Esta pintura y su contraparte fueron concebidas para ofrecer una vista completa del Golfo de Nápoles. En primer plano presentan el desfile de la procesión real que se celebraba el 8 de septiembre de cada año a lo largo de la Riviera di Chiaia hacia la iglesia de Santa Maria di Piedigrotta. Fue un grandioso desfile militar, en el que entre las alas de una multitud que vitoreaba, desfilaron los carruajes reales y toda la corte sobre el sugerente fondo de la Bahía de Nápoles, creando un espectáculo de incomparable belleza, del que quedan numerosos testimonios figurativos. El artista que mejor captó esta extraordinaria síntesis de historia y naturaleza fue el modenés Antonio Joli (circa 1700-1777). Heredero del lúcido paisajismo ilustrado de Gaspar van Wittel, Joli enriqueció y personalizó su propio lenguaje a través de largas estancias en las principales capitales europeas, donde se hizo apreciar como escenógrafo y paisajista, alcanzando finalmente, precisamente en Nápoles, la culminación de una larga y exitosa carrera. En el interior del carruaje real, representado en el primero de los dos cuadros, es claramente reconocible la figura del niño rey Fernando IV, ascendido al trono en 1759, a la edad de ocho años, tras la abdicación de su padre, Carlos de Borbón, quien había heredado la corona de España. Como, sin embargo, este último sigue representado junto a su hijo, el desfile, en el que excepcionalmente participaron ambos soberanos, debe ser el del 8 de septiembre de 1759, en el que se celebró inmediatamente la coronación de Fernando y poco antes de la partida de Carlos hacia España.

Esta pintura y su contraparte fueron concebidas para ofrecer una vista completa del Golfo de Nápoles. En primer plano presentan el desfile de la procesión real que se celebraba el 8 de septiembre de cada año a lo largo de la Riviera di Chiaia hacia la iglesia de Santa Maria di Piedigrotta. Fue un grandioso desfile militar, en el que entre las alas de una multitud que vitoreaba, desfilaron los carruajes reales y toda la corte sobre el sugerente fondo de la Bahía de Nápoles, creando un espectáculo de incomparable belleza, del que quedan numerosos testimonios figurativos. El artista que mejor captó esta extraordinaria síntesis de historia y naturaleza fue el modenés Antonio Joli (circa 1700-1777). Heredero del lúcido paisajismo ilustrado de Gaspar van Wittel, Joli enriqueció y personalizó su propio lenguaje a través de largas estancias en las principales capitales europeas, donde se hizo apreciar como escenógrafo y paisajista, alcanzando finalmente, precisamente en Nápoles, la culminación de una larga y exitosa carrera. En el interior del carruaje real, representado en el primero de los dos cuadros, es claramente reconocible la figura del niño rey Fernando IV, que ascendió al trono en 1759, a la edad de ocho años, tras la abdicación de su padre, Carlos de Borbón. .había heredado la corona de España. Como, sin embargo, este último sigue representado junto a su hijo, el desfile, en el que excepcionalmente participaron ambos soberanos, debe ser el del 8 de septiembre de 1759, en el que se celebró inmediatamente la coronación de Fernando y poco antes de la partida de Carlos hacia España.

Louise Loy Smart (1810-1888), hermana de la bisabuela materna de Guglielmo Coronini, Elisabetta, nació en Trieste y era hija de Giuseppe Loy y Giustina Pittoni de Dannenfels. Del matrimonio con Thomas Smart (1789-1869), celebrado en 1827, Luisa tuvo ocho hijos, dos niños y seis niñas, de los cuales cuatro fallecieron prematuramente y sólo dos llegaron a la vejez, Guglielmina (1827-1906) y Ada ( 1837 -1912). El retrato heredado a los Coronini en 1912, a la muerte de Ada, la última de la familia Smart, puede fecharse entre 1850 y 1855, como sugieren tanto la edad de la mujer, ya madura pero aún no descolorida, como los personajes del vestido que, según la moda de mediados de siglo, gana amplitud con el miriñaque y corrige la severidad del negro con el toque coqueto del suave encaje de las axilas y el ligero perfil que acompaña al escote. Aunque no estuviera firmado, el cuadro haría pensar inmediatamente en Antonio Zona, un retratista caracterizado precisamente por la capacidad de subrayar la dulzura del alma que expresa Louise Loy y, en general, los buenos sentimientos. Nacido en Gambarare di Mira en 1814 y formado en la Academia de Venecia, tuvo contacto con Trieste desde el principio. Su pintura es el resultado de una gran preparación técnica adquirida en un contexto de profundas transformaciones y duros enfrentamientos entre conservadores y realistas. Al final se mantuvo fiel a una visión tardorromántica, respetuosa de la gran tradición y atenta a los latidos del corazón. Las poses lánguidas ya veces dulzonas satisfacen fácilmente el gusto del público y, aunque en muchos aspectos parece un seguidor de Hayez, no puede igualarlo en la fuerza expresiva de sus retratos.

