Crown Jewels es una sugerente instalación que Tony Cragg compuso a partir de residuos plásticos caracterizados por su color blanco y dispuestos, a modo de mosaico, para dar forma a una majestuosa corona imperial. Si bien los objetos de la composición, aunque rechazados incluso bastante dañados, son singularmente legibles, su presencia se ve alterada en una imagen mucho más amplia, la de la corona, que el espectador reconstruye mediante un proceso de lectura y asociación, pasando de comprensión del objeto/material único a la de una figura más compleja. La obra, considerando también el período en que fue realizada, principios de la década de 1980, ciertamente trae una reflexión sobre la identidad nacional y sobre la situación política y social de la era Thatcher, que también se encuentra en otras obras del artista inglés. , como Gran Bretaña vista desde el norte, Union Jack y Policía antidisturbios.

Tony Cragg utiliza su particular técnica del fly-maker desde los años 70, pero en 1980 toman el relevo dos innovaciones: las composiciones de objetos plásticos empiezan a dar forma a imágenes reales y ya no abstractas y, las figuraciones, para facilitar la lectura, del suelo, donde el artista las había colocado hasta entonces, pasan a la pared. En este paso de la horizontalidad del suelo a la verticalidad del muro, hay una nueva conquista: tumbada en el suelo, la figura inevitablemente habría estado sujeta a deformaciones de perspectiva por el cambio de punto de vista del espectador, mientras que su la conformación podría destacarse más claramente, dejando aflorar todo su poder icónico. Para la obra Crown Jewels, la figura de la corona fue realizada por el artista a mano alzada, partiendo de una imagen real de la Corona Imperial utilizada como referencia y mostrada sobre una gran lámina de polietileno transparente colocada en el suelo. Esta lámina, sobre la que se han trazado las formas de los distintos objetos que componen la composición, constituye la base a partir de la cual se instala la obra en la pared expositiva.

Apollo e Dafne reloaded, del artista y diseñador napolitano Mario Coppola, es una escultura monumental en PLA (ácido poliláctico) modelada mediante prototipado rápido por deposición de alambre. Se trata de una instalación site-specific, que se desarrolla verticalmente en fluida continuidad con las bóvedas del Museo Plart, donde debutó con motivo de la exposición personal de la artista en 2017, titulada Cosmogonie by Angela Tecce.

La obra es una reinterpretación contemporánea del mito de Apolo y Dafne y es el resultado de una experimentación que cruza el arte antiguo y el moderno, de Bernini a Moore, de Miguel Ángel a Boccioni. "Madonna biodigital escapando de la mirada del visitante", así lo define el filósofo Leonardo Caffo, destacando cómo, en la actualización del mito, la ansiedad y el deseo de Apolo -aquí ausentes- son encarnados por los espectadores. En el rostro asustado de la ninfa, signo de una fragilidad enteramente humana, se expresa al mismo tiempo una condición que va más allá de lo humano, entre la mitología y la ciencia ficción, donde la mujer es también una planta, una máquina, un avatar. . El trabajo de Mario Coppola es de gran interés también por su acierto formal y metodológico, y por el material utilizado, PLA, un bioplástico de origen vegetal elaborado principalmente con maíz, que puede biodegradarse. De hecho, la Dafne de Mario Coppola podría algún día volver a la tierra como ese laurel del que habla Ovidio en sus Metamorfosis. Una poderosa sugerencia que Coppola deja salir de todas sus obras, tanto como artista como como diseñador.

Las Bailarinas de Riccardo Dalisi son coloridas figuras flotantes formadas por láminas de polimetilmetacrilato que reinterpretan sus famosas brújulas en cobre y estaño, pequeñas esculturas antropomórficas en la frontera entre el arte y la artesanía, los cuentos de hadas y la poesía. En la década de 2000, el conocido arquitecto napolitano se enfrenta a un material inusual para él, el plexiglás, y para Plart, en 2011 crea las Ballerinas. En esa ocasión, Dalisi escribió sobre el plástico: «El plástico lleva consigo toda la historia de los materiales, coincide con la historia del hombre y su cultura. Con el fuego y el golpe, los metales se sofisticaron cada vez más en sus formas (martillos, varillas, láminas de las que el estaño es un punto nodal, un punto de inflexión por su maleabilidad y resistencia). La investigación sobre los materiales continúa inagotable, dando lugar a los llamados "plásticos": son fácilmente manipulables y son un producto puro de la química, expresión del conocimiento de la composición de la materia. La naturaleza, con su variedad, aparece hoy sólo como un capítulo de un universo mayor creado por el hombre. La geometría (con fractales, etc.), ideada por el ingenio humano, supera y abarca el universo de la geometría en la naturaleza. Es lo mismo con los materiales”.

