Dieses Gemälde und sein Gegenstück wurden konzipiert, um einen vollständigen Blick auf den Golf von Neapel zu bieten. Im Vordergrund stellen sie die Parade der königlichen Prozession dar, die jedes Jahr am 8. September entlang der Riviera di Chiaia zur Kirche Santa Maria di Piedigrotta stattfand. Es war eine grandiose Militärparade, bei der unter den Flügeln einer jubelnden Menge die königlichen Kutschen und der gesamte Hofstaat vor dem suggestiven Hintergrund der Bucht von Neapel vorführten und ein Spektakel von unvergleichlicher Schönheit schufen, von dem zahlreiche bildliche Zeugnisse erhalten sind. Der Künstler, der diese außergewöhnliche Synthese von Geschichte und Natur am besten verstand, war Antonio Joli aus Modena (um 1700-1777). Als Erbe der klaren Landschaftsmalerei der Aufklärung von Gaspar van Wittel bereicherte und personalisierte Joli seine eigene Sprache durch lange Aufenthalte in den wichtigsten europäischen Hauptstädten, wo er sich als Bühnenbildner und Landschaftsmaler einen Namen machte und schließlich genau in Neapel den Höhepunkt einer langen Zeit erreichte und erfolgreiche Karriere. Im Inneren der königlichen Kutsche, die auf dem ersten der beiden Gemälde dargestellt ist, ist deutlich die Gestalt des kindlichen Königs Ferdinand IV. zu erkennen, der 1759 im Alter von acht Jahren nach der Abdankung seines Vaters Karl von Bourbon den Thron bestieg, wem er die Krone von Spanien geerbt hatte. Da dieser aber neben seinem Sohn noch immer vertreten ist, muss die Parade, an der beide Fürsten ausnahmsweise teilnahmen, die vom 8. September 1759 sein, die unmittelbar nach der Krönung Ferdinands und kurz vor der Abreise Karls nach Spanien stattfand.

Dieses Gemälde und sein Gegenstück wurden konzipiert, um einen vollständigen Blick auf den Golf von Neapel zu bieten. Im Vordergrund stellen sie die Parade der königlichen Prozession dar, die jedes Jahr am 8. September entlang der Riviera di Chiaia zur Kirche Santa Maria di Piedigrotta stattfand. Es war eine grandiose Militärparade, bei der unter den Flügeln einer jubelnden Menge die königlichen Kutschen und der gesamte Hofstaat vor dem suggestiven Hintergrund der Bucht von Neapel vorführten und ein Spektakel von unvergleichlicher Schönheit schufen, von dem zahlreiche bildliche Zeugnisse erhalten sind. Der Künstler, der diese außergewöhnliche Synthese von Geschichte und Natur am besten verstand, war Antonio Joli aus Modena (um 1700-1777). Als Erbe der klaren Landschaftsmalerei der Aufklärung von Gaspar van Wittel bereicherte und personalisierte Joli seine eigene Sprache durch lange Aufenthalte in den wichtigsten europäischen Hauptstädten, wo er sich als Bühnenbildner und Landschaftsmaler einen Namen machte und schließlich genau in Neapel den Höhepunkt einer langen Zeit erreichte und erfolgreiche Karriere. Im Inneren der königlichen Kutsche, die auf dem ersten der beiden Gemälde dargestellt ist, ist deutlich die Gestalt des kindlichen Königs Ferdinand IV. zu erkennen, der 1759 im Alter von acht Jahren nach der Abdankung seines Vaters Karl von Bourbon den Thron bestieg, wem er die Krone von Spanien geerbt hatte. Da dieser aber neben seinem Sohn noch immer vertreten ist, muss die Parade, an der beide Fürsten ausnahmsweise teilnahmen, die vom 8. September 1759 sein, die unmittelbar nach der Krönung Ferdinands und kurz vor der Abreise Karls nach Spanien stattfand.