El repintado que representa a Louis Durfort-Duras, conde de Feversham, probablemente se ejecutó hacia 1685, cuando la figura representada, al servicio de James II, logró su mayor éxito militar con la victoria sobre el duque de Monmouth. En aquella ocasión fue recompensado con la concesión de un prestigioso honor, la Orden de la Jarretera, a la que podría aludir la banda azul del pecho. Aunque conocido por otros retratistas contemporáneos, John Riley (1646-1691) fue uno de los pocos artistas ingleses que logró asentarse en este campo, generalmente dominado por pintores extranjeros, logrando asentarse con un encargo aristocrático y en la misma corte. . Sin embargo, sus obras carecen de la pompa, el énfasis y la ostentación que solían caracterizar el retrato de desfile de la época, dando más lugar a la representación fisonómica y psicológica de los rostros.

Las dos tablas, pintadas por ambos lados, formaban las puertas laterales de un pequeño tríptico que probablemente presentaba una Adoración de los Reyes Magos en el panel central que no fue recibida. Este tema, del que los dos episodios bíblicos de las tablas se consideraban una prefiguración, fue de hecho muy popular en la ciudad mercantil de Amberes, donde en las primeras décadas del siglo XVI un grupo de artistas, en su mayoría anónimos, desarrollaron una particular figura pictórica. estilo, llamado "Manierismo de Amberes", caracterizado por composiciones llenas de gente, por figuras en poses elegantes y artificiales vestidas con elaboradas ropas exóticas, por el uso de colores brillantes e iridiscentes, por una extraña mezcla, en la arquitectura, de elementos góticos tardíos y de motivos renacentistas. Este lenguaje original se destaca por el virtuosismo técnico de la pintura flamenca, particularmente eficaz en la representación realista de telas, pieles, plumas, metales y joyas. En el reverso están representados Santa Gertrudis de Nivelles y San Adriano de Nicomedia.

La estampa pertenece a la serie "Cincuenta y tres estaciones del Tōkaidō", creada por Hiroshige entre 1833 y 1834. La obra representa un detallado "diario de viaje" en imágenes por la carretera costera de Tōkaidō, la más importante de la época, deseada por Tokugawa Yeyasu, el primer shogun del gobierno feudal. El camino, de más de quinientos kilómetros de largo, conectaba Edo, la actual sede del nuevo gobierno en Tokio, con Kyōto, la antigua capital donde aún residía el emperador. Las estaciones eran lugares donde había que detenerse y mostrar el pase, y donde los viajeros encontraban hoteles, caballos, transportadores de mercancías, barqueros, palancas. Entre las estampas de la serie, que tuvo un éxito rotundo, la que representa la Noche de Nieve en Kambara es considerada una obra maestra entre las representaciones de paisajes nevados.

Jan Saenredam dibujó este buril a partir de un dibujo de Hendrick Goltzius. La formación en el taller del conocido maestro de Haarlem, que tuvo lugar hacia los años 1589-1590, le permitió desarrollar una técnica de grabado declinada hacia el virtuosismo, convirtiéndose en su alumno más dotado. La prensa en cuestión representa "el lío que hace Camillo, mientras Brenno pesa el oro". Se destaca la figura de Marco Furio Camillo, quien llegó a caballo a tiempo para salvar el honor de Roma durante el sitio de los galos comandado por Brenno; sostiene la espada en la mano, dispuesto a colocarla en la balanza para elevar el precio del rescate en oro impuesto a los romanos, según cuenta el historiador Tito Livio. El desarrollo horizontal de la escena y la isocefalia remiten a los frisos antiguos, proponiendo un esquema clásico. Es evidente, por la inversión de las letras "G" y "L" en las insignias que aparecen en el grabado, que la imagen es una contraparte del diseño perdido de Goltzius. El virtuosismo de Saenredam queda patente en la excelencia de los resultados obtenidos en esta prueba de grabado. El modelado de formas a través de planos de luz y sombra revela la intención del artista de lograr efectos de relieve marmóreo a través del buril.

El grabado según Ridolfi deriva de la composición que representa "la Virgen María con Santa Ana, que él [Tizaino] pintó en claroscuro sobre la tumba de Luigi Trevisano en S. Giovanni e Paolo". Sin embargo, como apuntó Mariette, el dibujo utilizado para la impresión no podía ser el mismo destinado al cuadro, una luneta donde no aparecía ni la figura de San José ni la de los dos ángeles, en su lugar se veían dos frailes dominicos. No queda rastro de la obra tiziana, originalmente colocada sobre la tumba y ya muy dañada en el siglo XVIII hasta el punto de que, como señaló Zanetti, había sido colocada en una habitación del convento. La obra pertenece a la última fase de la relación de Tiziano con la xilografía, cuando en lugar de invenciones originales, especialmente concebidas para la imprenta, el artista se limitaba a transmitir a los tallistas los dibujos y estudios preparatorios de sus pinturas, que luego eran reelaborados y adaptados a el grabado Tercer estado de tres. Inscripciones: En el reverso, nota manuscrita a lápiz: "Gravure au bois de la main de Titien".

