El panel central del tríptico es una copia con pequeñas variaciones de una obra de Memling hoy en Berlín. Las puertas laterales, que se remontan a otras pinturas suyas, también parecen referirse al estilo del maestro. La obra, por tanto, puede atribuirse a un maestro anónimo probablemente de Brujas de la primera y segunda década del siglo XVI: de hecho, se caracteriza por un cierto arcaísmo que se manifiesta en la ejecución cerrada y estática de las formas.

El tema Salvator Mundi, constante en la iconografía occidental de los siglos XV y XVI, se interpreta aquí con una alusión a la derivación bizantina que El Greco ayuda a llevar a Occidente. La figura de Cristo procede probablemente del Apostolado conservado en Oviedo, una serie de pinturas que incluían originalmente a los doce Apóstoles y al Redentor, desaparecidos de la serie de Oviedo. El Cristo Salvador que con la mano derecha levantada bendice, según el gesto latino, y sostiene la izquierda apoyada sobre el globo terráqueo, remite a la tradición de los iconos bizantinos, gracias a la disposición frontal, la mirada profunda y la forma romboidal de el halo luminoso que rodea la cabeza.

La obra fechada en 1644, como se puede leer en el rollo de pergamino que el matemático sostiene en la mano derecha, se remonta a Ribera porque puede asimilarse a otras obras del pintor, que representan medias figuras de filósofos, santos y mendigos, representados de manera similar frontalmente con los atributos relativos en primer plano. La característica del autor es, de hecho, la alta intensidad expresiva, dada a través del realismo explícito de detalles como las arrugas del rostro y la hábil representación de la barba y el cabello.

Luigi Parmeggiani, de pelo y bigote canosos y expresión serena, aparece sentado en el centro de una sala, rodeado de los objetos que han caracterizado su negocio de antigüedades. En la fecha del cuadro, sin embargo, Parmeggiani tiene 41 años y dista mucho de parecerse al retrato. Sin embargo, la pintura y la firma son auténticas, y esto genera una contradicción. El misterio probablemente sea revelado por la solicitud de pago de un pintor de Reggio, quien en la década de 1930 quizás recibió el encargo de insertar un anciano Parmeggiani en el lugar de una figura preexistente. Observando atentamente la pintura, en efecto, alrededor del hombre sentado hay signos de raspaduras del material pictórico y evidentes nuevas capas de color.

El término "andrienne", originalmente refiriéndose a una representación teatral, indica un vestido con una línea cómoda y suave, utilizado inicialmente en ambientes domésticos. Posteriormente este modelo también se impuso en ocasiones oficiales, poniéndose muy de moda. También este modelo se caracteriza por un gran panel en la espalda sostenido a la altura de los hombros por pliegues cosidos. La tela tiene un diseño vertical con brotes ondulantes de color marfil con rosas azules, moradas y rosas. A lo largo de la abertura delantera hay dos bandas del mismo tejido perfiladas por una cinta de seda que continúan alrededor del escote.

El traje figura como un ejemplo importante de la indumentaria masculina del siglo XVII. Consiste en una chaqueta ajustada y calzones reembolsados a la mitad del muslo, complementados con calcetines de punto de seda, zapatos de cuero, guantes y un sombrero de cuero. El vestido, realizado en raso de seda carmesí con aplicaciones de cuero, presenta una decoración simétrica de rombos en la que se bordan flores estilizadas, tal vez claveles. La forma corta y muy redondeada caracterizó un tipo de vestimenta muy habitual en la corte y en la zona de influencia española, desde los años setenta del siglo XVI.