prueba de dominio

Los comedores de patatas es la pintura más ambiciosa del período holandés de Van Gogh. Antes de comenzar a pintar, realiza más de cien estudios de retratos de trabajadores agrícolas, varios dibujos y dos estudios pintados. Así se prepara para su primera gran pintura sobre el tema de la vida campesina en Brabante, que considera una especie de prueba de su maestría. Quiere demostrar que está en camino de convertirse en un consumado pintor de figuras. Esta pintura precede a la versión final y tiene prácticamente la misma composición, pero el diseño es más esquemático.

Ardua vida campesina

Van Gogh realiza los dibujos y estudios en casa de la familia campesina De Groot-van Rooij. No es su intención hacer retratos precisos de estas personas. Busca representar la atmósfera y la naturaleza primitiva de la ardua vida campesina.

'Honestamente ganado'

Más tarde le escribe a Theo: Verás, realmente he querido hacerlo para que la gente se haga la idea de que esta gente, que está comiendo sus papas a la luz de su pequeña lámpara, ellos mismos han labrado la tierra con estas manos que están poniendo. en el plato, y (…) que así se han ganado honradamente su alimento'.

Pintura nocturna

Van Gogh tenía la intención de hacer una pintura nocturna desde hace algún tiempo. Y no uno a la manera convencional, en tonos negros y grises, sino con abundancia de colores. Igualmente poco convencional es que pinta esta terraza iluminada con gas de un café en Arles in situ y en la oscuridad, porque los colores tienen una apariencia diferente durante el día que durante la noche.

Contraste nítido

Lo más llamativo es el marcado contraste entre los cálidos colores amarillo, verde y naranja bajo la marquesa y el azul profundo del cielo estrellado, que se ve reforzado por el azul oscuro de las casas del fondo. Van Gogh quedó satisfecho con el efecto: "Creo que la abundancia de luz de gas, que, después de todo, es amarilla y naranja, intensifica el azul".

constelaciones

Le escribe a su hermana Wil: 'Disfruto enormemente pintando en el lugar por la noche'. El hecho de que él observe con atención se confirma por investigaciones astronómicas posteriores. Pintó las constelaciones exactamente como aparecían la noche del 16 o 17 de septiembre de 1888.

Tocar

Una obra de arte que puedes tocar, que puedes caminar, ¡en la que incluso puedes jugar! El mundialmente famoso Jardin d'émail de Jean Dubuffet deja una impresión indeleble en muchos visitantes, jóvenes y mayores.

Mundo diferente

El 'jardín' amurallado artificial fue diseñado específicamente para el Museo Kröller-Müller. El contraste entre el blanco brillante con líneas negras irregulares y el entorno natural es particularmente marcado. Una vez dentro de este jardín de arte, los visitantes pueden imaginarse a sí mismos en un mundo completamente diferente.

Característica

La atmósfera de esta escultura monumental es característica de la obra de Dubuffet. Toda su obra expresa su fascinación por lo insólito, lo espontáneo, el subconsciente y lo caótico, propios de las pinturas y dibujos de niños y enfermos mentales. Él llama a estas expresiones que admira, que no se consideran arte oficial, 'art brut'.

Cubismo analítico

Pablo Picasso y Georges Braque desarrollaron el cubismo durante las primeras décadas del siglo XX. El movimiento pasó por varias fases. El violín es un ejemplo de cubismo analítico. Durante esta fase, la figura u objeto se disecciona, se rompe en fragmentos y se representa desde múltiples puntos de vista.

red de superficies

La ilusión de una perspectiva natural desaparece por completo. En su lugar, se crea una red de superficies colocadas una al lado de la otra y separadas por líneas y sombras. Típico del cubismo analítico es que la composición se construye desde el medio y se "desvanece" hacia los bordes. También llama la atención la forma ovalada del cuadro.

El experimento cumplió con la forma

En esta pintura, el punto de partida, el violín, solo queda reconocible en algunas zonas: la curvatura del mástil, las cuerdas, el puente, la curvatura del cuerpo y la forma de los f-holes. Los colores son apagados y se limitan a ocres, marrones y grises. Toda la atención se centra en la experimentación con la forma.

Colores claros y brillantes

En febrero de 1886, Vincent van Gogh se va a vivir con su hermano Theo a París. Allí conoce a los pintores Pissarro, Toulouse-Lautrec, Signac, Gauguin, Seurat y Bernard. Inspirado por su trabajo, comienza a experimentar con diferentes estilos y con colores claros y brillantes.