Tras un debut como autora de miniaturas, la pintora veneciana Rosalba Carriera (1675-1757) se consagró rápidamente en el panorama europeo con sus delicados y elegantes retratos al pastel que pronto la convirtieron en una de las personalidades artísticas más influyentes, famosas y cotizadas. de Europa Gracias a ella, la técnica del pastel volvió a estar de moda, prestándose con sus tonos suaves para dar la graciosa gracia típica del gusto rococó. Los temas sagrados no son especialmente numerosos en su producción. Una versión un poco más grande de la misma Madonna se conserva en Venecia, en una de las salas del Palacio Mocenigo. El cuadro que perteneció a Mathilde Coronini, quien lo había heredado de su tía materna Pauline de Sampigny, quedó en manos de Carolina Ritter, esposa de Alfredo Coronini, quien a su vez se lo asignó a su hija Carmen. A la muerte de esta última en 1968, en ausencia de herederos directos, todos sus bienes, incluido el cuadro de Rosalba Carriera, pasaron a su sobrino Guglielmo Coronini.

El realismo casi fotográfico del cuadro, junto a la cuidada caracterización fisonómica de los personajes son rasgos típicos del lenguaje de Ferdinand Georg Waldmüller (1793-1865). Uno de los artistas más populares de su época, supo captar los indicios de ese gusto pictórico burgués de Biedermeier, muy difundido en los países de habla alemana a principios de mediados del siglo XIX. Además de la refinada y vasta producción de retratos, el artista vienés también se especializó en paisajes de rara sensibilidad luminística y escenas de género, como la de este cuadro que muestra a una mujer joven con sus tres hijos buscando refugio de una tormenta en un pequeño país. altar. La pintura perteneció originalmente a las colecciones de Sartorio di Trieste y fue heredada por el Conde Guglielmo Coronini en 1946, gracias a un legado de la última descendiente de la familia Trieste, Anna Segrè Sartorio.

Como está documentado por una serie de cartas, la atribución a Giuseppe Ceracchi del busto de mármol que representa a un joven Napoleón Bonaparte maduró a partir de principios de la década de 1960, gracias a la investigación realizada personalmente por el conde Guglielmo Coronini, a sus contactos con el erudito americano Ulysse Desportes. y comparada con una estampa del grabador inglés Henry Richter, fechada en 1801, donde aparece la siguiente inscripción: “grabado […] del célebre Busto de Ceracchi traído últimamente de París y ahora en su Posesión”. La estampa, de la que el conde tenía una fotografía conservada junto a la citada correspondencia, muestra en realidad una obra muy parecida al busto de Coronini, con la única diferencia de que, como señaló el propio Guglielmo, el que lleva Napoleón es la túnica cruzada de Marengo y del primer consulado, y no el recto de la primera campaña en Italia representado en el ejemplar de Gorizia, por tanto datable en 1796-1797. Aunque Desportes nunca se había expresado claramente por la atribución a Ceracchi, fue gracias a sus informes que con motivo de la exposición monográfica organizada en 1989 en el Palazzo dei conservatori de Roma, los curadores se pusieron en contacto con el conde Coronini para pedirle un préstamo. de la obra. , confirmando el autógrafo del artista romano. La hipótesis es que el ejemplar de Gorizia es en realidad el representado en la estampa de Richter y que fue realizado inmediatamente después del primer encuentro del escultor con Bonaparte, que tuvo lugar en París a principios de 1796. En ese momento Ceracchi ya era un conocido artista y aseguraba que había trabajado por toda Europa y Estados Unidos, pero que también se había dado a conocer por sus ideas democráticas y jacobinas. Partidario de la Campaña de Italia, se convirtió en uno de los consejeros más escuchados del joven general, que lo quería con él en Milán. Aquí Ceracchi pintó un majestuoso retrato anticuado para Napoleón, muy distante, en espíritu y escenario, del de Coronini. De hecho, todos coinciden en reconocer que el busto de Gorizia ciertamente fue hecho del natural, ya que, como subraya el propio Conde Guglielmo, “la expresión enfermiza y cansada y las irregularidades y asimetrías del rostro” alejan la imagen de cualquier idealización y de cualquier intento. en énfasis heroico.

Iniciado en la carrera diplomática, Michele Coronini, en los años inmediatamente posteriores a su matrimonio con Sophie de Fagan, celebrado en París en 1812, estuvo a menudo en misión en el extranjero. Entre 1815 y 1816 permaneció algunos meses en Nápoles, y durante el viaje de regreso hizo ciertamente una parada en Roma de al menos dos semanas. Fue en esta ocasión cuando tuvo la oportunidad de encargar su retrato al artista danés Bertel Thorvaldsen (1770-1844), considerado, junto con Antonio Canova, uno de los más importantes intérpretes del gusto neoclásico. De hecho, la datación de la obra se confirma en el modelo de yeso que se conserva en el Museo Thorvaldsen de Copenhague y que lleva la inscripción "Roma 1816".

