Die Mixed-Media-Kunst von Albert Niemeyer porträtiert häufig historische Persönlichkeiten und Ereignisse. Dieses besondere Stück ist ein Kommentar zur kommerziellen Seite der amerikanischen Gesellschaft im Allgemeinen und insbesondere zum Einfluss der Pop-Art. Über dem Porträt von Andy Warhol, der natürlich die Verkörperung der Pop-Art ist, wird ein Donut als Heiligenschein verwendet. Zu sehen ist auch eine deformierte Eselpuppe. Dies ist ein Kommentar zum demokratischen System (die Demokratische Partei hat einen Esel in ihrer Flagge), das an sich alles andere als perfekt ist und stark von großen Unternehmen unterstützt wird. Daher die Michelin-Zahl. Auf der rechten Seite finden Sie eine Anspielung auf die Oscars in Form einer goldenen Marionette, die ebenfalls alles andere als perfekt ist. Am rechten und unteren Rand ist ein Fragment eines Buches zu sehen, das Warhol geschrieben hat: Von A nach B und wieder zurück.

Ein Frühwerk dieses bekannten und vielseitigen niederländischen Künstlers. Dieses Gemälde ist Teil einer Serie großer blauer Gemälde. Die ursprüngliche Ausstellung in den frühen 1980er Jahren zog viel Aufmerksamkeit auf sich. Die ehemalige Königin Juliana der Niederlande besuchte die Ausstellung und war sichtlich beeindruckt. Das Thema der Serie ist Versuchung und verlorene Liebe. Zwei Gegensätze in einem Kunstwerk. Dieses Gemälde war eine Spende eines privaten Sammlers an das Museum.

Ad Arma ist auch bekannt für seine abstrakten Gemälde, Radierungen, Keramikskulpturen und Glasobjekte. Er arbeitet nachts, um Ablenkung zu vermeiden. Er gewann 2007 den Titel Niederländischer Künstler des Jahres und wurde mit dem Titel Brilliant Artist 2022 geehrt, einem Ehrentitel für niederländische Künstler.

Bevor Sie das Museum betreten, sehen Sie drei Skulpturen. Einer davon ist Siro von Geert Verstappen. Es besteht aus einigen Grundformen und Formen wie einem Dreieck, einer Scheibe und einem Bruchteil einer Kugel. Der Name bezieht sich auf die griechische und römische Geschichte und Mythen. Dieser Name passt gut zu der robusten Struktur. Die meisten Kunstwerke dieses Künstlers bestehen aus robusten Materialien wie Bronze und Stahl, obwohl er manchmal die Kombination von Glas und Aluminium verwendet, um ein zerbrechlicheres und transparenteres Bild zu schaffen.

Alle Arbeiten von Geert Verstappen zeigen sowohl einen Sinn für Perfektion als auch für Unvollkommenheit. Was aus einem Blickwinkel als perfekt empfunden wird, kann aus einem anderen Blickwinkel unvollkommen aussehen. Die Spannung zwischen den beiden macht diese Skulpturen spannend und von unvergänglicher Qualität.

Die abstrakten Gemälde von Gerard te Wierik zeigen seine Liebe zum Design. Seine zeichnerische Ausbildung zeigt sich in jedem Kunstwerk. Seine Inspiration kommt von der Natur und berühmten Malern wie Jackson Pollock und Vincent van Gogh. Diese Inspiration übersetzt sich in stark geschichtete Abstraktionen mit viel Tiefe und faszinierender Dynamik. Seine „Movements“-Serie besteht aus monumentalen und kleinen Gemälden, die im Grunde Standbilder von Naturbewegungen sind, wie zum Beispiel – wehendes Gras. Diese Stills sind eine Reaktion auf die hektische digitale Gesellschaft, die niemals stillsteht. Seine Werke lenken die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die Natur, wo man Ruhe, Meditation und Kontemplation erleben kann.