Louise Loy Smart (1810-1888), Schwester von Guglielmo Coroninis Urgroßmutter mütterlicherseits, Elisabetta, wurde in Triest geboren und war die Tochter von Giuseppe Loy und Giustina Pittoni de Dannenfels. Aus der 1827 geschlossenen Ehe mit Thomas Smart (1789-1869) hatte Luisa acht Kinder, zwei Jungen und sechs Mädchen, von denen vier vorzeitig starben und nur zwei ein hohes Alter erreichten, Guglielmina (1827-1906) und Ada ( 1837-1912). Das Porträt, das die Coroninis 1912 nach dem Tod von Ada, der letzten der Familie Smart, erbten, kann zwischen 1850 und 1855 datiert werden, wie sowohl das Alter der Frau, die bereits reif, aber noch nicht verblasst ist, als auch die Charaktere vermuten lassen des Kleides, das gemäß der Mode der Mitte des Jahrhunderts mit der Krinoline an Breite gewinnt und die Strenge des Schwarzen mit dem koketten Touch der weichen Spitzenunterarme und dem leichten Profil, das den Ausschnitt begleitet, korrigiert. Selbst wenn es nicht signiert wäre, würde das Gemälde sofort an Antonio Zona denken, einen Porträtisten, der sich gerade durch die Fähigkeit auszeichnet, die Süße der Seele, die Louise Loy ausdrückt, und im Allgemeinen gute Gefühle hervorzuheben. 1814 in Gambarare di Mira geboren und an der Akademie von Venedig ausgebildet, hatte er von Anfang an Kontakt zu Triest. Seine Malerei ist das Ergebnis einer großartigen technischen Vorbereitung, die in einem Kontext tiefgreifender Transformationen und harter Konfrontationen zwischen Restauratoren und Realisten gewonnen wurde. Am Ende blieb er einer spätromantischen Vision treu, respektierte die große Tradition und achtete auf die Regungen des Herzens. Lässige und manchmal süßliche Posen treffen leicht den Geschmack des Publikums und obwohl er in vielerlei Hinsicht ein Anhänger von Hayez zu sein scheint, kann er es in der Ausdruckskraft seiner Porträts nicht mit ihm aufnehmen.

Die Neubemalung mit der Darstellung von Louis Durfort-Duras, Earl of Feversham, entstand vermutlich um 1685, als die dargestellte Figur im Dienste Jakobs II. mit dem Sieg über den Duke of Monmouth seinen größten militärischen Erfolg erzielte. Bei dieser Gelegenheit wurde er mit der Verleihung einer prestigeträchtigen Ehre, des Hosenbandordens, entschädigt, auf den das blaue Band auf der Brust anspielen konnte. Obwohl von anderen zeitgenössischen Porträtisten bekannt, war John Riley (1646-1691) einer der wenigen englischen Künstler, der sich in diesem normalerweise von ausländischen Malern dominierten Feld etablieren konnte und es schaffte, sich mit einem aristokratischen Auftrag und am selben Hof zu etablieren . Dennoch fehlt es seinen Werken an Prunk, Emphase und Prunk, die das damalige Paradeporträt auszeichneten, sondern geben der physiognomischen und psychologischen Wiedergabe der Gesichter Raum.

Die beiden beidseitig bemalten Tafeln bildeten die Seitentüren eines kleinen Triptychons, das wahrscheinlich in der Mitteltafel eine Anbetung der Könige darstellte, die nicht erhalten wurde. Dieses Thema, von dem die beiden biblischen Episoden auf den Tafeln als Vorwegnahme galten, war in der Handelsstadt Antwerpen sehr beliebt, wo in den ersten Jahrzehnten des 16. Jahrhunderts eine Gruppe von Künstlern, meist anonym, eine besondere Bildsprache entwickelte Stil, genannt "Manierismus von Antwerpen", gekennzeichnet durch überfüllte Kompositionen, durch Figuren in eleganten und künstlichen Posen in kunstvollen exotischen Gewändern, durch die Verwendung heller und schillernder Farben, durch eine bizarre Mischung in der Architektur, aus spätgotischen Elementen und von Renaissance-Motiven. Diese ursprüngliche Sprache wird durch die technische Virtuosität der flämischen Malerei unterstrichen, die besonders effektiv bei der realistischen Wiedergabe von Stoffen, Pelzen, Federn, Metallen und Juwelen ist. Auf der Rückseite sind die heilige Gertrud von Nivelles und der heilige Hadrian von Nikomedia abgebildet.

