Wolfgang Lettl a peint la série "13 tentatives pour devenir un coq" en 1977/1978. La série peut être considérée comme un programme surréaliste. A la fin de cette série il y a un autoportrait, non pas parce que Lettl aimait se voir ou même peindre : il avait juste besoin de se voir dans le miroir tous les matins pour se raser ; au cours de ses plus de 60 ans de travail, il n'a créé que six autoportraits, à l'intérieur avec une œuvre picturale composée de 500 à 600 œuvres. L'autoportrait au bec de coq découle d'une interprétation qui se dégage de cette série d'œuvres. Au bout du compte il y a la prise de conscience qu'il ne s'agit pas de devenir un coq, mais plutôt de démontrer que l'on est une Personne dans les situations les plus variées de la vie et ce, comme on peut le voir sur l'exemple du coq, ne réussit pas toujours de la meilleure façon. . Les nouveaux défis de la vie nous obligent à essayer encore et encore de nous traiter humainement. En tant qu'êtres humains, nous n'avons jamais fini.

"Je n'ai jamais vu René Magritte.

Peut-être que je me trompe, mais j'ai toujours eu l'impression que pour rire il fallait descendre à la cave. Souffrait-il d'une grande solitude, ou d'une froideur intérieure ? Je ne suis pas non plus la plus sociable, mais dans son être et dans ses peintures je vois quelque chose de repoussant, ou du moins d'étranger pour moi. Pour être plus clair : je perçois l'impuissance élégante et tragique de son athéisme. Peut-être (et je dis "peut-être" uniquement parce que je ne veux pas prétendre exprimer un jugement clair) a-t-il fait de son mieux ce que le "surréalisme classique" de l'époque pouvait faire. Ses déraillements, je pense avant tout (mais pas seulement) à sa "phase impressionniste", montrent la tragédie de ceux qui ne marchent jamais sur un chemin et s'y perdent forcément. Mais les artistes ont le droit d'être jugés pour leur meilleur travail. Quiconque veut peindre et, logiquement, ne le peut pas encore, est fasciné par les modèles et essaiera de les imiter. Mais il ne doit pas s'identifier au modèle respectif mais emprunter rapidement d'autres chemins, car chacun a sa propre vie intérieure, son propre au-delà, et cela seul lui appartient. Aucun surréaliste ne peut copier d'un autre. Ce qu'il peint devient nécessairement quelque chose d'inconnu, voire d'incompréhensible. Que cela soit appelé "surréalisme" ou non n'est pas pertinent. Vous me demandez à quel point René Magritte m'a influencé dans mon travail. Eh bien, j'ai regardé ses photos et j'y ai pensé. Parfois, j'ai délibérément cité des motifs de lui ou les ai développés davantage. J'ai fait quelque chose comme ça avec Michel-Ange et Titien, par admiration, pour ainsi dire. Et peut-être que quelque chose s'est glissé en moi par paresse ou par inconscient.

Mais toutes les pommes ne sont pas volées quelque part."

Texte de Wolfang Lettl

Dans son discours à l'ouverture de l'exposition : « To be human - an try » le 15 décembre 2006, Wolfgang Lettl a fait les remarques suivantes à propos de l'image : « Pourtant, elle ne s'en va pas » :

Ne vous attendez pas à ce que je vous en dise beaucoup sur la Marchesa de la Solana de Goya. Je l'ai copié car je l'aimais beaucoup.

Je peux le faire.

Ensuite, je l'ai libéré de son fond de portrait marron, je l'ai retiré un peu du centre de l'image et je l'ai placé dans un paysage ouvert. Non, pas un beau paysage du sud, mais plutôt un morceau de la vallée du Pô avec une architecture industrielle laide et, contrairement au fier Espagnol, trois têtes creuses arrogantes dans une machine volante impossible.

Cependant, avec des chaussures fraîchement cirées.