Diese „Urahnin“ ist ein schönes Beispiel für die Handwerkskunst von Hans Janssen. Der Steinzeugkörper der Skulptur ist mit verschiedenen Metallpulvern bedeckt, die mit Ammoniak und Salzsäure besprüht wurden. Ein experimenteller Prozess mit einem schönen und unverwechselbaren Erscheinungsbild. Der gläserne Kopfschmuck verleiht der Figur Würde und Status. Seine Inspiration kommt von alten Kulturen, Science-Fiction und Okkultismus. Hans Janssen ging immer seinen eigenen Weg, ohne kommerzielle Kompromisse. Seine Techniken sind größtenteils Autodidakt und das Ergebnis langjähriger Experimente. Neuere Entwicklungen sind interaktive Glasmalereien und Wandskulpturen.

Gemälde von Jacques Tange sind farbenfroh, humorvoll, verspielt und oft frech. Es gibt immer mehr als man denkt und es gibt oft versteckte Botschaften. Der Künstler porträtiert fast nie bestimmte Personen, sondern kommentiert Menschen und die Gesellschaft im Allgemeinen. Seine Bilder erzählen eine Geschichte und spielen mit unserem Realitätssinn. Katzen haben menschenähnliche Gesichter, Pferde haben Räder statt Hufe und Fische können kuschelige Haustiere sein. Die Frauen, die Jacques Tange porträtiert, sind starke Persönlichkeiten. Dieses besondere Gemälde handelt vom Vater des Künstlers, der früher Kapitän zur See war. Die Briefe an seine Frau brachten ihn ihr näher, als er wirklich war. In jedem Detail steckt Symbolik; die Jacke, das Muster des Sofas, der Blick durchs Fenster und das Glas Wein. Man kann Tanges Arbeit kaum ein Etikett geben, sie steht für sich.

Jan van Lokhorst startete dort, wo die COBRA-Bewegung aufhörte. Seine ausdrucksstarken halbabstrakten Gemälde zeigen eine rohe Energie. Am auffälligsten ist seine Verwendung von Farbe und die starken Linien, die Figuren bilden. Die Farben und Linien werden intuitiv und emotional gewählt. Van Lokhorst ist ein expressionistischer Maler pur sang . Er schätzt die Materialien, mit denen er arbeitet, sehr: Farbe – nicht selten direkt aus der Tube – aufgetragen mit Spachtel oder bloßen Händen.

Dieses Gemälde zeigt Jongleure beim Spielen. Man kann einige menschliche Figuren und abgetrennte Körperteile unterscheiden. Intuitiv gezeichnete Linien suggerieren Bewegung und Spiel. Genau das macht die Gemälde von Jan van Lokhorst so reizvoll. Die Energie und Verspieltheit lassen nie nach. Weitere Sujets seiner Bilder sind die Landschaften Frankreichs, die Tiere Afrikas und Musiker.  

Das Erste, was einem in Johan Abelings Werk auffällt, ist die Rätselhaftigkeit. Die Atmosphäre in seinen trostlosen Landschaften ist fast unwirklich. Der Künstler gilt als nördlicher Realist; ein Begriff für realistische Maler aus dem Norden der Niederlande. Sein Thema sind die nordholländischen Landschaften, oft mit einem kahlen Baum, einer verlassenen Villa oder nur einem kleinen Teil eines heruntergekommenen Zauns oder Grenzpfostens. Er nutzt die Realität als Inspiration für seine eigene mystische Welt. Seine Bilder scheinen eine eigene Persönlichkeit und eine eigene Geschichte zu haben. Man kann seine Bilder auch als Ruhepunkte in einer hektischen Gesellschaft betrachten. Johan Abeling ist ein Meister in der Verwendung von Sfumato, einer Technik zur Erzeugung eines diffusen und gefilterten Lichts. Indem er mehrere transparente Schichten aufträgt, mildert er die Übergänge zwischen Farben und Formen und schafft so traumhafte Bilder.

