Un neón con las palabras "pan" inaugura el itinerario expositivo. La obra actúa como un manifiesto de Contemporanee / Contemporanei refiriéndose, por un lado, a la producción de pan en la antigua Provianda di Santa Marta y, por otro, con un acento explícitamente metafórico, al actual destino universitario del edificio: de hecho, los estudiantes deben estar capacitados para obtener su propio sustento en el futuro, a través de los conocimientos y habilidades que adquirirán durante sus estudios, así como para compartir los fundamentos éticos de los recursos comunes, representados simbólicamente por el pan.

El contrato que acompaña a la obra preveía que la letra de la escritura pertenecía al coleccionista Giorgio Fasol, quien, de esta forma, firma simbólicamente el inicio del itinerario expositivo.

En una actuación que duró casi 24 horas, el artista movió manualmente las manecillas de un gran reloj a medida que pasaba cada minuto. Sin la ayuda de ningún instrumento, Moudov sólo ha contado o seguido su propia percepción del paso del tiempo. Sin querer llegar a una metáfora concreta, la obra se ofrece filosóficamente a múltiples interpretaciones sobre la relación del ser humano con el tiempo.

La obra se compone de dos esferas, cada una de las cuales contiene otra móvil. Manejándolos es posible simular la sucesión de las seis fases de la luna. El objeto parece ser el producto de un alquimista nostálgico que se propone medir el movimiento sin fin de dos esferas, destinadas a perseguirse sin alcanzarse jamás. El título hace referencia a las geometrías celestes de las que se contemplan las trayectorias ondulantes y esquivas. Más que una imagen fija, la obra recuerda una cadena de imágenes, evocando ritmos y sonidos cósmicos.

La escultura parece un dibujo tridimensional de las trayectorias de unos frijoles locos. Las legumbres colocadas en el suelo salpican idealmente al espacio, generando un movimiento continuo, impredecible y colorido que genera signos gráficos abstractos. Respetando la idea de la obra, cada vez que se instala, el artista varía los pliegues de los tubos de aluminio a su gusto, generando una nueva constelación espacial lúdica.

La obra es un homenaje a la actriz Marlene Dietrich. El video de archivo utilizado por Ventur muestra a la diva en Londres en 1972 cuando, a sus setenta años, interpretó la canción de Pete Seeger ¿Dónde se han ido todas las flores? (¿Dónde han ido todas las flores?). En la instalación, una bola de discoteca cubierta de espejos multiplica el rostro de la actriz en el ambiente, generando un firmamento en el que sólo brilla la inquietante y misteriosa estrella de Dietrich.

Performance de una planta es un montón de escombros formado por fragmentos de obras destruidas y apartadas en el estudio del artista. Se trata principalmente de reproducciones en hormigón de planos de planta de grandes centros comerciales internacionales. De estos residuos depositados a la espera de su eliminación, nació espontáneamente una planta que el artista ha decidido conservar y utilizar como punto de apoyo de una nueva obra. La naturaleza, entre el azar, la poesía y la fuerza vital, se reafirma y da vida material y conceptualmente a un material por lo demás inerte.

El tema de la inmigración está en el centro de la investigación del artista albanés Adrian Paci. La fotografía aquí expuesta muestra a la hija del artista vestida de princesa posando en el interior del suntuoso Palacio Visconti de Milán, donde su padre trabajó como restaurador durante los primeros días de su traslado a Italia. La obra es el resultado del intento de su padre por hacer que su pequeña niña se sintiera especial. De hecho, al artista no le interesa tanto la categoría sociológica del inmigrante, sino las dinámicas nostálgicas, el pragmatismo y las estrategias creativas que activan las nuevas condiciones de vida de estas personas.

La obra toma libremente su título de un episodio narrado por Truman Capote en Padrón Miseria. Una foto en la pared muestra al artista deslizando un palo por una barandilla emulando el gesto de Sylvia, la protagonista del cuento de Capote. En el centro de la sala hay una viga que da equilibrio marcada por unos escritos y dibujos. Todo en la obra parece estar encaminado a celebrar los estados anímicos de la adolescencia, como si en ellos se encierrara una verdad íntima a la que, torpemente, los adultos damos la espalda.

La carpa que aquí se muestra representa una especie de storyboard de Il diavolo nel pozzo, una comedia de títeres nacida en Colombia hacia 1930. El guión narra la autodestrucción de una comunidad convencida de la presencia del diablo en el pozo del país. El artista plasma algunos pasajes e imágenes destacadas de la historia en los cuadrados de la tienda donde reconocemos, entre otros, al diablo, el pozo, los campos alrededor del pueblo o la matanza de animales. La obra forma parte de un proyecto dedicado por el artista a la relación entre los títeres, la tradición oral y el desarrollo de una cultura popular revolucionaria entre Italia y América del Sur a principios del siglo XX.