La lámpara 577/S es la edición de los años 70 de una lámpara diseñada por Aleksandr Rodchenko en 1925 para el Club de Trabajadores del Pabellón Soviético presentada en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas de París de 1925. En 1971, Gino Sarfatti, fundador de Arteluce, tras ver bocetos y dibujos de lámparas del constructivista ruso de 1925, encargó a sus diseñadores que las reprodujera. Así, en 1974 nacieron las lámparas Mod. 576, 577 y 577/S. La 577/S, en concreto, es una lámpara de suspensión caracterizada por un diseño fuertemente geométrico dado por la intersección de cuatro placas de la misma forma realizadas en polimetilmetacrilato opal satinado. En cuanto a los aspectos estéticos de la lámpara, ciertamente podemos afirmar que Rodchenko tenía una idea muy precisa de la concepción de los objetos, que le venía de su adhesión a los principios del constructivismo soviético, una concepción dinámica del objeto que, muchas veces, además de ser sintética, debe poseer los requisitos de transformabilidad y adaptabilidad al medio colectivo.

Entre las luminarias presentes en la colección de la Fundación Plart, se encuentra la icónica lámpara Ufo diseñada en 1957 por Ettore Sottsass para Arredoluce, empresa italiana fundada por Angelo Lelli en 1943 y destinada a marcar el diseño de luminarias eléctricas en Italia para la investigación. , atención al detalle e innovaciones tecnológicas aplicadas a la creación de cada producto.

La lámpara diseñada por Ettore Sottsass a fines de la década de 1950 puede verse como un importante antecedente del movimiento de diseño radical italiano de la década de 1960 y, al mismo tiempo, un precursor del posmodernismo en la década de 1980. Ufo se caracteriza por una fuerte presencia escultórica influida por el interés de Sottsass por la escultura constructivista y por una atención a la funcionalidad que también reside en el uso de materiales innovadores. Ufo se compone de solo dos placas de polimetilmetacrilato (PMMA) impresas (una blanca y la otra amarilla) unidas por cuatro varillas de metal esmaltado, que terminan en ocho pies acrílicos incoloros. Los dos elementos de PMMA, con sus formas delicadamente hinchadas, difunden la luz con un efecto suave y cálido, ocultando su fuente. La lámpara de mesa también se puede voltear para producir un efecto de iluminación alternativo. El uso temprano de plásticos de Sottsass para esta lámpara prefigura la intensa experimentación con plásticos en el sector de la iluminación que tuvo lugar en Italia durante la década de 1960, y es significativo de una iconografía de la época, la de la exploración del espacio y que remite a las imágenes de Sputnik, el primer satélite artificial puesto en órbita ese mismo año.

Metropoligth es una lámpara concebida en 1970 por el diseñador alemán Jan Roth y producida por el Design M del conocido diseñador Ingo Maurer. En la colección Plart hay dos ejemplares de esta lámpara, uno entró en la colección Incutti a finales de los años 80, el otro fruto de una donación privada en 2009. El Metropoligth, de color blanco, consta de una forma ovoide atravesada por grandes vainas El cuerpo de la lámpara está compuesto por dos elementos idénticos en forma de campana, unidos por un sencillo mecanismo de enclavamiento. El material con el que está fabricado es el poliestireno (poliestireno expandido), un material muy utilizado en ámbitos como el embalaje o el aislamiento térmico.