Der Druck gehört zu der Serie „Fifty-three stations of the Tōkaidō“, die Hiroshige zwischen 1833 und 1834 schuf. Das Werk stellt ein detailliertes „Reisetagebuch“ in Bildern entlang der Küstenstraße von Tōkaidō, der wichtigsten der damaligen Zeit, dar von Tokugawa Yeyasu, dem ersten Shogun der Feudalregierung. Die über fünfhundert Kilometer lange Straße verband Edo, den heutigen Sitz der neuen Regierung in Tokio, mit Kyōto, der alten Hauptstadt, in der der Kaiser noch residierte. Die Bahnhöfe waren Orte, an denen man anhalten und seinen Pass vorzeigen musste, und wo Reisende Hotels, Pferde, Frachttransporter, Fährleute, Brechstangen fanden. Unter den Drucken der Serie, die einen durchschlagenden Erfolg hatten, gilt die Darstellung des Nachtschnees in Kambara als Meisterwerk unter den Darstellungen verschneiter Landschaften.

Jan Saenredam zeichnete diesen Stichel nach einer Zeichnung von Hendrick Goltzius. Die Ausbildung in der Werkstatt des bekannten Meisters aus Haarlem, die um die Jahre 1589-1590 stattfand, ermöglichte es ihm, eine zur Virtuosität neigende Gravurtechnik zu entwickeln, und wurde zu seinem begabtesten Schüler. Die fragliche Presse repräsentiert "das Chaos, das Camillo anrichtet, während Brenno das Gold wiegt". Die Figur von Marco Furio Camillo wird hervorgehoben, der rechtzeitig zu Pferd ankam, um die Ehre Roms während der von Brenno kommandierten Belagerung der Gallier zu retten; er hält das Schwert in der Hand, bereit, es auf die Waage zu legen, um den Preis für das Gold-Lösegeld zu erhöhen, das den Römern auferlegt wurde, so die Geschichte des Historikers Titus Livius. Die horizontale Entwicklung der Szene und die Isokephalie beziehen sich auf die antiken Friese und schlagen ein klassisches Schema vor. Aus der Umkehrung der Buchstaben "G" und "L" auf den Insignien, die in der Gravur erscheinen, ist ersichtlich, dass das Bild ein Gegenstück zum verlorenen Entwurf von Goltzius ist. Die Virtuosität von Saenredam zeigt sich in den hervorragenden Ergebnissen, die bei diesem Gravurtest erzielt wurden. Die Modellierung von Formen durch Licht- und Schattenebenen offenbart die Absicht des Künstlers, Marmorreliefeffekte durch den Stichel zu erzielen.

Der Druck stammt laut Ridolfi von der Komposition, die "die Jungfrau Maria mit der Heiligen Anna darstellt, die er [Tizaino] in Chiaroscuro über dem Grab von Luigi Trevisano in S. Giovanni e Paolo malte". Wie Mariette feststellte, konnte die für den Druck verwendete Zeichnung jedoch nicht dieselbe sein, die für das Gemälde bestimmt war, eine Lünette, in der weder die Figur des heiligen Josef noch die beiden Engel zu sehen waren, stattdessen waren zwei Dominikanermönche zu sehen. Von der tizianischen Arbeit, die ursprünglich über dem Grab aufgestellt und bereits im 18. Jahrhundert so schwer beschädigt worden war, dass sie, wie Zanetti betonte, in einem Raum des Klosters aufgestellt worden war, sind keine Spuren mehr vorhanden. Das Werk gehört in die letzte Phase von Tizians Beziehung zum Holzschnitt, als der Künstler sich darauf beschränkte, anstelle von eigens für den Druck konzipierten Originalerfindungen die Zeichnungen und Vorstudien seiner Gemälde an die Schnitzer weiterzugeben, die dann überarbeitet und angepasst wurden die Gravur. Dritter Zustand von drei. Inschriften: Rückseitig handschriftliche Notiz mit Bleistift: "Gravure au bois de la main de Titien".