Autorretratos

Durante este período, tiene la ambición de convertirse en retratista y así ganarse la vida. A falta de modelos, pinta numerosos autorretratos, 'porque si logro pintar la coloración de mi propia cabeza, que no deja de presentar alguna dificultad, seguramente podré pintar las cabezas de los demás. y las mujeres también'.

Personaje dinamico

A Van Gogh no le interesa hacer retratos fotográficos. Un retrato también debe expresar algo del estado emocional del sujeto. Los colores siguen siendo bastante tenues en este autorretrato. Los suaves tonos azules y verdes dominan la pintura. En cambio, las pinceladas rápidas son exuberantes, sobre todo en el fondo. Estos dan a la obra un carácter vivo y dinámico.

Sonsbeek

A mediados de los años cincuenta, Rietveld sorprendió al mundo del arte y la arquitectura internacional con este pabellón. Lo diseñó para la Internationale beeldententoonstelling in de open lucht Sonsbeek '55 en Arnhem, donde se utilizó para exhibir esculturas más pequeñas. Su creación atrajo de inmediato toda la atención.

espacio y luz

Los elementos horizontales y verticales del pabellón están hechos de materiales simples. Los elementos están colocados de tal manera que la arquitectura y las esculturas se refuerzan entre sí. 'El espacio vacío y la luz determinan el valor de la arquitectura en, alrededor y entre los límites, que sólo existen para definir el espacio', escribió Rietveld más tarde.

Reconstruido

El edificio era temporal y, por lo tanto, se demolió después de la exposición. Gracias a una iniciativa privada, el ya mítico pabellón fue reconstruido en el jardín de esculturas del Museo Kröller-Müller en 1964. A partir de ese momento ya no se llamó pabellón Sonsbeek, sino pabellón Rietveld.

En el aire libre

En 1841 aparecieron por primera vez los tubos de pintura de zinc, lo que facilitó mucho la pintura al aire libre. La pintura ya no se secaba tan rápido y era más fácil de transportar. Los impresionistas aprovecharon al máximo esto. Salieron de sus estudios y se fueron a pintar al aire libre, 'en plein air'.

Del agua

De 1871 a 1878, Claude Monet vivió en Argenteuil, un pueblo a orillas del Sena en las afueras de París. Siguiendo el ejemplo del pintor Charles-François Daubigny, hizo construir un barco en el que podía pintar el entorno desde el agua. Así pudo representar los efectos de la luz en el agua y en el paisaje desde cualquier lugar conveniente.

Impresión

En esta pintura el barco está amarrado entre dos postes, inmóvil sobre el agua. Una figura es vagamente distinguible en la cabaña, probablemente el propio Monet. La mayor parte del lienzo está ocupado por el río que fluye en calma, en el que se reflejan el estudio del barco y los árboles, pero también el cielo. En esta pintura, Claude Monet da una impresión de tranquilidad en el agua durante un día de verano.

Árboles frutales en flor

Cuando los árboles frutales de Arles están en flor en la primavera de 1888, Van Gogh los pinta casi todos los días. Así, en un corto período produce catorce pinturas y varios dibujos y bocetos de los árboles en flor. Considera que Pink Peach Trees es uno de los más exitosos de la serie.

anton malva

En la tarde del día en que Van Gogh hace este cuadro, encuentra una carta de su hermana, quien le escribe para decirle que Anton Mauve ha muerto. Este pintor no sólo era su primo por matrimonio; también le enseñó a pintar al óleo y acuarela. Van Gogh decide dedicarle la obra.

Tierno y alegre

Le escribe a su hermano Theo que estaba conmovido y afectado por la noticia, 'y escribí en mi pintura Souvenir de Mauve Vincent & Theo y si crees que es bueno tal como está, se lo enviaremos a la Sra. Mauve a nombre de ambos. . (...) Me parecía que en memoria de Mauve necesitábamos algo que fuera a la vez tierno y muy alegre y no un estudio en clave más seria que eso'.

Objetos para el interior

El artista italiano Giacomo Balla es uno de los primeros en abrazar el futurismo, el movimiento artístico que busca expresar el dinamismo de la era moderna, la sensación de velocidad y cambio constante. Además de la pintura, también se dedica al diseño futurista de la vida cotidiana y se entrega a innumerables diseños de objetos para el interior, desde cubiertas, lámparas, vajillas y muebles plegables hasta interiores completos.

coche en movimiento

En Paravento con linea di velocità, Balla utiliza el tema de un automóvil en movimiento para experimentar con la representación del movimiento. El coche en sí no es reconocible, pero el movimiento y la velocidad están representados en un arabesco abstracto y enérgico, la linea di velocità.

