Dieses Gemälde bezieht sich auf die Aufenthalte von De Nittis in Paris, eine fesselnde Episode des Stadtlebens, die mit der "glänzenden und luxuriösen Welt" des gehobenen bürgerlichen Milieus verbunden ist und mit lebendiger Ausdrucksfrische wiedergegeben wird, die in der Herangehensweise des apulischen Malers an diese Genrethemen gut veranschaulicht wird gerade in diesen Jahren in Paris und darüber hinaus von Kritikern und Publikum gefeiert. Die Amazone, die auf die Mitte der siebziger Jahre des neunzehnten Jahrhunderts datiert werden kann, zeichnet sich durch jene „innere Eleganz“ aus, die es dem Künstler erlaubt, nicht in eine Stuckskizze zu verfallen: fast unmerkliche Berührungen machen den Schleier, der das Gesicht der Amazone verbirgt, leicht mehr Schaum für die Spitze, Stickereien und Rüschen, die die Kleidung für das Fell des Hundes schmücken. Der Künstler verpasst nicht die Panoramaperspektive, die der Bois de Boulogne bis zum Arc de Triomphe bietet, die Champs Elysées hinunter. Den starken Farbkontrasten im Erdgeschoss stellt der Künstler die goldenen und grau-blauen Töne des schnellen, perspektivischen Fluges des Ganges gegenüber, um sie zu verstärken, die durch immer kleinere Figuren, die bis zum Rand des Gehwegs skizziert werden, lebendig werden Bogen. Eine Art, die Malerei zu durchbrechen, die in vielen seiner Werke wiederkehrt und ihnen Tiefe und Atem verleiht.

Das Gemälde stammt aus der zweiten Hälfte der 1860er Jahre, jenem Moment in Fattoris Bildproduktion, in dem sich die Macchiaioli-Erfahrung auf die poetische und menschliche Welt des Künstlers bezieht. Ähnliche Sujets wie das hier abgebildete wiederholen sich mit Variationen bis Ende der achtziger Jahre: Wir erinnern an Bovi al carro von 1867, Maremma Toscana von etwa 1880 bis hin zu Rest von etwa 1887. Perspektivisch aufeinander folgende Farbflächen: vom Braun- Grün des Pflasters und der Vegetation im Vordergrund, in die der weiße "Fleck" der Ochsen eingeschlossen ist, bis zum Blau des Arno im Zwischengeschoss; vom Grün der Bäume jenseits des Flusses bis zum grauen Profil der Berge, das sich vom klaren Hintergrund des Himmels löst. Die Landschaft entsteht somit durch die Kombination von Farbfeldern, verstärkt durch eine Konturlinie, die die Farbe im zentralen Bereich des Gemäldes bewusst überlagert. Das Werk scheint von einem Eindruck von Ruhe und Stille durchdrungen, der durch die extreme chromatische Synthese verliehen wird, die die Formen ordnet und konstruiert.

Das Gemälde wurde 1938 auf der den Sammlungen der Gebrüder Frugone gewidmeten Ausstellung im Palazzo Bianco ausgestellt. Hier zeigt sich die Vorliebe für orientalistische Themen, wie die Wahl des Sujets zeigt, vergleichbar mit der Serie Mädchen im Harem bzw zu den verschiedenen Odalisken, die in Gemälden wie The Turkish Bath und A Woman of the Oda, beide von 1876, oder in der Federzeichnung Odalisque dargestellt sind. Die kleine Figur, die auf dem orangefarbenen Teppich liegt (eine Farbe, die dem Künstler sehr am Herzen liegt), wird von einer summarischen Linie umrissen, die die Lichter, Schatten und Umrisse zusammenfasst. Die vom Maler gewünschte starke emotionale Wirkung wird auch durch die Farbwahl erreicht, wie das Weiß des Lakens, das das Mädchen umhüllt, das durch die Komplementarität des Blaus des Kissens und des Orange des Hintergrunds noch verstärkt wird.