El poliestireno o poliestireno, en forma semiexpandida, se presenta en forma granular, similar a las perlas blancas. De esta forma, se utilizó, por ejemplo, para la creación de una de las sillas más famosas en el sector del diseño de muebles, el Sillón Sacco diseñado por Gatti, Paolini y Teodoro en 1968 y producido por Zanotta. En su forma expandida, la de la lámpara Metropolight, el poliestireno, por otro lado, se usa muy poco como material de diseño, pero se usa regularmente para aislamiento, embalaje y embalaje de alimentos, áreas en las que es apreciado por su capacidad para absorber la humedad. y ser duro pero flexible al mismo tiempo. En el campo creativo, los materiales sintéticos expandidos como el poliestireno se utilizaron en la década de 1960 como una expresión artística por derecho propio en obras de artistas como Gianni Colombo, Nicola Carrino, Piero Gilardi (luego se pasó al uso de poliuretano más suave y elástico). espuma), Michelangelo Pistoletto, Jean Dubuffet y Giuseppe Antonello Leone. Como ya se ha comentado, es más difícil encontrar su aplicación en la creación de objetos de diseño, lo que hace que la lámpara Metropolight sea casi única en este sector.

El objeto aquí representado es un juguete que se encuadra en una categoría específica de afición, la del modelismo, que después de la Segunda Guerra Mundial tuvo un rápido auge gracias a los plásticos y a los nuevos métodos de moldeado, como el moldeado por inyección, gracias al cual se podían obtener detalles fieles. se obtenía incluso en formatos muy pequeños: piezas de barcos, aviones y otros vehículos que antes eran de madera, hojalata y otros materiales naturales, ahora se producían en plástico, y en cantidades muy superiores y a bajo coste. Nuestro objeto pertenece, entre otras cosas, a un ámbito particular del modelaje, que empieza a extenderse con el éxito de las grandes películas de Hollywood. Las grandes productoras cinematográficas, de hecho, empiezan a vender a las jugueteras licencias para la producción de merchandising que, junto a la promoción de las mismas películas, nutren la fama de personajes que se han convertido en objetos de culto. Para confirmarlo, el juguete en cuestión reproduce el personaje de King Kong, protagonista de la película homónima dirigida en 1933 por Merian Caldwell Cooper y Ernest Beaumont Schoedsack. El objeto de poliestireno es producido por la empresa estadounidense Aurora Plastics Corporation fundada en 1950 por el ingeniero Joseph Giammarino y el empresario Abe Shikes en Brooklyn. Al inicio de su actividad, Aurora producía materiales plásticos moldeados por inyección para terceros pero en 1952 la empresa inicia la producción de maquetas de plástico. Según se informa en la base del objeto, el King Kong perteneciente a la colección de la Fundación Plart fue fabricado en 1964. Aurora Plastics Corporation suministró, junto con las instrucciones de montaje de las distintas piezas que componían el kit, también el Cemento Plástico Estireno , el 'adhesivo que se utilizó para pegar las distintas partes del modelo.

En Inglaterra, uno de los primeros fabricantes de juguetes en obtener una licencia de Disney para producir mercancías inspiradas en personajes de películas animadas fue Newfeld Limited, fundada por Charles Neufeld en la ciudad de Ashford, Middlesex, en la segunda mitad del siglo XX. La empresa contribuyó al placer de los niños de la posguerra creando Bendy Toys, una marca comercial con la que distribuía juguetes caracterizados por la extrema flexibilidad de los cuerpos de donde, muy probablemente, deriva el nombre Bendy. Los juguetes de la marca Bendy Toys, además de los personajes de Disney, también reproducían los personajes de los Muppets que tuvieron un éxito extraordinario como para empujar a la empresa a crear Muppets Baby. Sobre el proceso de producción de los juguetes de la marca Bendy, se sabe que comienzan su vida como modelos de arcilla del mismo tamaño a partir de los cuales se elabora un molde de yeso del que, a su vez, se elabora un molde de metal que se utiliza en la fabricación de algunos juguetes. Si examina cualquier Bendy Toys, puede ver que están hechos con una goma esponjosa que incorpora, de hecho, un esqueleto de metal.

