Die Malerei ist Teil der Zeit, in der der Künstler einen entscheidenden Wandel in seiner Karriere vollzieht, wenn er sich von der figurativen Malerei entfernt und mit einem abstrakten geometrischen Stil zu experimentieren beginnt, der zur Geburt eines persönlichen Formenvokabulars führt, wie z der typische unregelmäßige Kamm oder die Gabel.

„Es mag mir widersprüchlich erscheinen, ein Thema zu akzeptieren, das der (anscheinend isolierten) Forschungsordnung, die ich seit einem Jahr verfolgt habe, gegeben ist: das Thema „Arbeit“. Der Widerspruch war nur ein äußerer, und das Thema kam im Gegenteil meiner grundsätzlichen Intuition gelegen. Nicht der Mythos, sondern die Essenz der Arbeit. Ich muss jedoch darauf hinweisen, dass jede mündliche Übersetzung ihrer Natur nach unsachgemäß und generisch ist. Und ich hätte mich fast geweigert, es zu tun, wenn es nicht notwendig gewesen wäre, dies zu erklären: Es wird nicht einer der unbedeutendsten Gewinne in unseren unruhigen Jahren gewesen sein, dass wir es geschafft haben, diesen Kern langsam, aber angemessen zu festigen in der wildesten und unbeschreiblichsten grafischen Stimmung, die unseren Designprozessen beabsichtigt und vielleicht versprochen wurde ". (C. Capogrossi, 1950)

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

De Chirico greift hier ein Thema der klassischen Mythologie auf. Vulcan, der Gott des Feuers, ist zusammen mit seinen Helfern in seiner Schmiede dargestellt, die darauf bedacht sind, Waffen für die Götter und Helden zu schmieden. Auffallend ist die plastische Nacktheit der Körper in heftigem Hell-Dunkel.

„In meiner Malerei habe ich versucht, mich an die klassischen Systeme der Komposition und des Hell-Dunkels zu halten. Ich wurde hauptsächlich von Rubens und Velasquez inspiriert, die versuchten, das größtmögliche Licht im Zentrum des Gemäldes zu konzentrieren und die Bewegungen der Charaktere und die Linien der Komposition auszugleichen, um gleichzeitig ein harmonisches und monumentales Ganzes zu bilden. Ich suchte auch nach der Kostbarkeit des Materials; das heißt neben der Eigenqualität durch die Art der verwendeten Öl-Harz-Stoffe auch jene besonderen Eigenschaften der Transparenz, der inneren Leuchtkraft, der Mischungseinheiten, die den großen antiken Malern seit jeher vorbehalten waren und von denen heute sogar die die Erinnerung ist verloren gegangen. . Nur so kann die Malerei wieder auf das Niveau der «wahren Kunst» gebracht werden. (G. de Chirico, 1949)

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

Der Künstler stellt zwei Maurer dar, die mit dem Bau eines Hauses beschäftigt sind, und zeugt von der Bedeutung der Arbeit als Mittel zum Wiederaufbau nach der tragischen Zeit des Zweiten Weltkriegs.

„Als ich mit meiner Arbeit begann, hatte ich sofort das Gefühl, dass ich mich mehr auf die Vorstellungskraft als auf das Modell verlassen musste, um das Motiv so zu erstellen, wie ich es darstellte. Nach meiner Absicht sollten die beiden Figuren der allgemeinen Bewegung der Komposition jene Dynamik der Massen verleihen, die mir der Inhalt des Themas nahelegte; das heißt Repräsentation, Aktion und Haltung. Was die konstruktive Seite betrifft, schien es sofort notwendig, die beiden Figuren auf der Diagonale zu platzieren, das ist der Winkel, der die Schwerkraft der Körper am besten ausdrücken kann, ohne die natürliche Klarheit zu verlieren, weil ich denke, dass dies auch in der Arbeit von Wert ist Kunst. All dies muss natürlich so verstanden werden, dass es darauf abzielt, „die Menschlichkeit des Subjekts“ zu erreichen. (C. Carra, 1949)

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

Durch die Darstellung von männlichen und weiblichen Protagonisten der alltäglichen Realität stößt Guttuso seinen persönlichen Denunziationsschrei gegen die großen sozialen Probleme aus, wie in dieser Arbeit mit dem sizilianischen Arbeiter.

„Das Gemälde in der Verzocchi-Sammlung gehört zu einer Reihe von Gemälden, die ich 1948 und 1949 gemacht habe, in denen ich versuchte, einige Aspekte des Lebens und der Kämpfe der Arbeiter im Süden zu kennen und auszudrücken. Von dieser Realität versuche ich die gesamte Bewegung, die Energien, die Entwicklung auszudrücken. In diesem Sinne erfolgt meine jetzige Arbeit. Jenseits (wenn möglich) der getrennten Diskurse von Inhalt und Form, Inhalt und Thema, Thema und Sprache. Reden, die mir zunehmend ohne gesunden Menschenverstand erscheinen“. (R. Guttuso, 1949)

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

Im Inneren des Palazzo Romagnoli befindet sich eine wertvolle Sammlung, die von Ada und Arturo Righini gestiftet wurde und dem Werk von Giorgio Morandi gewidmet ist, bestehend aus drei Gemälden und sechs Radierungen. "Blumentopf. „Il Papavero“ stellt eines der höchsten Kapitel des „letzten Morandi“ dar, mit unglaublichen Synthesepunkten in Sachen Lautstärke und Helligkeit. Hier ist Morandis Malerei jetzt schlank und das Schild dünn, fast grafisch. Die Leinwand erscheint zerkratzt und die Farbbereiche werden reduziert.