Goldmedaille auf der Bostoner Ausstellung von 1890, dem Jahr, in dem seine Ausführung zurückverfolgt werden kann, zeigt das Gemälde, das auch unter dem Titel Notissie Nove and Reading the Zeitung in Erinnerung bleibt, eine junge Frau, die während einer Pause sitzt und an einer Tasse Kaffee nippt vom Lesen des Gazzettino von Venedig. Es ist ein weibliches Porträtset mit viel Geschick und Eleganz, das den eigenständigen Charakter der Figur zu unterstreichen scheint. Es ist eine fröhliche Darstellung einer Szene des Alltags, bürgerlich und elegant, mit Geschmack und Raffinesse gebaut, auch dank des geschickten Einsatzes von Farbkontrasten (das Weiß der Zeitung, die dunklen Farben des Kleides, die lebendige Farbe der Schleife). ). Das Werk zeigt zwei Themen der damaligen Malerei, ein Porträt und eine Ansicht von Venedig, die hinter dem Fenster am unteren Rand des Gemäldes umrissen ist.

Der vom Autor auf den 17. November 1904 datierte Herbst ist eine der zahlreichen Tafeln mit Landschaften in der Biella-Region, die der Künstler direkt nach dem Leben angefertigt hat, vorzugsweise während der Herbst- oder Frühlingssaison. Auch in der hier abgebildeten Landschaft erneuert Delleani seinen Geschmack für eine dicke und dichte Farbpaste, die mit dem Pinsel bearbeitet werden kann, um den Formen (in diesem Fall den Wolken) Relief zu verleihen, oder mit der Spitze des Pinsels fast graviert wird Bleistift auf die frische Farbe, bis Sie Rillen erhalten (die hier gegen das Licht zu Ästen werden).

Das 1869 datierte Gemälde, das zusammen mit der Porta di Moschea in Brussa und der Porta rossa in Anatolien in der von der Biennale in Venedig 1909 organisierten Einzelausstellung des Künstlers ausgestellt wurde, ist Teil der Studienreihe der Künstler in Konstantinopel zwischen 1867 und 1869. Tatsächlich zeigt es einige Segelschiffe unter türkischer Flagge, die am Bosporus aufgenommen und mit einer prägnanteren Technik auf die Leinwand zurückgebracht wurden als die akribische der anderen Studien des Malers. Die Boote, ihre Spiegelung auf dem Wasser, die lebhafte Kreuzung der Bäume, die Zugstangen der gerafften Segel und die Strickleitern schaffen eine lebendige Vision, die sich vor dem Hintergrund der Stadt, zusammengefasst in ihrem Profil, und dem Licht abhebt des Himmels. Das Hauptelement ist das Licht, das die Farbe zu brechen scheint und sie in den Details der vom Wind bewegten roten türkischen Flaggen zum Leuchten bringt.

Das Gemälde wurde 1925 dank der Vermittlung von Ferruccio Stefani von Luigi Frugone von Frau Campeggi (einer auf dem Kunstmarkt bekannten Frau) erworben voller Aufforderungen emotionale, typische Elemente jenes Dialogs zwischen der menschlichen Figur und der Natur, dem der Maler während seiner gesamten künstlerischen Laufbahn mit glücklichen Ergebnissen begegnete. Sowohl das Sujet als auch die Darstellungsweisen erinnern an die Bilderfahrungen französischer Landschaftsmaler wie Costantin Troyon, Camille Corot und Charles Daubigny, die der Künstler durch den Kunsthändler Victor Branchard und während der mit einem Besuch in Paris beginnenden Aufenthalte in Paris kennt Weltausstellung 1855.

Aus der genuesischen Sammlung der Erben von Giuseppe Bertollo stammend, die im Mai 1928 in der Galerie Scopinich in Mailand versteigert und in den 1936 von Enrico Somarè erstellten Band zur Sammlung von Luigi Frugone aufgenommen wurde, sieht das signierte und mit 1874 datierte Gemälde einem angenehmen Gesicht entgegen weibliches Thema in Begriffen des Neo-18 Jean-Louis Meissonier. In The Painter dient die Intensität des Lichts, das die Szene beleuchtet, dazu, die fast miniaturistische Kostbarkeit der Details hervorzuheben, die in emaillierten Farben mit einem Ansatz aufgelöst sind, der an den Stil des Malers Giuseppe Bertini, Bianchis Meister, erinnert. Es gibt wahrscheinlich eine zeitgenössische, aber skizzenhaftere Version dieses Gemäldes, die zu einer Privatsammlung gehört, in der die Züge von Carolina Marignani, der Frau des Künstlers, erkannt wurden; stattdessen bezieht sich ein Aquarell auf 1872, bereits in einer Mailänder Privatsammlung, das als erste Idee für diese Leinwand gilt. Das Museum bewahrt zwei weitere Holzgemälde von Mosè Bianchi auf, die dem Legaten von Lazzaro G.B. Frugone: Barca a Chioggia und Vecchia Milano, beide aus der Mitte der 1980er Jahre.