Bilder des Herzens; so beschreibt Margot Homan ihre eigenen Skulpturen. Sie arbeitet nicht mit Modellen, sondern schöpft aus ihrem eigenen Wissen über die menschliche Anatomie, um Skulpturen mit eigener Persönlichkeit zu schaffen. Das porträtiert nicht einen Mann oder eine Frau, sondern Männer und Frauen als Konzept. Diese starke „Frau“ zeigt Selbstvertrauen und Wertschätzung. Wer braucht Flügel? Diese Frau ist bereits frei. Margot Homan entwirft ihre Arbeiten in ihrem Studio in den Niederlanden. Der Guss der Bronze oder die Marmorierung erfolgt in Italien. Auf diese Weise verbindet sie zwei Welten und ihre kulturellen Unterschiede zu einer unendlichen Inspirationsquelle. Ihre Arbeiten sind klassisch veredelt mit historischen Bezügen und zeitloser Ausstrahlung.

Nach einem schweren Autounfall verlor Peter van Oostzanen für einige Zeit die Verbindung zu Zeit und Raum. Er sah die seltsamsten Visionen. Diese Zeit ist der Ausgangspunkt für seine surrealen und magisch-realistischen Gemälde. Er verbindet lässige Bilder mit tiefen Emotionen und einfachem Spaß. Der Titel dieses Gemäldes bedeutet übersetzt „fertig geflogen“, aber auch „ausgeflogen“. Es zeigt zwei Vögel, die nicht fliegen können – sie sind tot – und eine junge Frau, die verletzlich und ohne den direkten Schutz ihres Elternhauses ist. Die Federn der Taube symbolisieren Weiblichkeit und Lebensgeist.

Peter van Oostzanen ist sowohl ein begabter Maler als auch ein Geschichtenerzähler. In seinen Bildern steckt immer viel mehr, als man auf den ersten Blick sieht. Seine Techniken sind die gleichen wie die vieler niederländischer Meister. Nach dem ersten Malen folgen viele Schichten, um Tiefe und Lebendigkeit zu erzeugen.

Nachdem er seine Karriere als abstrakter Maler begonnen hatte, wechselte er kurz darauf zum Realismus. Er konzentrierte sich zunächst auf Akte. Seine ersten realistischen Gemälde waren Plattencover für die niederländische Band Flairck, die international bekannt wurde. Das war in den späten 1970er Jahren. Er fing an, andere Elemente in seine Arbeit einzubeziehen, wie Musik (offensichtlich), Theater, fremde Kulturen und Tiere. Seine vielen Reisen wurden zu einer Quelle der Inspiration. Er fertigte eine Reihe von Gemälden unter dem Namen „carnaval des animeaux“ an, wobei er für jedes Gemälde ein anderes Tier verwendete. 2013, ein Jahr vor seinem frühen Tod, fertigte er diese Steinlithographie von fast jedem Tier an, das er jemals gemalt hatte. Er war ein Meister in der Kunst der Lithografie mit unglaublichen Details und komplexen Farbgebungen. Musiom hat die Absicht und die Erinnerung an diesen bemerkenswerten Künstler lebendig zu halten, indem er seine Arbeiten ausstellt und seine Lebensgeschichte weitergibt.

Die Skulpturen von Sjaak Smetsers sind wie Figuren aus einem Märchenbuch. Sie haben eine menschenähnliche Persönlichkeit. Typischerweise verwendet er eine Kombination aus Glas und mehreren Metallen wie Kupfer und Bronze. Die vogelähnlichen Köpfe und die menschlichen Füße sind Markenzeichen. Seine Faszination für Vögel und die Natur im Allgemeinen begann schon in jungen Jahren, als sein Vater ihn oft zur Vogelbeobachtung mitnahm. Es ist leicht, diese sympathischen Kunstwerke zu mögen, aber sie haben immer mehr zu bieten, als Sie vielleicht erwarten. Die meisten seiner Kreaturen haben zwei Augen auf jeder Seite ihres Kopfes. Dies deutet darauf hin, dass sie mehr als nur ein Gesicht zeigen können, genau wie Menschen. Diese Skulptur hat zwei menschliche Hände, die zum Gebet verbunden sind, oder ist es ein Gruß? Sie können hinter Türen in einem kleinen Fach im Inneren des Glaskörpers verstaut werden. Sie können bei jeder Gelegenheit wieder auftauchen. Ist die Geste echt? Wir werden nie wissen. Was wir wissen, zaubert vielen Museumsbesuchern ein Lächeln ins Gesicht.

