El relieve representa al dios Mitra, vestido con una túnica anudada a la cintura, manto, calzones y sombrero frigio, en el acto de atravesar con una daga a un toro, mientras un perro, un escorpión y una serpiente se abalanzan sobre el animal agonizante. La matanza del toro representa el origen del universo así como la alusión a las constelaciones de Tauro y Escorpio se refiere a la renovación cíclica de la vida. El culto tuvo un éxito considerable con los romanos.

La obra representa a Artemisa avanzando a grandes zancadas. La diosa está vestida con un largo quitón y un manto que desciende en líneas de pliegues en zigzag, mientras que en la espalda se puede ver el carcaj. El rostro tiene una rígida "sonrisa arcaica" y el cabello está trabajado en rizos, coronado por una diadema.

La cabeza, en yeso, es un molde de la escultura análoga del Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

Es una obra romana de inspiración arcaica, que se cree que es una réplica de un original griego en bronce, o una creación arcaizante.

Esta escultura, que representa a Kore - Perséfone, forma parte de un grupo de estatuillas griegas, fechadas entre finales del siglo V y principios del IV a. C., que constituyeron las piezas más ilustres de la colección de Giovanni Grimani.

La diosa viste una túnica finamente plisada y un manto que cae desde el hombro izquierdo para envolver sus caderas en un suave drapeado. El estilo de los ropajes ligeros y elegantes ha sugerido a los estudiosos que el autor anónimo de esta obra se inspiró en el arte de Fidias. Llaman la atención algunos detalles: los pequeños agujeros visibles entre los mechones del cabello y los lóbulos de las orejas debido a la presencia de una diadema y aretes de metal, ahora perdidos; la fractura recompuesta en el cuello con la cabeza original, sin embargo, y la ausencia de los antebrazos. Este último había sido añadido, con motivo de una restauración renacentista para completar la estatua fragmentaria, junto con una cornucopia de la que brotaban flores y frutos. Estos añadidos, eliminados posteriormente en la década de 1920, surgieron de una interpretación incorrecta del tema de la obra: la figura femenina de la diosa Perséfone se transformó en la diosa romana de la Abundancia, quizás inspirándose en las imágenes de las monedas imperiales romanas. La mala interpretación, por lo tanto, ha dado lugar al nombre con el que, todavía hoy, comúnmente nos referimos a la estatuilla.

La cabeza es una réplica romana de una creación del escultor Kresilas, activo a mediados del siglo V aC y conocido por las copias romanas denominadas “tipo Velletri”. En el siglo XVI la cabeza fue restaurada e integrada con un busto, provisto de armadura y sobre el que destaca la cabeza de Medusa, según la iconografía tradicional de la diosa Atenea.

Esta obra deriva su nombre de la forma, que recuerda a la de un altar. En realidad, se trata de una base, sobre la que originalmente se colocó una estatua, como sugieren los huecos del piso superior, destinados a anclar la escultura. En el anverso están talladas las figuras de dos Sátiros y una Ménade: un primer Sátiro está acostado sobre una roca cubierta con una piel de animal sosteniendo una copa de vino; el otro Sátiro y la Ménade están tendidos el uno hacia el otro. En los lados cortos del Ara Grimani: a la izquierda una Ménade tocando la lira, acompañada por un Sátiro vestido sólo con una piel de cervatillo o cabrito; a la derecha, un sátiro y una ménade están atrapados en el acto de besarse. En el otro lado largo del Ara Grimani: un sátiro yace sobre una piel de león con una copa y el tirso, el bastón sagrado de Dionisos, mientras que una Ménade toca un antiguo instrumento de cuerda, el trígono, similar al arpa actual. Destaca especialmente la decoración del basamento alto y del remate de la parte superior del Ara Grimani: están adornados con una serie de marcos tallados con refinados motivos vegetales y geométricos. El estilo de las figuras del Ara Grimani, que se inspiran en modelos del arte helenístico, y los muy elegantes motivos decorativos del basamento y de la corona, forman parte de los esquemas típicos de los talleres de la Roma de época augustea.

La estatua de bronce, encontrada en 1963 en la laguna de Venecia, representa a Poseidón, el dios griego de las aguas y las tormentas que los romanos identificaron con Neptuno. El dios se representa en reposo, con una pierna levantada sobre un delfín mientras el brazo derecho descansa sobre la pierna y el brazo izquierdo levantado sujetaba el tridente. La obra romana, datable en el siglo I d. C., retoma el esquema iconográfico del “tipo lateranense”, inspirado en un modelo del siglo IV a. C. de Lisipo.

Este busto masculino encontrado en Roma en 1505 despertó de inmediato el interés de los amantes de la antigüedad que lo identificaron con el emperador Vitelio. Es, en realidad, la imagen de un extraño, cuyos rasgos faciales están representados de manera realista: cejas pobladas, nariz prominente, labios finos, mejillas regordetas y papada. Algunas características técnicas como la forma del busto, ahora parcialmente desaparecido, el cabello y la incisión de las pupilas de los ojos, han llevado a los estudiosos a fechar la obra en la época de Adriano, entre el 120 y el 140 d.C.