Nach einem Debüt als Autorin von Miniaturen etablierte sich die venezianische Malerin Rosalba Carriera (1675-1757) schnell auf der europäischen Bühne mit ihren zarten und eleganten Pastellporträts, die sie bald zu einer der einflussreichsten, berühmtesten und gefragtesten Künstlerpersönlichkeiten machten von Europa. Dank ihr kam die Pastelltechnik wieder in große Mode und bot sich mit ihren weichen Tönen an, um die für den Rokoko-Geschmack typische anmutige Anmut wiederzugeben. Sakrale Themen sind in seiner Produktion nicht besonders zahlreich. Eine etwas größere Version derselben Madonna wird in Venedig in einem der Räume des Palazzo Mocenigo aufbewahrt. Das Gemälde, das Mathilde Coronini gehörte, die es von ihrer Tante mütterlicherseits, Pauline de Sampigny, geerbt hatte, wurde Carolina Ritter, Ehefrau von Alfredo Coronini, überlassen, die es wiederum ihrer Tochter Carmen übertrug. Nach deren Tod im Jahr 1968 ging ihr gesamter Besitz, einschließlich des Gemäldes von Rosalba Carriera, in Ermangelung direkter Erben an ihren Neffen Guglielmo Coronini über.

Der fast fotografische Realismus des Gemäldes sowie die sorgfältige physiognomische Charakterisierung der Figuren sind typische Züge der Sprache von Ferdinand Georg Waldmüller (1793-1865). Als einer der populärsten Künstler seiner Zeit konnte er die Spuren des bürgerlichen Biedermeier-Malgeschmacks erfassen, der um die Mitte des 19. Jahrhunderts im deutschsprachigen Raum weit verbreitet war. Neben der raffinierten und umfangreichen Produktion von Porträts spezialisierte sich der Wiener Künstler auch auf Landschaften von seltener Lichtempfindlichkeit und Genreszenen, ähnlich wie dieses Gemälde, das eine junge Frau mit ihren drei Kindern zeigt, die in einem kleinen Land Schutz vor einem Sturm suchen Altar. Das Gemälde gehörte ursprünglich zu den Sammlungen von Sartorio di Trieste und wurde 1946 dank eines Vermächtnisses der letzten Nachfahrin der Familie Trieste, Anna Segrè Sartorio, von Graf Guglielmo Coronini geerbt.