Lienzo en forma

A través del biombo, pintado por ambos lados, Balla ocupa literalmente el espacio y amplía los límites de la pintura bidimensional. En parte debido a los colores frescos y contrastantes, este biombo es un lienzo de formas notablemente modernas, en el que la luz, la velocidad y el dinamismo se reducen a una síntesis de línea y color.

Cilindro

Fernand Léger comienza a trabajar en un estilo cubista bajo la influencia de Cézanne y más tarde de Picasso y Braque. Sin embargo, mucho más enfáticamente que sus ejemplos, representa figuras y objetos en volúmenes, como el cono, la esfera y el cilindro. El cilindro aparece tan a menudo en su obra que un crítico francés incluso lo llamó 'tubista' en lugar de cubista.

Primera Guerra Mundial

En agosto de 1914, al comienzo de la Primera Guerra Mundial, Léger es reclutado y enviado al frente para la construcción de trincheras. Durante su tiempo en el frente, hace muchos dibujos que luego convierte en pinturas. Soldiers playing cards se creó durante su convalecencia en París tras un ataque con gas venenoso.

robots

En este cuadro Léger combina el cubismo con la estética de la máquina. Los soldados no son personas de carne y hueso, sino que parecen más bien robots con sus robustas formas geométricas y sus brazos como tubos de acero forjado. Los elementos recurrentes recuerdan a la maquinaria de guerra. La alternancia de pequeñas y grandes áreas de color también le da dinamismo a la pintura.

Entero

Escultura flotante, Otterlo nace como encargo de una escultura que formara un todo con un estanque y con el entorno. Marta Pan diseñó el estanque, un cuerpo de agua curvo, en estrecha relación con una escultura orgánica flotante en poliéster blanco, que contrasta mucho con el verde del entorno.

Bailando

La escultura consta de dos formas orgánicas, que se mueven independientemente una de la otra alrededor de un eje central. La forma superior cóncava funciona como una vela que atrapa el viento. El viento, el agua y el reflejo son componentes de la escultura, que se mueve por el estanque como si bailara.

Movimienot

El movimiento es un tema esencial en la obra de Marta Pan, nacida en Hungría. En 1947 se instaló en París, donde tuvo muchos contactos en el mundo del teatro y la danza. Sus esculturas, en su mayoría formas orgánicas en madera, relacionadas con la escala humana e inspiradas en los temas 'puntos de pivote' y 'equilibrio', son fuente de inspiración para los coreógrafos.

Influencia

Inicialmente, Piet Mondriaan pintó en el estilo naturalista de la Escuela de La Haya. Curioso por los últimos desarrollos en el arte, como el cubismo de Picasso y Braque, Mondriaan se va a París en 1911. Bajo la influencia de los cubistas, pronto reduce su color a gris, ocre y marrón en su mayoría y la realidad reconocible desaparece gradualmente. de sus pinturas.

Cubismo analítico

Cuadro no. 1 muestra claramente la influencia del cubismo analítico. En este, un objeto o figura se disecciona, se rompe en fragmentos y se convierte en una estructura compleja. La composición se construye desde el centro y las formas se desdibujan hacia los bordes. Cuadro no. 1 tiene un dibujo subyacente de un árbol, pero este motivo es apenas reconocible.

Primeros pasos

Mondriaan disecciona su tema en innumerables segmentos. Esto crea una estructura viva de líneas horizontales y verticales, rectas y ligeramente curvas y superficies grises y ocres. En esta pintura y en otras obras del mismo año, Mondriaan da sus primeros pasos hacia 'la pura realidad inmutable detrás de las formas cambiantes de la naturaleza'.

Nueva estética

La velocidad y el movimiento son los temas principales de los futuristas italianos. Consideran que la escultura clásica de mármol o bronce es totalmente inapropiada para expresar el mundo moderno y su dinamismo. Por lo tanto, la estética del arte y la cultura tradicionales debe ser reemplazada por la 'nueva belleza' del dinamismo contemporáneo y por temas como el automóvil, el tren, la motocicleta, pero también la figura humana en movimiento.

Velocidad y movimiento

Umberto Boccioni es pintor y escultor. Con las esculturas que realiza durante su breve vida, demuestra ser un verdadero futurista. En esta poderosa escultura, intenta capturar la velocidad y el movimiento de una figura humana en una sola escultura.

Estructura de la acción

Le interesa no sólo la representación de las múltiples etapas y momentos de una figura que se apresura, sino también, sobre todo, la idea del movimiento de una figura en el espacio. 'No una forma única, sino un ritmo escultórico único, no la estructura del cuerpo, sino la estructura de la acción del cuerpo.'