El retrato de Vitellio fue donado al Estado veneciano por Domenico Grimani con el testamento de 1523 y fue expuesto en el Palacio Ducal junto con otras esculturas en una sala que entonces tomó el nombre de "Sala delle Teste". Este prestigioso lugar contribuyó a la fortuna de la obra, permitiendo a numerosos artistas estudiarla e inspirarse en ella: bocetos y dibujos de Tintoretto y Jacopo Palma il Giovane, por ejemplo, confirman el intenso estudio del que fue objeto; pinturas que retoman su aspecto, atribuyéndolo a personajes con distintos nombres, prueban su extraordinaria fama. Al respecto, véase el Banquete en la casa de Levi, pintado por Paolo Veronese en 1573 para el refectorio del convento de SS. Giovanni e Paolo en Venecia, hoy en la Gallerie dell'Accademia. Por último, se tienen noticias de numerosas reproducciones del busto de Vitelio de la Colección Grimani realizadas en diferentes épocas y en distintos materiales, como la copia en bronce, perteneciente a la colección de Giacomo Contarini, otro importante patricio erudito de la Venecia renacentista, expuesta en la Museo en la misma sala.

Los dos relieves representan una pareja de querubines que sostienen la hoz y el cetro de Saturno. Originalmente formaban parte de un ciclo decorativo que incluía parejas de querubines, ataviados con un único manto ondulante, portando las insignias de los doce dioses junto a sus respectivos tronos vacíos, en un interior renderizado con escasos elementos arquitectónicos de fondo. Es un notable ejemplo del arte romano de época julio-claudia (27 a. C. - 68 d. C.), protagonista en Venecia de una particular historia de reutilización y coleccionismo. Procedentes de la iglesia de San Vitale en Ravenna, los dos relieves ya están presentes en Venecia en la primera mitad del siglo XIV. En 1335, un coleccionista de Treviso, Oliviero Forzetta, escribió en una nota que deseaba comprar estos platos con querubines para su colección de arte: esta es la primera evidencia que conocemos de una colección de esculturas antiguas en la región de Veneto. Los querubines fueron luego, nuevamente informados a Venecia en 1532 por Marin Sanudo, quien los vio insertados en la pared de un edificio cerca de la Piazza San Marco. Cincuenta años después, Francesco Sansovino en su guía de Venecia de 1581 registró la presencia de las placas con los querubines en el interior de la iglesia de Santa Maria dei Miracoli, donde permanecieron hasta 1811. En ese año, las placas fueron transportadas a la "Estatua Pública por el interés del escultor Antonio Canova y Jacopo Morelli, bibliotecario de la Biblioteca Marciana, de la que dependía el museo.

Los dos relieves representan una pareja de querubines que sostienen la hoz y el cetro de Saturno. Originalmente formaban parte de un ciclo decorativo que incluía parejas de querubines, ataviados con un único manto ondulante, portando las insignias de los doce dioses junto a sus respectivos tronos vacíos, en un interior renderizado con escasos elementos arquitectónicos de fondo. Es un notable ejemplo del arte romano de época julio-claudia (27 a. C. - 68 d. C.), protagonista en Venecia de una particular historia de reutilización y coleccionismo. Procedentes de la iglesia de San Vitale en Ravenna, los dos relieves ya están presentes en Venecia en la primera mitad del siglo XIV. En 1335, un coleccionista de Treviso, Oliviero Forzetta, escribió en una nota que deseaba comprar estos platos con querubines para su colección de arte: esta es la primera evidencia que conocemos de una colección de esculturas antiguas en la región de Veneto. Los querubines fueron luego, nuevamente informados a Venecia en 1532 por Marin Sanudo, quien los vio insertados en la pared de un edificio cerca de la Piazza San Marco. Cincuenta años después, Francesco Sansovino en su guía de Venecia de 1581 registró la presencia de las placas con los querubines en el interior de la iglesia de Santa Maria dei Miracoli, donde permanecieron hasta 1811. En ese año, las placas fueron transportadas a la "Estatua Pública por el interés del escultor Antonio Canova y Jacopo Morelli, bibliotecario de la Biblioteca Marciana, de la que dependía el museo.

El relieve, procedente de Roma, constituía el revestimiento de una hornacina.
La narración se divide en cuatro momentos: una mujer en un carro tirado por dos bueyes conducidos por dos niños; la misma mujer levanta dos antorchas frente a un templo mientras sus hijos están en el suelo, aparentemente dormidos; los dos niños con figura femenina, de pie sobre un carro tirado por caballos; los dos niños abrazando a la mujer en las dos primeras escenas.

Esta representación ha sido interpretada como el mito de Cleobis y Biton, contado por el historiador Herodoto: los dos jóvenes, hijos de la sacerdotisa de Hera, Cidipe, ayudaron a su madre a llegar al templo arrastrando su carro. La madre le pidió a Hera que recompensara a sus hijos con el premio más grande que pudiera darse a un mortal, por lo que los jóvenes se durmieron y murieron: la muerte, de hecho, se consideraba preferible a la vida. Aquí el mito se ha adaptado a la identidad de las personas a las que pertenecía la tumba: quizás dos hermanos, que murieron siendo niños, a quienes la madre dedicó el monumento.

La estatua sin inscripciones representa al difunto en posición agachada con los brazos cruzados sobre las rodillas y la barba ritual sobre el mentón. Retoma el modelo típico de la estatua cúbica que se empezó a utilizar con una función funeraria en el Reino Medio.

Fragmento de un relieve asirio con teorías de guerreros en dos registros horizontales. En la superior vemos a dos infantes armados, uno de los cuales levanta la cabeza cercenada de un enemigo, detrás de un carro que probablemente transporta botín de guerra; mientras que el inferior muestra a dos jinetes al galope. El fragmento está fechado en la época de Senaquerib y fue donado por el arqueólogo Sir Austen Henry Layard.