Wie eine Reihe von Briefen belegen, reifte die Zuschreibung der Marmorbüste des jungen Napoleon Bonaparte an Giuseppe Ceracchi ab Anfang der 1960er-Jahre dank der von Graf Guglielmo Coronini persönlich durchgeführten Recherchen zu seinen Kontakten mit dem amerikanischen Gelehrten Ulysse Desportes und verglichen mit einem Druck des englischen Stechers Henry Richter, datiert 1801, wo die folgende Inschrift erscheint: „engraved […] from the gefeierten Bust by Ceracchi lately broughed from Paris and now in his Possession“. Der Druck, von dem der Graf zusammen mit der oben erwähnten Korrespondenz ein Foto aufbewahren ließ, zeigt tatsächlich ein Werk, das der Coronini-Büste sehr ähnlich ist, mit dem einzigen Unterschied, dass, wie Guglielmo selbst betonte, die von Napoleon getragene die gekreuzte Tunika von ist Marengo und des ersten Konsulats, und nicht gerade der erste Feldzug in Italien, der im Gorizia-Exemplar abgebildet ist, daher auf 1796-1797 datierbar. Obwohl Desportes sich nie eindeutig für die Zuschreibung an Ceracchi ausgesprochen hatte, war es seinen Berichten zu verdanken, dass Graf Coronini anlässlich der 1989 im Palazzo dei Conservatori in Rom organisierten monografischen Ausstellung von den Kuratoren kontaktiert wurde, die um eine Leihgabe baten des Werks. , bestätigt das Autogramm des römischen Künstlers. Die Hypothese ist, dass das Gorizia-Exemplar tatsächlich das in Richters Druck abgebildete ist und dass es unmittelbar nach der ersten Begegnung des Bildhauers mit Bonaparte, die Anfang 1796 in Paris stattfand, angefertigt wurde. Ceracchi war zu dieser Zeit bereits ein bekannter Künstler Künstler und behauptete, er habe in ganz Europa und den Vereinigten Staaten gearbeitet, sich aber auch für seine demokratischen und jakobinischen Ideen bekannt gemacht. Als Unterstützer des italienischen Feldzugs wurde er zu einem der angesehensten Berater des jungen Generals, der ihn in Mailand bei sich haben wollte. Hier malte Ceracchi ein stattliches altmodisches Porträt für Napoleon, das in Geist und Umgebung sehr weit entfernt von dem Coronini-Porträt war. Tatsächlich stimmen alle darin überein, dass die Büste von Gorizia sicherlich nach dem Leben geschaffen wurde, da, wie Graf Guglielmo selbst betont, „der kränkliche und müde Ausdruck und die Unregelmäßigkeiten und Asymmetrien des Gesichts“ das Bild weit entfernt von jeder Idealisierung und jedem Versuch machen mit heroischer Betonung.

In eine diplomatische Laufbahn eingeweiht, war Michele Coronini in den Jahren unmittelbar nach seiner Hochzeit mit Sophie de Fagan, die 1812 in Paris gefeiert wurde, oft auf Mission im Ausland. Zwischen 1815 und 1816 hielt er sich einige Monate in Neapel auf und machte auf der Rückreise sicher mindestens zwei Wochen in Rom Station. Bei dieser Gelegenheit hatte er die Gelegenheit, sein Porträt bei dem dänischen Künstler Bertel Thorvaldsen (1770-1844) in Auftrag zu geben, der zusammen mit Antonio Canova als einer der wichtigsten Interpreten des neoklassizistischen Geschmacks gilt. Tatsächlich wird die Datierung des Werks durch das Gipsmodell bestätigt, das im Thorvaldsen-Museum in Kopenhagen aufbewahrt wird und das die Aufschrift „Rom 1816“ trägt.

Die raffinierte Verzierung dieser zylindrischen Kelche, die leicht nach oben ausgestellt sind, ergibt sich aus dem Kontrast zwischen den beiden Bändern mit perfekt glatter und polierter Oberfläche an der Basis und dem oberen Rand und dem zentralen Teil des Körpers, der reich mit Pflanzentrauben verziert ist und Voluten in nielliertem Silber, die sich von einem rauen goldenen Hintergrund abheben, der durch dichte Meißelmuster entsteht. Moskau war eines der wichtigsten Produktionszentren für niellierte Objekte, wie die Provenienz der beiden fraglichen Gläser bestätigt, die von einem Silberschmied hergestellt wurden, dessen Name nicht überliefert ist, dessen Initialen "AK" jedoch auf zahlreichen zwischen 1835 und 1835 hergestellten Objekten zu finden sind 1849, die genaue ausführende und dekorative Affinitäten zu den beiden Coronini-Stücken aufweisen. Das Niello, eine alte Technik, die darin besteht, die auf einer Metalloberfläche eingravierten Rillen mit einer dunkel gefärbten Mischung aus Silber, Kupfer, Blei und Schwefel in variablen Anteilen zu füllen, wurde seit dem zehnten Jahrhundert von russischen Goldschmieden und Silberschmieden weit verbreitet einer Tradition, die im 16. Jahrhundert ihren Höhepunkt erreichte, sich aber auch im 19. Jahrhundert noch in Werken von großer Originalität ausdrückte.