Labyrinthe (texte : Wolfgang Lettl)

Dans mon imagination, un labyrinthe est une structure si complexe et complexe qu'une fois que vous entrez, vous pouvez difficilement retrouver votre chemin, sauf avec le fil d'Ariane. Se perdre dans un tel labyrinthe est l'une des expériences fondamentales de l'homme moderne. Le surréalisme dans son ensemble peut être qualifié de labyrinthique : de nombreuses énigmes, de nombreuses questions, aucune réponse, aucune issue. Je voulais aborder le sujet de front : peindre un labyrinthe. Mais sans bâtiments anciens ni jardins rococo ludiques ; plus comme une armoire à glace, mais je n'ai pas trouvé de moyen de la représenter de manière convaincante. Je me suis réfugié dans une construction claire mais irréelle, ouverte pour pouvoir regarder à l'intérieur, mais sans issue, où même le fil d'Ariane ne peut aider. Peut-être pouvez-vous imaginer quelque chose de similaire, grâce à vos rêves ? Avec Kafka c'est devenu "Le Procès".

Wolfgang Lettl a peint le tableau "Le Cri" en juin 1989, dans sa résidence secondaire des Pouilles. Il s'agit d'un développement ultérieur de l'image "Prométhée" de la "Gray Series".

Tout d'abord, il frappe le torse massif de couleur argile, avec des mains maladroites qui demandent de l'aide et son expression faciale tordue de douleur. Il s'est fendu au niveau de la poitrine et un oiseau blanc s'est envolé. Les trois barreaux à l'intérieur du torse donnent encore l'impression d'être en cage ou d'être enfermé.

Le torse masculin est sur le rivage d'un plan d'eau, sur lequel se trouvent plusieurs bateaux, chacun avec une figure à l'intérieur. Les personnes agenouillées ou assises dans des bateaux ont les yeux bandés avec des tissus noirs et ont l'intention de se calmer avec la surface de l'eau. Il y a une atmosphère menaçante et sombre dans le ciel.

C'est pour la description de l'image.

Sur fond d'histoire contemporaine, ce tableau peut être vu comme un revirement, une révolution pacifique et la fin de la RDA.

Le buste est devenu fragile de l'intérieur à cause des personnes en quête de liberté. Avec la coupe symbolique de la clôture de barbelés hongroise par le ministre hongrois des Affaires étrangères Gyula Horn et son homologue autrichien Alois Mock le 27 juin, le mur est soudainement devenu perméable. Début juillet, il y a eu un mouvement massif de citoyens de la RDA à travers la Hongrie et la Tchécoslovaquie.

À quel point la direction du SED était aveugle à la réalité et comment elle a essayé de ne pas laisser les vagues battre trop haut sera plus évidente le 7 octobre 1989, "Jour de la République", à l'occasion de la célébration du 40e anniversaire de la fondation de la RDA.

Erich Honecker organise pour la dernière fois les habituels jubilés et fêtes populaires à Berlin, mais les citoyens ne s'identifient plus à l'idéologie du parti. De nombreuses contre-manifestations ont été tentées de réprimer par la force.

Les derniers barreaux ont finalement éclaté le 9 novembre 1989, lors de la chute du mur de Berlin.

"Invitation au coup d'Etat", achevé en 1981, est probablement l'un des tableaux les plus déroutants de Wolfgang Lettl.

Tout devient encore plus surréaliste en lisant l'article de journal aux teintes surréalistes que le Dr Giacomino Vascello, inspiré par le tableau, rapporta à un journal italien. Ci-dessous un bref résumé de l'article :

« INCROYABLE : Un foggiano a apporté sa contribution à la chute du mur de Berlin.

Le Dr Vascello de Foggia et Wolfgang Lettl, professeur à l'Académie des Beaux-Arts de Munich, sont de bons amis depuis de nombreuses années, ils se rencontrent devant du vin, de la bonne nourriture et de la musique classique pour parler du monde de l'art, du droit et de l'éthique . Wolfgang Lettl a utilisé la figure du Dr Vascello pour son tableau "Invitation au coup d'Etat".