La refinada decoración de estas copas cilíndricas, ligeramente acampanadas hacia arriba, se obtiene del contraste entre las dos bandas de superficie perfectamente lisa y pulida, en la base y en el borde superior, y la parte central del cuerpo, ricamente decorada con racimos vegetales. y volutas en plata nielada que se destacan sobre un fondo dorado rugoso, creado a través de un denso patrón de cincel. Moscú fue uno de los principales centros de producción de objetos nielados como lo confirma la procedencia de los dos vasos en cuestión, realizados por un platero cuyo nombre no se ha transmitido, pero cuyas iniciales "AK" se encuentran en numerosos objetos producidos entre 1835 y 1849 que muestran precisas afinidades ejecutivas y decorativas con las dos piezas de Coronini. El niel, técnica milenaria que consiste en rellenar las ranuras grabadas sobre una superficie metálica con una mezcla de color oscuro, compuesta de plata, cobre, plomo y azufre en proporciones variables, fue muy utilizada por los orfebres y plateros rusos desde el siglo X, dando vida a una tradición que alcanzó su apogeo en el siglo XVI, pero que aún continuó expresándose en obras de gran originalidad en el siglo XIX.

El precioso broche camafeo fue realizado por el orfebre Andreas Ferdinand Spiegel, activo en San Petersburgo entre 1830 y 1862, también conocido por ser el maestro de Gustave Fabergé, el padre de Carl. Redescubiertos y coleccionados ya durante el siglo XVIII, los camafeos antiguos comenzaron a usarse en joyería durante la era napoleónica. En el mismo período, especialmente en Roma y Nápoles, donde la tradición de tallar conchas y piedras semipreciosas había sobrevivido a lo largo de los siglos, una producción de camafeos modernos tomó un nuevo vigor y continuó con fortuna inalterable a lo largo del siglo. La belleza y el refinamiento del camafeo de sardónice, que representa un tema antiguo muy difundido, la cabeza de Minerva con su espléndido casco, llevó a Dora Liscia Bemporad a reconocer la mano de un artista de nivel, como el célebre grabador Benedetto Pistrucci, o uno de sus muchos seguidores.

El reloj no lleva firma, pero las extraordinarias figuras que aluden al mito de Orfeo y Eurídice, nos dejan ver el trabajo de un artista de altísima calidad, cuyo talento aflora en las sugerentes y teatrales florituras de los vestidos y en la habilidad con que son prestados los detalles de la armadura. El movimiento, con repique horario, es del tipo denominado "Paris", que se mantuvo en uso con mínimas variaciones desde finales del siglo XVIII hasta principios del siglo XX, gracias a la producción industrial en serie. Por unos documentos encontrados en el Archivo Coronini sabemos que el reloj, junto con los dos candelabros que quizás completaban el conjunto, formaba parte del patrimonio que Sophie de Fagan heredó en 1826 de su madre, fallecida en París. El reloj y los candelabros se embarcaron en Calais y llegaron a Trieste por mar. La base de madera sobre la que descansa el reloj es original y sobre ella, como indica la ranura, se insertó una campana de cristal que se rompió durante el trayecto. Sophie le dejó el reloj a su hija Mathilde, quien a su vez se lo regaló a la esposa de su sobrino Alfredo, Carolina Ritter de Zàhony.

En algunos documentos se mencionan las dos piezas como "Coffee Brico (700) con mango de madera / Punzoni R coronado por una piña (Augusta) ICE / Brico da latte (idem)". En otros, sin embargo, se citan de forma más genérica. Lo que los Coronini habían identificado como una jarra de leche podría considerarse, en cambio, una cafetera egoísta, destinada a contener la bebida para un solo servicio. Gracias a la interpretación de los punzones, es posible rastrear la ciudad, el taller de producción y el período relativo: la "piña coronada por la letra R" indica la ciudad de Augusta y el período de 1765 a 1767; las iniciales "ICE" son las que revelan el orfebre protestante Johann Christoph Engelbrecht. El tipo decorativo, piriforme, de patrón torsional, de pico corto, mango de madera, tapa abombada con empuñadura tridimensional, es muy recurrente, no sólo en Alemania sino en todo el continente europeo. No se excluye que estas dos piezas hayan sido retocadas y restauradas a lo largo del tiempo. En la parte inferior hay varios rastros de cincelado.

Estas espléndidas bodegas de sal llevan el sello de Martin-Guillaume Biennais (1764-1843), uno de los plateros franceses más famosos de su tiempo, proveedor oficial de Napoleón Bonaparte y su corte. Al llegar a París en 1789, Biennais comenzó su carrera como ebanista en un taller ubicado en la Rue Saint-Honoré, con el signo del Mono Púrpura (Chamuscar Violeta), destinado a seguir siendo su marca característica. Tras la abolición de los gremios impuesta por las leyes revolucionarias de 1791 y 1797, que permitían el ejercicio de la profesión a cualquiera, Biennais decidió dedicarse a la platería, produciendo inicialmente pequeños objetos, como juegos de aseo y bolsas de viaje, y colocando los cimientos de un negocio próspero que, en el apogeo de su éxito, lo habría llevado a emplear hasta seiscientas personas. Los cuencos ovalados de cristal tallado, sostenidos por esfinges aladas de una sola pata, hacen eco de manera sorprendente a los saleros pertenecientes al gran servicio de plata dorada realizado por Biennais con motivo de la boda entre Napoleón y María Luisa de Austria, encargo documentado por un pago fechado el 27 de agosto de 1810. Como también podemos observar en las dos bodegas de sal de Coronini, los objetos producidos por Biennais suelen presentar formas sobrias, inspiradas en lo antiguo, cuya elegante funcionalidad no es sofocada, sino más bien realzada, por la refinada decoraciones que se disponen sobre la arquitectura de la pieza sin comprometer el perfecto equilibrio compositivo.