Gefertigt wurde die kostbare Kameenbrosche von dem zwischen 1830 und 1862 in St. Petersburg tätigen Goldschmied Andreas Ferdinand Spiegel, der auch als Lehrer von Gustave Fabergé, Carls Vater, bekannt war. Bereits im 18. Jahrhundert wiederentdeckt und gesammelt, begannen antike Kameen in der napoleonischen Ära in Schmuck verwendet zu werden. Zur gleichen Zeit, besonders in Rom und Neapel, wo die Tradition des Schnitzens von Muscheln und Halbedelsteinen Jahrhunderte überdauert hatte, nahm die Produktion moderner Kameen neuen Aufschwung und setzte sich mit unverändertem Erfolg durch das ganze Jahrhundert hindurch fort. Die Schönheit und Raffinesse der Sardonyx-Kamee, die ein sehr weit verbreitetes antikes Thema darstellt, den Kopf der Minerva mit ihrem prächtigen Helm, veranlasste Dora Liscia Bemporad, die Hand eines niveauvollen Künstlers wie des berühmten Graveurs Benedetto Pistrucci oder eines von ihnen zu erkennen seine vielen Anhänger.

Die Uhr trägt keine Signatur, aber die außergewöhnlichen Figuren, die auf den Mythos von Orpheus und Eurydike anspielen, lassen uns das Werk eines Künstlers von höchster Qualität sehen, dessen Talente sich in den suggestiven und theatralischen Schnörkeln der Kleidung und im Geschick mit zeigen die sie gerendert werden die Details der Rüstung. Das Uhrwerk mit Stundenschlag ist vom Typ „Paris“, der dank industrieller Serienfertigung vom Ende des 18. bis Anfang des 20. Jahrhunderts mit minimalen Abweichungen in Gebrauch blieb. Aus einigen im Coronini-Archiv gefundenen Dokumenten wissen wir, dass die Uhr zusammen mit den beiden Kerzenhaltern, die das Ganze vielleicht vervollständigten, Teil des Vermögens war, das Sophie de Fagan 1826 von ihrer in Paris verstorbenen Mutter erbte. Die Uhr und die Leuchter wurden in Calais eingeschifft und gelangten auf dem Seeweg nach Triest. Der Holzsockel, auf dem die Uhr ruht, ist original und darauf war, wie die Rille andeutet, eine Glasglocke eingesetzt, die während der Fahrt zerbrochen ist. Sophie hinterließ die Uhr ihrer Tochter Mathilde, die sie wiederum der Frau ihres Neffen Alfredo, Carolina Ritter de Zàhony, schenkte.

In einigen Dokumenten werden die beiden Stücke als "Coffee Brico (700) mit Holzgriff / Punzoni R, gekrönt von einem Tannenzapfen (Augusta) ICE / Brico da latte (idem)" erwähnt. In anderen werden sie jedoch allgemeiner zitiert. Was die Coronini als Milchkännchen identifiziert hatten, könnte andererseits als selbstsüchtige Kaffeekanne betrachtet werden, die dazu bestimmt war, das Getränk nur für einen Service zu enthalten. Dank der Interpretation der Stempel ist es möglich, die Stadt, die Produktionsstätte und den entsprechenden Zeitraum nachzuvollziehen: Der „Kiefernzapfen mit dem Buchstaben R“ weist auf die Stadt Augusta und die Zeit von 1765 bis 1767 hin; die Initialen „ICE“ verraten den evangelischen Silberschmied Johann Christoph Engelbrecht. Der dekorative Typ, birnenförmig, mit Torsionsmuster, mit kurzem Ausguss, Holzgriff, Kuppeldeckel mit dreidimensionalem Griff, ist nicht nur in Deutschland, sondern auf dem gesamten europäischen Kontinent sehr häufig. Es ist nicht ausgeschlossen, dass diese beiden Stücke im Laufe der Zeit retuschiert und restauriert wurden. Im unteren Teil befinden sich mehrere Meißelspuren.