Das lebensfrohe und lässige Porträt zeichnet sich durch eine Aufnahme aus, die die elegante junge Frau (vielleicht identifizierbar mit einer Schauspielerin der Comedie Française, Marie Jeanne Bellon, bekannt als Miss Bell) von oben bis unten erfasst: Die Komposition wird neu ausbalanciert durch die spiralförmige Bewegung der raschelnden Kleidung, die zusammen mit den schnellen und synthetischen "Strichen" der Bürste dem Ganzen Luftigkeit und Schwung verleiht. Der Kontrast zwischen der schwarzen Farbe der Schleife und dem Haar, dem leuchtenden Weiß des Dekolletés und dem schillernden Rot des Kleides trägt dazu bei, dass das Gemälde auch heute noch eine sehr starke emotionale Wirkung hat, so dass es spontan entsteht , das Symbolbild der Collections Frugone. Das Werk, signiert und datiert 1903, wurde 1926 von Luigi Frugone vom Kaufmann Ferruccio Stefani gekauft. In einem Brief verhehlt der Sammler seine Begeisterung für den Besitz des Gemäldes nicht, für das er das Adjektiv „unübertrefflich“ verwendet. Das Gemälde war eigentlich für die Marquise Matilde Giustiniani Pallavicini Durazzo aus Genua bestimmt, die eine Sammlung moderner Kunst aufbauen wollte. Aufgrund der freundschaftlichen und privilegierten Beziehung, die sie zu dem Industriellen aufgebaut hatte, gab Stefani jedoch nicht auf, es Luigi vorzuschlagen, und verkaufte es ihm für 130.000 Lire. 1932 wurde Miss Bell anlässlich der Giovanni Boldini gewidmeten Retrospektive auf der XVIII. Biennale in Venedig mit dem ausdrücklichen Hinweis auf Luigis Besitz ausgestellt.

Die Pastorella al monte delle Raccolte Frugone sieht den Protagonisten zusammen mit einer Gruppe von Schafen und zwei Hunden in einem weitläufigen Naturraum, der durch eine Berührungsmalerei geschaffen wurde, die zu einem Werkzeug wird, um die Wahrnehmung der Realität auf die Leinwand zurückzubringen. Die Leinwand ist ein Beispiel dafür, wie der lange französische Aufenthalt in Giuseppe Palizzis Malerei ein Interesse an der Wahrheit begünstigte, verstanden vor allem als „Wahrnehmung“. Ist die Malerei seines Bruders Filippo bei gleichem Interesse an der Motivwahl eher an einer objektiven Wiedergabe der Wahrheit orientiert, so achtet Giuseppe in seinen Gemälden mehr auf die Gesamterscheinung als auf die Beschreibung von Details. Das Gemälde ist chronologisch den Werken der Spätproduktion zuzuordnen, in denen die Malerei, freier, lockerer und leuchtender, von impressionistischen Aufforderungen bewegt zu sein scheint.

Die Skizze ist eine vorbereitende Studie für das gleichnamige Gemälde, das Signorini 1860 beim Florentiner Promoter ausstellte, das bei dieser Gelegenheit vom Prinzen von Carignano gekauft und heute in Valdagno in der Sammlung Gaetano Marzotto aufbewahrt wird. Die vorbereitende Skizze der Frugone-Sammlungen, die daher auf 1859 datiert werden kann, kann als Ergebnis der Erfahrungen und Emotionen angesehen werden, die der Maler direkt an den Orten der Ereignisse gerichtet und aufgezeichnet hat: Wie andere Künstler, die mit der Fleckenmalerei verbunden sind, tatsächlich Signorini nahm an den Risorgimento-Kriegen teil und meldete sich 1859 als Freiwilliger. Darin, wie auch im fertigen Gemälde, findet sich neben der Kraft und Unmittelbarkeit der Lebenseinstellung eine sehr klare allgemeine Intonation, bestimmt durch die „gefleckte“ Zeichnung mit denen der Künstler die weißen Architekturen konstruiert, das Blau des von weißen Wolken beleuchteten Himmels, das Grün der Landschaft am Horizont. Die dunklen Farben, die sich im Vordergrund sammeln, definieren die Massen der Soldaten und die Schatten im Kontrast zum sonnigen Pflaster.