Los datos del archivo no reportan información útil para identificar el origen de los dos objetos, pero los golpes brindan algo más de información. Sin embargo, la procedencia de Ljubljana, indicada por los punzones, nos permite formular algunas hipótesis interesantes: no podemos excluir que los dos objetos, probablemente formando parte de un servicio mayor, pertenecieran a Giovanni Filippo Cobenzl (Ljubljana, 1741 - Viena 1810), un personaje de destacado del Imperio de los Habsburgo y último exponente de su familia, que dejó una herencia conspicua a Michele Coronini Cronberg. La calidad de la mano de obra es cierta, realizada en bandas cinceladas alternadas con bandas lisas, mientras que la parte superior de la tapa del azucarero, que representa fresas con hojas relativas, siempre fue realizada a cincel (hojas) con elementos de fusión (fresas).

Puntilla de aguja en "Point de Sedan" realizada en fino hilo de lino. Las decoraciones, formadas por motivos bastante grandes y elaborados, están realizadas con infinidad de puntadas estampadas y se repiten, alternándose, cada 33 centímetros. De los documentos familiares se desprende que el preciado objeto, apodado "Pizzo Coronini", perteneció originalmente a Olga Westphalen Fürstenberg y a su hermana Thérèse Adamovich, ya que formaba parte de la rica herencia rusa que recibieron en 1913 tras la muerte de su tío materno, el conde Eduardo Cassini. Entre 1967 y 1969 Guglielmo y su hermana Nicoletta, evidentemente conscientes de su gran valor, compraron su parte del encaje a los dos primos Ivan Adamovich y Wilhelmine Herberstein, herederos de la difunta tía Thérèse, a cambio de cubiertos y muebles. .convirtiéndose así en sus exclusivos dueños.

El manuscrito renacentista sobre el juego de ajedrez conservado en la Biblioteca Coronini Cronberg solo en 2006 fue reconocido como un trabajo autógrafo por el famoso matemático Luca Pacioli. El pequeño códice encuadernado en cuero se relacionó inmediatamente con el tratado, titulado De ludo schacorum conocido como Schifanoia, durante siglos considerado completamente perdido, que Pacioli pretendía dedicar a los marqueses de Mantua Federico Gonzaga e Isabella d'Este y para el que había pedido en Venecia el privilegio de imprimir en 1508. La redacción de la obra ciertamente ya estaba en marcha desde 1496 hasta 1499, durante el período que Luca Pacioli pasó en Milán en la corte de Ludovico il Moro, donde conoció a Leonardo da Vinci, destinado a liderar a una larga y fructífera amistad, así como a una colaboración profesional. De sobra es conocida la invención de los magníficos dibujos de sólidos y poliedros que ilustran el De divinaproporcione, la obra dedicada a la sección áurea que Luca Pacioli completó en Milán.

Este magnífico reloj que representa a la diosa Minerva es obra de Pierre Philippe Thomire, el más importante artista del bronce, es decir, productor de objetos en bronce dorado y patinado, así como decoraciones decorativas en bronce, de la época napoleónica. Sus obras, inspiradas en lo antiguo en las formas y motivos decorativos, constituyen algunas de las más altas y refinadas expresiones del estilo Imperio. Designado cincelador de la corte, en 1811 colaboró con el platero Odiot en la creación de la famosa cuna del rey de Roma, hijo de Napoleón y María Luisa de Austria.

El tintero y el pisapapeles forman parte de un servicio de escritura que también incluye dos copas de perfume y dos candelabros. La decoración está realizada con una técnica propia de la alta artesanía rusa que consistía en obtener finas láminas a partir de bloques de malaquita que, posteriormente, aprovechando las particulares tonalidades y los diferentes diseños de las vetas, se aplicaban, como las teselas de un mosaico, sobre bases en piedra o metal. El efecto final fue el de un objeto aparentemente hecho de una sola pieza de malaquita, porque las uniones entre los distintos elementos se ocultaron gracias a un proceso especial que utilizó pequeños fragmentos de malaquita mezclados en una mezcla de color verde. A continuación, se obtuvieron resultados particularmente preciosos al combinar la malaquita con elementos de bronce dorado, que crean un agradable contraste con el color verde de la piedra. Además de la decoración de salas enteras, como la famosa Sala de Malaquita del Palacio de Invierno, la malaquita se utilizó ampliamente en la producción de suntuosos muebles. En las primeras décadas del siglo XIX, mesas, jarrones, candelabros, relojes y tinteros de extraordinaria factura salieron de los talleres de Peterhof y Ekaterimburgo, que, ofrecidos como regalo por los zares a los soberanos extranjeros, ayudaron a sembrar la admiración por este tipo en toda Europa de objetos.

