfato, el tacto y el gusto con inmediatez perceptiva debido a la presencia de unos pocos elementos narrativos significativos: el campana, el ramo de flores, el niño en el pecho de la madre, un espejo, una caricia.

El retablo, objeto de unas obras de restauración tras su adquisición, conserva la estructura arqueada original decorada con imitación de mármol y dotada de un doble sistema de capiteles. La predela tiene un motivo grotesco decorativo que enmarca un cartucho central con la inscripción dedicatoria (ahora ilegible). En los paneles laterales aparece la alegoría de la Fe y la Caridad en forma de falsas esculturas insertadas en un edículo de mármol con corona en forma de concha.

Raffaellino del Colle, alumno de Raffaello Sanzio, es el autor de este retablo. En la parte superior se representa el transporte de la Santa Casa de Loreto: muy particular es la forma en que el artista representa las nubes y el cuerpo de los angelitos, expresión típica de la corriente a la que pertenecía, la del Manierismo. En primer plano San Giacomo y San Filippo y al fondo un paisaje fantástico. Esta pintura fue encargada por una familia noble para una iglesia ubicada en Jesi.

La obra, recortada por los 4 lados, resulta ser un fragmento de un lienzo mayor del que no conocemos el tema, ni los motivos de la reducción. Las dimensiones actuales de la obra y su parcialidad exigen cierta cautela para atribuirla al gran artista centonés, a quien remite más de un elemento estilístico. En particular, la obra presenta las características expresivas y pictóricas del primer modo de Guercino.

El artista es básicamente un autodidacta sustentado en un extraordinario talento natural y una espontaneidad sustentada en un agudo sentido de la observación y la disciplina del dibujo. Características todas que encontramos en el fragmento de Jesi que expresa un ductus pictórico de gran valor con pinceladas finas y nerviosas, con la luz que revela el grano engrosado de la piel, la turgencia de las venas de la cabeza, la densidad lanuda de la barba y cabello; mientras que, por el contrario, la sombra densa enfatiza la línea afilada de las mejillas, sugiere la carga volumétrica de los hombros, empuja la figura hacia adelante y la construye plásticamente por contraste.

Como es bien sabido, Giorgio Vasari fue el primer historiador del arte, recordado sobre todo como autor de las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos en las que traza el perfil de los artistas italianos desde la Edad Media hasta Miguel Ángel, considerado la cúspide de los tiempos de arte de todos. Los Lives debían cambiar para siempre la literatura del sector y dar comienzo a la historia del arte tal y como la entendemos hoy.

Como pintor, Vasari es el principal exponente del manierismo toscano de mediados del siglo XVI, en el que la gracia es el ideal estético de referencia, una mezcla magistral de verosimilitud naturalista y calidad intelectual de la belleza.

La imagen que aquí se presenta muestra todos los elementos de la sintaxis compositiva manierista y vasariana en particular: cortes diagonales, figuras acortadas, alargamientos anatómicos, colores ácidos. Las figuras tomadas del medio cuerpo se vuelven habituales, invadiendo el espacio del espectador y apareciendo en los márgenes del espacio pictórico. Son mecanismos de implicación que se enriquecen con soluciones de dirección encaminadas a provocar la implicación directa del espectador. La acción dramática se desarrolla a través del primerísimo plano, la atención al detalle, el contraste entre la dignidad de Cristo y la vergüenza de la cruz, el rostro sufriente y la elegancia del manto rosa.

A pesar de su nacimiento en los Abruzos, Nino Caffé es en efecto un pintor de las Marcas, formado primero en Ancona y desde 1930 en Pesaro. Estudiante en Urbino, donde se graduó en 1935 y donde luego se convirtió en profesor en la Academia local.

En el cuadro de Jesi, ecos de la escuela finisecular francesa y de la delicadeza de Boldini, maestro indiscutible del género retratista, alcanzan cumbres de absoluto virtuosismo en la representación de figuras femeninas.

En esta línea, Nino Caffè contrasta los gestos modestos de la mujer con la sensualidad de los hombros blancos desnudos que se convierten, de hecho, en el centro significativo de la composición. La joven sentada está retratada con un vestido de noche, con una flor en el pelo recogida en un suave moño. Una pintura rápida, con grandes pinceladas, define el vestido, mientras que en la tez y el peinado la firma se vuelve más minuciosa y detallada. En su mano derecha, apoyada en su regazo, la mujer expone un abanico cerrado de color rojo que es fácil de interpretar, aludiendo a una feminidad aún no expresada del todo, pero a punto de desplegarse. Por otro lado, la figura erótica parece ser la más adecuada para ofrecer claves interpretativas de la pintura.

El panel ha sido recientemente restaurado, lo que ha permitido recuperar el color original, revelando el trabajo de un artista refinado, capaz de usar sabiamente los pigmentos para crear preciosos efectos de brillo y brillo, especialmente en la reproducción de las tez. .

Esta Anunciación, como recuerda la inscripción, es una copia de un fresco milagroso encontrado en la basílica de SS. Annunziata de Florencia. Según la tradición, el fresco fue pintado a mediados del siglo XIII por un pintor llamado Bartolomeo, a excepción del rostro de la Virgen, realizado por un ángel. La imagen actual, sin embargo, data del siglo XIV. La gran devoción de la Anunciación florentina propició su rápida y notoria difusión, como atestiguan las numerosas réplicas realizadas por autores conocidos y desconocidos en las iglesias de Florencia y sus alrededores, hasta el otro lado de los Alpes. También hubo muchas reproducciones devocionales para los fieles, estampas, exvotos, xilografías, que supusieron una amplia transmisión. El artista, por tanto, conocía muy bien el modelo iconográfico de referencia, al que se mantiene extremadamente fiel, salvo en la postura del Ángel. A diferencia del original, el Ángel aún no se ha arrodillado frente a la Virgen, quedando atrapado en el instante inmediatamente anterior, doblando las rodillas en el aire deslizándose sin tocar el suelo. Especialmente indicado para dar movimiento y mayor fisicalidad a la figura que, gracias al drapeado del vestido que presionan las rodillas, ya la sombra proyectada en el suelo, se presenta en toda su corporeidad desbordante.

El autor de la pintura es Francesco da Ponte, de Bassano del Grappa, cerca de Venecia, que vivió y trabajó en el Véneto en el siglo XVI. La pintura es un raro ejemplo de un nocturno del siglo XVI y se basa totalmente en el contraste entre la luz y la sombra. Representa un interior con mujeres que están realizando oficios típicamente femeninos (cocinar, hilar, bordar...) y un niño que alimenta el fuego en primer plano. Se cree que probablemente pertenece a una serie que representa las cuatro estaciones, de las cuales simboliza el invierno. La luz nocturna del interior del cuadro permite un estudio preciso de la luz y los colores. En el lado izquierdo del fondo hay dos personas, mientras que en el lado derecho, en un paisaje irreal, un hombre está orando al Cielo y en el cielo oscuro se enciende una luz celestial y muestra a un niño.

Giovanni Fazi es uno de los artistas más significativos de Jesi del siglo XIX, formado en Roma en la Academia de S. Luca. A partir de 1880 fue docente en el Instituto Técnico de Jesi desempeñando un papel importante en la definición de las opciones y gustos artísticos de la ciudad y en la formación de jóvenes talentos. El cuadro representa el retrato de una mujer joven con traje de campesina, con el tocado típico de la tradición Marche: el pañuelo doblado sobre la cabeza y sujeto con alfileres; generalizada también en Lazio y Campania, de hecho, el artista vivió durante mucho tiempo también en estas áreas.