El artista talla con violencia un bloque de madera de cedro. La acción parece haber terminado recientemente: en el suelo están los restos y el desbaste es tosco, inacabado. Más que una escultura, la obra parece lo que queda de un gesto instintivo y fuertemente emotivo. El artista no modeló, sino que atacó la obra, dejándonos su energía y una estructura delicada y perfumada.

Es la propia artista quien describe la idea que inspiró la obra: “Varias veces me han dicho que para seguir con el arte tendría que empezar a lamer. Así que lo intenté, coloreándome la lengua directamente y tratando de hacerlo de la mejor manera posible". El resultado es una serie de coloridos licks sobre lienzo. Sarcástica, policromada y violenta, la obra es fruto de un pragmatismo cínico y perspicaz.

Masashi Echigo suele realizar largos paseos exploratorios por lugares desconocidos para él y recopila objetos, sugerencias e imágenes que encuentra en el camino. Su producción artística nació de estos encuentros fortuitos. Sus obras son en realidad ensamblajes de objetos desechados que, transfigurados, se convierten en un elemento constructivo de microarquitectura, una metáfora de las frágiles relaciones que unen a hombres y lugares. En el caso de la escultura aquí expuesta, como sugiere el título, la referencia probablemente sea a una memoria oral, un apólogo, una historia recogida por el artista cerca de Roma.

Un palo de madera largo y puntiagudo sostiene una cabeza de yeso hecha con el molde de un árbol y algunos clavos afilados. La escultura, parte de un grupo de obras presentadas en una exposición en la Galerija Skuc en Ljubljana, está inspirada en las actuaciones musicales del grupo de thrash metal Slayer. En parte maza primordial, en parte estilete espinoso, en parte palo profético, el objeto remite a la imaginería litúrgica de los rituales musicales y aparece, irónicamente, listo para su uso. Solo su improbable tamaño sugiere que se trata de una formalización escultórica.

La obra es una escultura de gomaespuma cubierta con un tejido técnico. Los patrones del revestimiento son el resultado del escaneo de un lienzo movido por el artista durante el proceso de adquisición. Las imágenes resultantes luego se procesaron digitalmente mediante la eliminación de algunos bits de color, finalmente se imprimieron y se unieron alrededor de una forma. El resultado final manifiesta los diferentes niveles de traducción entre una imagen bidimensional y su impronta escultórica fantasmática.

En el suelo hay una gran cantidad de hilo de nailon blanco. Ligera y orgánica, la escultura parece estar atravesada por una vitalidad latente. Parece moverse, respirar o tomar otra forma por sí mismo. Desde otro punto de vista, la maraña filamentosa -que una mirada atenta reconoce como la expansión ideal de unos cristales de sal colocados en el suelo- se asemeja a las trayectorias de una órbita celeste. Como se quiera ver, esa escultura informe e inquieta nos habla de un tiempo y de una naturaleza total y de las posibles apariencias que podría tomar nuestra alma.

La obra forma parte de la serie Redefiniendo el Poder en la que el artista retrata una serie de performers luandeses que posan sobre pedestales vacíos en el campo, legado de los monumentos del colonialismo. Las fotografías fueron tomadas reproduciendo la perspectiva de una serie de postales históricas en circulación en la época de la ocupación portuguesa. Las estatuas fueron retiradas tras la declaración de independencia de Angola y los pedestales han permanecido vacíos desde entonces. Mientras el gobierno imagina un futuro para esos apoyos, el artista espera una evolución social que vea a las nuevas generaciones como protagonistas.

El esqueleto de una máquina de escribir se muestra como si fuera un bajorrelieve. El artista ha eliminado todas las claves excepto las que componen la palabra “ruido”. Todo en la obra remite conceptualmente a la música. La palabra, como la escritura, se presenta como puro sonido antes incluso de ser significado. Asimismo, la máquina de escribir se exhibe como un dispositivo escultórico y rítmico.

Las asambleas de Jessica Stockholder tienden a transfigurar la familiaridad de los objetos comunes en obras de arte. Las relaciones alteradas entre las partes y un fuerte sentido del color se orquestan en pinturas con un fuerte valor pictórico. En cuanto a la obra aquí expuesta, aprovechando el espacio ilusionista generado por la composición y la alternancia de superficies, los artefactos del artista invitan a una experiencia de fantasía y ficción.