Es un ejemplar de gran valor, decorado en relieve en todas sus partes. La caja de madera de nogal, esculpida en volutas en la parte inferior, tiene una culata en forma de pera achatada. El cañón es liso, redondo, de dos órdenes (hexagonal y redondo) y lleva la firma en mayúsculas “LAZARINO COMINAZZO”. La firma del barril denuncia la pertenencia a la manufactura Cominazzo, una gran y célebre dinastía gardonésa de maestros cañeros que operó desde finales del siglo XVI hasta el siglo XIX. La familia Cominazzo no fabricaba varillas, pero eran excepcionales 'niveladores', produciendo ejemplares muy apreciados por sus extraordinarias cualidades de delgadez y resistencia, combinadas con la elegancia del aspecto exterior.

Valiosa pareja de copas sin marca pero por las características físicas y decoración de la producción de Claudius du Paquier, fundador en 1718 de la fábrica de porcelana de Viena, la segunda en abrirse en Europa. El motivo floral refinado es del tipo llamado Holzschnittblumen, caracterizado por flores grandes, derivadas de los grabados de tratados botánicos, muy utilizados en la primera producción de porcelana europea. La porcelana es un producto cerámico a base de caolín, un tipo particular de arcilla ligera, y minerales finamente molidos como el cuarzo y el feldespato, que al cocerse a altas temperaturas se convierte en un material de gran belleza, blanco translúcido de textura dura y compacta. Nacida en China en los siglos VIII y IX dC, la porcelana comenzó a importarse a Europa recién en el siglo XV. Se hicieron numerosos intentos para reproducirlo inmediatamente, pero solo a principios del siglo XVIII el alquimista Johann Friedrich Böttger descubrió su secreto, instalando la primera fábrica europea en Meissen, cerca de Dresde. La fórmula para la producción de porcelana fue celosamente guardada por Meissen y Claudius du Paquier aprovechó su posición como asesor militar de la corte imperial austríaca para hacerse con el secreto y acercarse y reclutar artesanos de Meissen. En 1718 fue así posible abrir la primera fábrica de porcelana en Austria, ubicada cerca de Viena.

Franz Xaver Messerschmidt fue uno de los escultores más fascinantes de la Ilustración. Artista de formación académica, obtuvo una amplia aprobación en Viena gracias a algunos retratos originales, realizados para la emperatriz María Teresa y su corte. Después de un viaje de estudios a Roma, fue uno de los primeros escultores en romper con las obras suntuosas de la tradición barroca en favor de los ritmos más compuestos del neoclasicismo. En el apogeo de su éxito, hacia 1770, la vida de Messerschmidt se vio sacudida, sin embargo, por una profunda crisis personal, quizás provocada por problemas mentales, que le llevó a abandonar Viena y trasladarse a Pressburg, la actual Bratislava. Aquí, aunque ocasionalmente siguió haciendo retratos por encargo, se dedicó principalmente a sus obras más famosas, las "cabezas de personajes". Según testigos de la época, estos retratos, caracterizados por expresiones que van desde una firme impasibilidad clásica hasta las muecas más exageradas y grotescas, constituían para Messerschmidt un medio para mantener a raya y exorcizar a los demonios que le perseguían. De las aproximadamente 69 cabezas que se encontraban en el estudio del artista en el momento de su muerte en 1783 y que fueron heredadas por su hermano, 49 fueron expuestas en Viena en 1793 y luego desaparecieron. Actualmente solo se han rastreado 44 cabezas, conservadas en museos y colecciones privadas. Las dos cabezas de las colecciones Coronini no se incluyeron en el grupo de 49 obras expuestas repetidamente desde 1793, ya que probablemente fueron vendidas anteriormente por el hermano de Messerschmidt, quien colocó las iniciales “F. M. Sch." y tal vez incluso intervenido con algún acabado en frío. A diferencia de las demás obras de la serie, que pueden sostenerse de forma autónoma sobre una base directamente incorporada al busto, las de Gorizia, tras una reforma posterior, descansan en cambio sobre un soporte de madera, insertado en un pedestal de alabastro. Identificada por los estudiosos como una variante de la mayor sencillez de espíritu, esta cabeza fue llamada el Hombre que mira al sol por el conde Guglielmo Coronini.

El lacado pobre es una técnica utilizada principalmente en la zona de Lombardía-Véneto durante el siglo XVIII, que pretendía imitar económicamente los costosos muebles lacados importados de Oriente. De hecho, la superficie del mueble estaba decorada con figuras recortadas de grabados, coloreadas y hábilmente dispuestas para formar composiciones más o menos elaboradas. A continuación, la superficie se cubrió y protegió con capas de laca. Las escenas que revisten este mueble están inspiradas en los temas de la caza y la pesca. La cofia, o corona superior en madera tallada y dorada, es probablemente una adición posterior y sugiere una producción veneciana o austriaca. El mueble se llama "trumeau de Casanova" porque en su interior el conde Guglielmo Coronini guardaba parte de su colección Casanoviana, o más bien las ediciones más antiguas de los escritos del célebre aventurero veneciano, que constituyen uno de los componentes más valiosos del rico Coronini. biblioteca.