Theo Koster ist auf Landschaften spezialisiert. Zu Beginn seiner Karriere waren die Landschaften sehr grafisch und voller Symbole. Im Laufe der Jahre wurden sie impressionistischer und strukturierter. Er verwendet Materialien und Medien, um Effekte zu erzeugen. Seine Himmel sind fast eine chemische Reaktion zwischen Farbe und anderen Materialien, was oft auf schweres Wetter hindeutet. Die Landschaften selbst sind voller Tiefe und enthalten nur sehr wenige Elemente wie Bäume oder Häuser. Inspiration findet Theo Koster bei langen Spaziergängen mit seinem Hund. Die ländliche niederländische Landschaft ist ziemlich flach und manchmal alles andere als aufregend, aber die Interpretationen des Künstlers sind lebendig und aufregend. Dieses besondere Gemälde ist ein Besucherliebling und wird oft im Museum ausgestellt.

Theo Koster ist ein international orientierter Künstler. Er arbeitete in Frankreich und später in Indien und nimmt weltweit an Ausstellungen teil.

Hans van Horck (vanhorck) ist einer der Initiatoren von Musiom und ständiger Artist in Residence. Er begann als Aquarellmaler und machte hauptsächlich Porträts und Akte. Im Laufe der 1980er Jahre wurde seine Arbeit abstrakter und er begann mit Acrylfarbe zu arbeiten. Er blieb längere Zeit in den Vereinigten Staaten, wo die vielen verschiedenen Landschaften zu seiner Hauptinspiration wurden. Dieses Gemälde wurde vom Lake Michigan inspiriert und ist eines der vielen, die er während seines Aufenthalts gemacht hat. Heute bilden die nordamerikanischen Landschaften eine wichtige Inspirationsquelle. Neben abstrakten Landschaften ist Vanhorck für seine Gemälde mit Symbolen aus alten Mythen und alten Kulturen bekannt.

Das Atelier des Künstlers kann bei einem Besuch im Musiom besichtigt werden. Sie werden ihn nie bei der Arbeit finden, da Besucher vom Schaffensprozess ablenken, aber jeder ist willkommen, einen Blick in die Welt des Künstlers zu werfen. Er war schon immer ein sehr produktiver Künstler und seine Arbeiten sind in vielen Privat- und Firmensammlungen zu finden.

Glasgefäße, offenes Formobjekt, Schmuck; Willem van Oijen ist vielseitig und hochqualifiziert in der Herstellung von Glaskunst. Die Oberfläche jedes der von ihm geschaffenen Objekte, ob geblasen oder gegossen, eine flache Platte oder ein Block, wird durchdrungen und neu geformt durch Sandschnitzen mit tiefem Relief, Schleifen, Schleifen, Gravieren, Ätzen und Polieren. Indem er dem Objekt andere Materialien wie Bronze, Stahl oder Holz in Kombination mit der Glaskomponente hinzufügt, betont er die Transparenz und Zerbrechlichkeit des Glases. Ein wichtiger Aspekt seiner Arbeit ist, dass er Gegensätze in der Bearbeitung der Oberfläche eines Objekts, der Verwendung von Farbe, der unterschiedlichen Strahlkraft der verwendeten Materialien, dem Konzept und Design in Wechselwirkung bringt. Die Verwendung von Kontrasten erzeugt in seinem Werk Spannung, eine Spannung, die sorgfältig ausbalanciert ist und folglich zu homogenen, aber starken Kunstwerken führt.

Der Künstler erhielt seine Ausbildung von seinem Vater, Willem van Oijen sen., der in der Nachkriegszeit ein bekannter Glaskünstler, Maler und Bildhauer war. Man kann durchaus sagen, dass Willem van Oijen jr. ist mit Glas geboren und aufgewachsen.