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

In Deperos Arbeit werden Härte, Energie und eine metallische Abstraktheit eingefangen. In den Jahren, in denen er dieses Werk schuf, scheint Deperos Stil von einer magischen Aura umgeben zu sein, an der Grenze zwischen Futurismus und magischem Realismus, geprägt von einer großen Aufmerksamkeit für das Design und für die Lebendigkeit und Brillanz der Farben.

„Zwei Symbole der Arbeit: schwer, innen Feuerlicht, zwischen Bomben und Metallperspektiven das erste; die zweite ist luftig, fast magisch (eine Frau, die den Webstuhl aufmerksam verfolgt, unter einem smaragdgrünen Licht). Neben der Darstellung zweier gegensätzlicher Zeichen wollte ich die bevorzugten Intentionen „Stil“ und „Charakter“ unterstreichen. Absicht, die den Künstler wesentlich interessieren sollte. Design, Farbe, Form sind technische Elemente; danach „Stil“ und „Charakter“. Realität ist Materie, Abstraktion. Das heißt: Thema oder Thema, verstanden, interpretiert, stilisiert und ausgedrückt mit Intelligenz und Genialität; mit Verstand und Laune, wie Verzocchi zu Recht präzisierte“. (F. Depero, 1949)

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Das Gemälde wurde vom Autor dem „Cenacolo Artistico Forlivese“ geschenkt, einem 1920 vom Maler Giovanni Marchini gegründeten Verein. Die Zerlegung der Figuren, die Interpretation der Volumen, die Beugung der Lichtquellen und noch mehr das Gefühl der Ruhelosigkeit und Erregung kündigen die reine futuristische Matrix dieses großartigen Gruppenporträts von Giacomo Balla an.

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

Emilio Vedovas Kunst ist abstrakt und scheinbar weit entfernt vom „echten Signifikanten.“ In dieser Richtung ist die Arbeit Interno di Fabbrica bedeutsam, wo der Schematismus und das Gewirr von Körper und Leere, von schwarzen und weißen Massen weniger auf den physischen Ort verweisen , sondern auf den mentalen Ort, auf die soziale Verwirrung, die sich um das industrielle System dreht (D'Amico, 2011).

„Wie findet man Worte, die für alle verständlich sind, um jenen Vorzustand zu erklären, der fast an Hellsehen heranreicht, in dem die erste Warnung vor einem Bild geboren wird? Das Kommentieren eines Gemäldes ist Sache des Kritikers; Ein Künstler drückt sich am besten in Form und Farbe aus, und durch Formen und Farben sieht er das Innenleben der Dinge. Es gibt eine geometrische Sensibilität sowie eine organische. Daher kann man vor einem Nackten genauso stark vibrieren wie vor einer Maschine. Jedes Objekt kann ein Grund für Entdeckungen und eine Quelle von Emotionen sein. Bestimmte konstruktivistische Malerei muss nicht als einfache mechanistische Illustration verstanden werden, sondern als intensive und emotionale Reaktion vor einer Maschine, die der Künstler mit einem spezifischen Sinn für geometrische Form erlebt. (E. Vedova, 1949-1950)

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

Das Werk wurde der Stadt Forlì 1931 von Raniero Paulucci di Calboli zusammen mit sechs weiteren Skulpturen desselben Autors geschenkt. Die Maske des Schmerzes war Wildts erstes Werk nach der schweren existenziellen Krise, die ihn 1906 traf und die nur drei Jahre später endete. Die drei Kreuze, die auf der Bodenplatte eingraviert sind, spielen auf diese drei Leidensjahre an. Das tief eingefallene Gesicht mit leeren Augenhöhlen und halboffenem Mund drückt pure Verzweiflung aus.

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì

Sironis Werk war eines der von Verzocchi und Kritikern am meisten geschätzten. Der Künstler hat seine Poetik auf meisterhafte Weise zum Ausdruck gebracht, indem er eine Komposition mit drei Kompartimenten mit ausgewogenen Gewichten geschaffen und auf einem erdigen Farbbereich gespielt hat, der sich symbolisch auf den Ton des Ziegels bezieht, den der Mann oben links bearbeitet (Marullo, 2003). .

„Ich werde um einen Kommentar zu … mir selbst gebeten. In meiner Malerei erscheint mir alles klar genug, auch wenn eine gewisse Logik dieser Darstellung nicht üblich ist. Meine Malerei in kritische Begriffe übersetzen? Das ist ein rein italienisches Übel. Der Kritiker gibt vor, ein Gemälde zu nehmen, es in einen Destillierkolben zu geben, es zu erhitzen, es zu manipulieren und eine Verbindung herzustellen, die oft faulig grün oder fahlviolett ist. Das Ganze, in die Flasche gestellt, in einer Reihe mit anderen auf einem Regal, ist das Gemälde. Einfach aus der Flasche trinken und das Gemälde wird gesehen und genossen. Dies wird für viele nützlich sein, aber es spricht bestimmte Maler nicht an, die synthetische Produkte nicht schätzen können, und liegt anstelle des Fleisches und der Knochen, aus denen sie bestehen. (M. Sironi, 1949-1950)

Texte: Lorenza Montanari, Martina Neri - Museumseinheit der Gemeinde Forlì