Las joyas de inspiración naturalista fueron muy populares en la segunda mitad del siglo XIX. El elemento que los caracterizó fue la búsqueda, a menudo rayana en el virtuosismo, de un realismo acentuado que se prolongó durante varias décadas hasta dar lugar a las fascinantes interpretaciones del Art Nouveau. Esta exuberante y preciosa orquídea en oro y esmaltes policromados de la prestigiosa firma Janesich de Trieste forma parte de los siempre amados temas florales. La magnífica joya, que parece verse afectada por la preferencia, típica de los años ochenta, por esencias vegetales y flores insólitas o exóticas, aparece inspirada en la famosa serie de orquídeas creada por Tiffany para la Exposición Universal de París de 1889. Esto no es sorprendente desde el ya que la atención a las más recientes innovaciones presentadas internacionalmente fue una constante en la producción de la empresa Janesich, la única en la región que tiene relaciones regulares con las más importantes casas de moda parisinas.

El destino nupcial de este espléndido abanico queda patente en los temas típicamente nupciales representados en el anverso y el reverso: dos palomas con flores naranjas y el monograma de la novia, rodeado de rosas y lilas. El tallado, calado y grabado de las lamas de nácar también son de una calidad excepcional. Las iniciales "ZL", coronadas por una corona principesca, sugieren que este abanico se hizo con motivo de la boda de Zoe Bibikova, con su primer marido Evgenj Lvov. Tras incorporarse a la firma Desrochers en 1849 como decorador de abanicos especializado en temas florales y casarse con la hija del propietario, Félix Alexandre (1823-1887) se hizo cargo del negocio de su suegro, convirtiendo a sus abanicos en los más apreciados y buscados del mundo mundo Sus productos, anunciados por el encanto de la emperatriz Eugenia, encontraron un gran número de seguidores entre ilustres clientes coronados, desde la reina Victoria de Inglaterra, pasando por la reina Luisa de Holanda, pasando por la reina de España y la emperatriz de Rusia María Fedorovna. Entre las razones del gran éxito de Alexandre, también reconocido en las Exposiciones Universales de Londres de 1862 y de París de 1867, estuvo la posibilidad de elegir colaboradores del más alto nivel, tanto para la ejecución de los marcos como para la decoración de las páginas. , también confiado a artistas famosos.

Tras incorporarse a la firma Desrochers en 1849 como decorador de abanicos especializado en temas florales y casarse con la hija del propietario, Félix Alexandre (1823-1887) se hizo cargo del negocio de su suegro, convirtiendo a sus abanicos en los más apreciados y buscados del mundo mundo Sus productos, anunciados por el encanto de la emperatriz Eugenia, encontraron un gran número de seguidores entre ilustres clientes coronados, desde la reina Victoria de Inglaterra, pasando por la reina Luisa de Holanda, pasando por la reina de España y la emperatriz de Rusia María Fedorovna. Entre las razones del gran éxito de Alexandre, también reconocido en las Exposiciones Universales de Londres de 1862 y de París de 1867, estuvo la posibilidad de elegir colaboradores del más alto nivel, tanto para la ejecución de los marcos como para la decoración de las páginas. , también confiado a artistas famosos. Es el caso de Eduard de Beaumont (1812-1888), pintor, grabador, litógrafo e ilustrador, cuya firma aparece en el abanico ilustrado con una de esas escenas temáticas del siglo XVIII, puestas de nuevo en boga por la pasión de la emperatriz Eugenia por el estilo rococó. .

El vestido se compone de frac, camiseta interior y pantalón. Elemento fundamental de la indumentaria del siglo XVIII, el frac, llamado velada en la zona del Véneto, tiene un origen militar y debe su nombre al conde Jean de Marsin. Parece una chaqueta larga con solapas, de corte ajustado al busto y con vuelo en las caderas. Son características las mangas no muy largas pero acampanadas en la parte inferior y con puños anchos. Los botones anchos y planos son numerosos y constituyen un importante elemento decorativo. El frac siempre se llevaba abierto para dejar a la vista el fondo marino, normalmente confeccionado con tejidos más preciados y de un color contrastado. Esta prenda sin mangas tiene un corte ceñido y siempre es más corta que el frac. Los pantalones, también llamados braghe o bragoni, tienen una línea cónica y son cortos en la rodilla, donde se abrochan con unos botones. En el siglo XVIII, la ropa de los hombres todavía mostraba una profusión de colores y adornos. Las decoraciones más comunes fueron, como en este caso, los bordados florales, caracterizados por una exuberancia de colores y formas botánicas, muchas veces realizadas con gran realismo.

Muy extendidas en el siglo XIX, las "copas de la amistad" solían ser piezas únicas, de colección o de vitrina, decoradas con una imagen simbólica o alegórica, acompañadas de un lema, una máxima o una dedicatoria. Los producidos por el fabricante de Viena eran muy hermosos y se distinguían por los colores brillantes de los esmaltes, como el ejemplo de las colecciones Coronini de 1812.