Quelques années passent et quelque chose d'extraordinaire se produit : en Allemagne, où les campagnes électorales sont beaucoup plus basées sur des affiches et des cartes postales qu'en Italie, un caprice inexplicable du destin fait que ce tableau est choisi pour la Campagne pour l'unification des deux Allemagnes. .

Depuis, tous les murs de l'Allemagne sont recouverts de cette image, et des centaines de millions de reproductions de cartes postales passent entre les mains de millions d'Allemands. À la fois par plaisanterie et par coïncidence, le Dr Vascello est ainsi devenu le symbole de l'esprit de la nation allemande.

Tout cela est né sans doute entre un verre de vin, la musique de Mozart et un bol de spaghettis fumants mais surtout, bien sûr, lors de discussions sur l'éthique de l'État.

Avec ses yeux d'artiste, le peintre allemand a vu le véritable esprit de l'État dans l'obscur fonctionnaire de l'Italie du Sud et a voulu transmettre le fruit de sa découverte à ses compatriotes et descendants.

Ainsi, un artiste de Foggia est devenu une partie indélébile de l'un des moments les plus dramatiques de l'histoire récente.

La "Venus Sipontina" est l'une des 26 images de la "Gray Series" de Wolfgang Lettl (1985-88)

Le thème de la peinture est respectivement représenté à travers une plaque sur le cadre. Au verso est attachée une image, vraisemblablement peinte sur papier. Il y a des objets sur le cadre.

Dans plusieurs variantes de cette série, un élément classique du style du surréalisme est employé expérimentalement : peignez des choses qui ne rentrent pas dans un espace irréel et des compositions surprenantes, plus ou moins significatives, en résulteront.

Dans cette image, Wolfgang Lettl utilise un nu de sa femme et amante Franziska, qu'il a peint dans le style impressionniste comme image de fond.

À cet égard, il pensait: «Votre femme en tant que modèle est le cas idéal, elle est toujours disponible et s'il manque encore quelque chose à un tableau, elle peut être couchée, elle va toujours bien. Le temps passant, vous le connaissez par cœur, puis vous n'avez plus besoin d'un modèle, ou très rarement d'un détail. Même les pinces à linge sont toujours à ma disposition, même si elles sont magnifiquement colorées et reposent si merveilleusement immobiles, qu'elles ne peuvent rivaliser avec ma Vénus."

Dans le. 10 dernières années de sa vie, Wolfang Lettl a collaboré intensivement avec son fils, Florian. Cela a rendu possible la création de plus de 100 peintures surréalistes entre 1998 et 2007, malgré une maladie grave et le déclin des capacités physiques et mentales. Quant au dernier tableau présenté ici, Florian Lettl a non seulement collaboré intensément au développement du thème, mais a également terminé le tableau pour le rendre disponible pour l'exposition. Après que Wolfgang Lettl eut perdu ses forces et réalisé qu'il ne pouvait plus peindre, il décida de mourir. Il meurt le 10 février 2008 dans les bras de son fils Florian, entouré de ses toiles.

D'une part, ce dernier tableau montre le chef d'orchestre et son orchestre dans un mouvement ascendant. L'art vient de l'inconscient, il est caché dans cette peinture au fond de l'eau. C'est l'acte créatif de l'artiste qui l'élève au grand jour et le rend visible.

Contrairement au chef d'orchestre vêtu de noir qui tend les deux bras, la baguette accentuant le mouvement ascendant, la sculpture en marbre blanc de San Bruno de René-Michel Slodtz, dit Michel-Ange Slodtz (1705-1764), est déjà debout sur son socle. La sculpture a été réalisée en 1744 pour la basilique Saint-Pierre de Rome.