El modelo Phonola 547 es un receptor de radio diseñado por Pier Giacomo Castiglioni, Livio Castiglioni y Luigi Caccia Dominioni en 1939-40 y producido en Italia por Fimi-Phonola de Saronno. La radio negra tiene una forma muy innovadora: recuerda, de hecho, la de un aparato telefónico con base rectangular y un altavoz saliente y ligeramente inclinado, cubierto por una rejilla convexa, con grandes orificios cilíndricos útiles para aumentar la difusión en el ambiente. de ondas sonoras. Al diseñar la Phonola 547, los diseñadores tomaron como referencia los dispositivos militares por su pequeño tamaño, funcionalidad y practicidad. La intención de Fimi-Phonola, de hecho, era comercializar un dispositivo que costara poco, estuviera hecho con materiales baratos, pero que no descuidara la atención a los aspectos cualitativos, funcionales y estéticos. La realización del modelo 547 contó con una gran colaboración entre los diseñadores y técnicos de Fimi, tanto que el desarrollo de la forma de la radio, que sigue la disposición de los dispositivos internos, fue fruto de esta cooperación. Sin embargo, la perfecta sinergia entre función y forma, de la forma que se adapta perfectamente al contenido, potenciando sus cualidades, no habría sido posible sin la invención de los materiales plásticos. El chasis de la radio, de hecho, es una monocarcasa fundida a presión en resina fenólica, la famosa baquelita, el primer plástico totalmente sintético patentado por Leo Hendrik Baekland en 1907 y también conocido como el "material de los mil usos" por su numerosas aplicaciones: desde la producción de radios, despertadores, teléfonos, cepillos de dientes o joyería.

La Tomato Chair fue diseñada por el diseñador escandinavo Eero Aarnio para Adelta en 1971. Por lo tanto, su producción llega en un momento en que las dificultades asociadas con el diseño y la producción de fibra de vidrio se superan por completo gracias a las técnicas de moldeado que los mismos diseñadores ayudaron a mejorar. En la producción de Eero Aarnio, la Silla Tomato representa una evolución de la Silla Pastil, una silla ovoide que se asemejaba a la forma de una tableta y que le valió a Aarnio, en 1968, el Premio de Diseño del Instituto Americano de Diseñadores de Interiores. La Silla Pastil podía flotar y transportar a una persona en el agua, pero era inestable. A Arnio le bastó imaginarse añadiendo tres elementos esféricos al diseño de Pastil, dos en el lateral y uno en el respaldo, para estabilizar el nuevo asiento que tomó el nombre de Tomato Chair. Los tres elementos esféricos añadidos, además de dar estabilidad a la silla, también cumplían las funciones de reposabrazos y respaldo. El componente léxico también hace que esta sesión sea célebre. La palabra tomate, de hecho, en su versión en inglés, refleja su apariencia: mirando la silla de frente, se pueden ver las dos formas esféricas que corresponden a las dos "o" de la palabra "tomate".

La bandeja, el plato pequeño y la jarra representados en esta foto son vajillas típicas producidas en los años 30 por la empresa inglesa Brookes & Adams. La producción de estos objetos está muy ligada a Beetle Products Co., que en 1925 consiguió producir polvos de moldeo derivados del líquido de condensación de tiourea con formaldehído. Estos polvos, Beetle Molding Powder, se mezclaron con pulpa de celulosa y fueron utilizados por varias empresas, incluida Brookes & Adams, para la producción de vajillas y artículos para el hogar conocidos con el nombre comercial Bandalasta. Los artículos de la marca Bandalasta se caracterizan por una amplia gama de colores y efectos jaspeados que la empresa supo obtener mezclando tintes con polvos moldeadores. Los compuestos se utilizaron para producir juegos completos de vajilla, cada uno de los cuales, de hecho, tenía la misma numeración estampada en la base. En un catálogo comercial de finales de la década de 1920, Brookes & Adams presentaba sus productos de la siguiente manera: “Bandalasta se fabricaba en una variedad de hermosos tonos pastel jaspeados y translúcidos. En los tonos Marmolados no había dos piezas exactamente iguales, sino que todas las piezas del mismo número de color se mezclaban para que pudieran construirse en conjuntos completos”. [Los productos Bandalasta se fabrican en una variedad de hermosos tonos translúcidos jaspeados y pastel. En tonos jaspeados, no hay dos piezas exactamente iguales, sino que todas las piezas del mismo número de color se unen para formar conjuntos completos]. El texto de presentación enfatiza los efectos jaspeados y las variedades de color. Las resinas sintéticas producidas hasta entonces, las baquelitas, en realidad sólo podían obtenerse en tonos marrones y amarillo pajizo. Por otro lado, los polvos de moldear Beetle, gracias a su semitransparencia, introdujeron, en la década de 1920, la posibilidad de dar color a los plásticos, cualidad que para estos materiales hoy nos parece tan obvia, pero que en aquellos años no no era de ninguna manera obvio.