Cáliz realizado por fusión que reproduce de forma extremadamente realista, gracias a un muy hábil trabajo de cincelado, la cabeza de un perro. Esta es una obra extraordinaria del prestigioso taller Sazikov, fundado en Moscú en 1793 por Pavel Fedorovich Sazikov, a quien sucedió en 1830 su hijo Ignatij, quien en 1842 abrió una sucursal en Petersburgo. En 1846 la manufactura recibió el título de proveedor de la corte, lo que le permitió colocar junto a su nombre la insignia imperial con el águila bicéfala. En 1851 Ignatij Sazikov participó en la Exposición Universal de Londres con diecinueve objetos, entre ellos varias esculturas de mesa, que representaban temas históricos y populares o motivos naturalistas, que no encontraron rivales en la sorprendente capacidad de plasmar de forma absolutamente realista los más diversos materiales, desde la piel de los animales a la corteza de los árboles, justamente galardonada con el galardón del más alto honor, la Medalla del Consejo. La tipología particular de este objeto está muy probablemente inspirada en las copas de estribo inglesas, es decir, las "copas del estribo" que se ofrecen a los caballeros que van a partir a la caza y que tradicionalmente se conforman, en una especie de rito propiciatorio, a semejanza de un zorro, ciervo, liebre o sabueso. La palabra "Fidelidad" está grabada en la base en caracteres cirílicos, seguida de la fecha 1 de enero de 1856.

El brazalete de la catedral de estilo neogótico contiene un retrato en miniatura de Edwin de Fagan, el hermano menor de Sophie de Fagan, quien murió trágicamente en 1829, con solo treinta y dos años, luego de una caída desde el calesa. Realizado en el taller de Jean-Baptiste Fossin, quien desde 1819 desempeñó el prestigioso papel de "joyero del rey", como indica la etiqueta pegada en la caja original, el brazalete, datable a finales de la tercera década, con sus volutas. , pináculos, los dos edículos con los caballeros en armadura y las delicadas flores de esmalte es un ejemplo típico de ese estilo neogótico, inspirado en el redescubrimiento de la Edad Media, que tras haber aparecido a principios del siglo XIX, experimentó un importante renacimiento a partir de los Cincuenta. Las joyas decoradas con el retrato en miniatura de un ser querido se encontraban entre las joyas sentimentales más populares durante el siglo XVIII y continuaron gozando de gran popularidad incluso en el siglo siguiente. La miniatura insertada en el brazalete es obra de Pauline Ducruet (1781-1865), esposa del más célebre Jean Baptiste Jacques Augustin (1759-1832), uno de los iluminadores más conocidos de su época, cuyo naturalismo se oponía al acentuado impresionismo del contemporáneo Jean Baptiste Isabey. Alumna de su marido, Pauline Augustin, imitó fielmente su estilo, hasta el punto de que sus obras suelen ser difíciles de distinguir.

Manufactura activa desde el siglo XVII, la de Antonibon di Nove fue una de las más importantes de su época en la zona norte, con una vasta producción en mayólica, pero, a partir de mediados del siglo XVIII, también en porcelana. La sopera, con empuñadura tridimensional, presenta una de las decoraciones típicas de la manufactura, la denominada “fruta barroca”, caracterizada por grupos de frutos de gran tamaño, ejecutados a fuego fuerte con una gama de colores que incluía el rojo ferrina, el fórmula secreta de la fabricación.

Tal y como ha confirmado la reciente restauración, que ha permitido recomponer finalmente las distintas piezas en las que el mueble llevaba algún tiempo desmontado, la estructura de madera, tallada con volutas y motivos florales de estilo rococó, data ciertamente de la segunda mitad del siglo XIX, cuando el gusto por el repertorio ornamental de la época de Luis XV había vuelto a encontrar gran acogida en toda Europa y especialmente en Rusia. Los elementos de porcelana, por otro lado, o al menos ciertamente los soportes con figuras de los estantes, se hicieron en la fábrica de Meissen a principios del siglo XVIII. En uno de los dos, de hecho, se encontró la marca registrada “K.H.C”, que parece haber sido utilizada para indicar la propiedad y la ubicación de las piezas, en este caso específico el “Königliche Hof Conditorey”, o la pastelería Royal Court. Como se sabe, la primera fábrica de porcelana europea se fundó en Meissen, cerca de Dresde, por voluntad de Federico Augusto, elector de Sajonia y más tarde rey de Polonia con el nombre de Augusto II. El característico logo con espadas cruzadas en fondo azul aparece en el reverso de los medallones de los cajones, que representan escenas galantes inspiradas en las composiciones de Antoine Watteau, alternadas con otras más pequeñas con grupos de cupidos. Por la calidad pictórica de las imágenes, obtenidas mediante un delicado punteado, estos decorados son compatibles con una datación en torno a mediados del siglo XVIII, cuando se reaviva, a través de las estampas, las invenciones de los artistas del rococó francés como Watteau o Boucher. ampliamente practicado en Meissen. En esencia, está claro que el mueble fue construido en el siglo XIX con la intención específica de utilizar estos antiguos elementos de porcelana, como lo confirma el hecho de que dos de ellos se insertaron, de manera un tanto incongruente, incluso en el marco. del espejo Si bien los platos ovalados son piezas bastante simples que recuerdan a las que se utilizan como fondos para cajas o cajas de rapé, los seis elementos verticales pueden haber pertenecido originalmente a algunas vajillas articuladas, para ser precisos a uno de esos surtouts, complicadas máquinas de varios brazos destinadas a soportar platos. o bandejas de frutas o dulces, que en el siglo XVIII se utilizaban como centros de mesa. Esta hipótesis se ve confirmada por la marca encontrada en una de las piezas que, como hemos visto, remite su destino a la pastelería real.