Une main du Saint fait un geste de refus, l'autre pointe vers le bas. Pour des raisons de composition, le tableau manque à la fois du putto qui veut présenter l'insigne de l'évêque au saint, et des attributs du saint (crâne, chaîne et livre) vers lesquels la main pointe.

Les gestes du tableau renvoient donc au chef d'orchestre et à son œuvre ; ils exhortent l'artiste à la modestie et lui rappellent discrètement son éphémère.

Lorsque Wolfgang Lettl, en 1972, a répondu à une petite annonce du Süddeutsche Zeitung dans laquelle un terrain à bâtir près de Manfredonia était proposé à la vente, il n'imaginait certainement pas que la période qu'il y passerait avec sa femme Francesca de 1973 à 2005, il deviendrait pour lui l'un des plus heureux de sa vie.

Ici, dans les années 1975-1995, non seulement les peintures impressionnistes sont nées, mais, à partir de 1986, également nombre de ses peintures surréalistes.

Wolfgang Lettl : « Nous avons acheté un terrain à Siponto, dans le golfe de Manfredonia, directement sur la mer, car selon mon vieil atlas géographique il pleut moins qu'ailleurs, et nous y avons construit une maison. Il y avait beaucoup de travail à faire dans le jardin, car, au début, il n'y avait que des chardons et d'autres choses épineuses. Dans la maison, les murs étaient encore vides. Alors, j'ai pris mon chevalet portatif et je suis sorti, peignant le paysage : maisons, arbres, montagnes, les nuages, les navires et la mer. Le faire est amusant et vraiment fatigant. "

La sculpture représente deux personnes, chacune avec sa lourde sphère, à porter vers le haut. Ils semblent être deux Sisyphe. Le mythe de Sisyphe raconte que pour punir la sagacité de l'homme qui avait osé défier les dieux, Zeus décida que Sisyphe aurait dû pousser un rocher de la base au sommet d'une montagne. Cependant, chaque fois que Sisyphe atteignait le sommet, le rocher revenait au pied de la montagne et à chaque fois, et pour l'éternité, Sisyphe devait recommencer son ascension et ne jamais réussir.

Albert Camus, dans son essai Le Mythe de Sisyphe de 1942, voyait en Sisyphe la personnification de l'absurdité de la vie humaine, qui laisserait le suicide comme solution, même si le « physique » ne résout pas le problème du sens ; mais Camus conclut ses réflexions philosophiques en déclarant : « Il faut imaginer Sisyphe heureux et libre en escaladant le poids qui roule. Ici, dans la sculpture, le Sisyphe a doublé, mais ils n'atteindront jamais le sommet car les deux personnages se gênent l'un l'autre. Mais l'absurdité est qu'ils ne peuvent pas comprendre la raison qui les empêche d'avancer. Nous qui pouvons voir le situation de loin, de manière objective, nous savons que si vous pliez la tête sous la lourde charge, vous ne pouvez pas voir ce que fait l'autre, car votre regard n'est dirigé que vers vos propres pieds et vous sentez seulement que rien ne se passe .que nous sommes aimés d'un Dieu et non condamnés à prendre cet engagement comme Sisyphe.La sphère est le symbole de notre mission terrestre, c'est le poids que nous portons chaque jour avec notre capacité et notre volonté, c'est important pour nous, pour notre vie, pour notre mission. Nous travaillons en soutenant cette sphère au quotidien, dans la vie privée comme dans la vie politique. Mais si les sphères deviennent des fardeaux, des poids, comme il apparaîtrait dans cette sculpture, elles nous empêchent de voir les uns les autres et ne nous permettent pas d'atteindre le sommet, pour ensuite être heureux et libres alors que nous gravissons le poids qui roule, nous devons repenser notre mission, rectifier nos doctrines, vaincre notre égoïsme. Nous devons séparer les sphères pour donner un coup de main à notre voisin, pour nous aider à arriver ensemble au but et non pour mettre des obstacles et des entraves entre nous.