Diese prächtigen Salzkeller tragen die Handschrift von Martin-Guillaume Biennais (1764-1843), einem der berühmtesten französischen Silberschmiede seiner Zeit, offizieller Lieferant von Napoleon Bonaparte und seinem Hof. Als er 1789 in Paris ankam, begann Biennais seine Karriere als Tischler in einer Werkstatt in der Rue Saint-Honoré, die das Zeichen des Purpuraffen (Singe Violet) trug, das dazu bestimmt war, sein charakteristisches Markenzeichen zu bleiben. Nach der Abschaffung der Zünfte durch die Revolutionsgesetze von 1791 und 1797, die den Beruf für jedermann erlaubten, beschloss Biennais, sich dem Silberwaren zu widmen und stellte zunächst kleine Gegenstände wie Kulturbeutel und Reisetaschen her und legte die Fundamente eines florierenden Geschäfts, das ihn auf dem Höhepunkt seines Erfolgs dazu veranlasst hätte, bis zu 600 Mitarbeiter zu beschäftigen. Die ovalen Schalen aus geschliffenem Kristall, die von geflügelten Sphinxen mit einem Bein getragen werden, erinnern auf überraschende Weise an die Salzstreuer, die zu dem großen Service aus vergoldetem Silber gehören, das von Biennais anlässlich der Hochzeit zwischen Napoleon und Maria Luisa von Österreich in Auftrag gegeben wurde dokumentiert durch eine Zahlung vom 27. August 1810. Wie wir auch in den beiden Coronini-Salzkellern beobachten können, weisen die von Biennais hergestellten Objekte normalerweise nüchterne Formen auf, die von der Antike inspiriert sind und deren elegante Funktionalität durch die Raffinesse nicht erstickt, sondern vielmehr verbessert wird Dekorationen, die auf der Architektur des Stücks angeordnet sind, ohne die perfekte kompositorische Balance zu beeinträchtigen.

Die Archivdaten liefern keine nützlichen Informationen zur Identifizierung der Herkunft der beiden Objekte, aber die Stempel liefern einige weitere Informationen. Die durch die Punzen belegte Provenienz aus Ljubljana lässt jedoch einige interessante Hypothesen zu: Wir können nicht ausschließen, dass die beiden Objekte, die wahrscheinlich Teil eines größeren Service sind, Giovanni Filippo Cobenzl (Ljubljana, 1741 - Wien 1810), a Prominenzfigur des Habsburgerreiches und letzter Exponent seiner Familie, der Michele Coronini Cronberg ein auffälliges Erbe hinterließ. Die Qualität der Verarbeitung ist sicher, ausgeführt in gemeißelten Bändern, die sich mit glatten Bändern abwechseln, während der obere Teil des Deckels der Zuckerdose, der Erdbeeren mit verwandten Blättern darstellt, immer mit Meißel (Blättern) mit Fusionselementen (Erdbeeren) hergestellt wurde.

Nadelspitze in "Point de Sedan" aus feinem Leinengarn. Die Verzierungen, die aus ziemlich großen und kunstvollen Motiven bestehen, werden mit einer unendlichen Anzahl von gemusterten Stichen hergestellt und wiederholen sich abwechselnd alle 33 Zentimeter. Aus Familiendokumenten geht hervor, dass das wertvolle Objekt mit dem Spitznamen „Pizzo Coronini“ ursprünglich Olga Westphalen Fürstenberg und ihrer Schwester Thérèse Adamovich gehörte, da es Teil des reichen russischen Erbes war, das sie 1913 nach dem Tod ihres Onkels mütterlicherseits, Graf, erhielten Eduard Cassini. Zwischen 1967 und 1969 kauften Guglielmo und seine Schwester Nicoletta, die sich offensichtlich ihres großen Wertes bewusst waren, ihren Anteil an der Spitze von den beiden Cousins Ivan Adamovich und Wilhelmine Herberstein, Erben der verstorbenen Tante Thérèse, im Austausch gegen Silberwaren und Möbelstücke .und wird damit zu seinen ausschließlichen Eigentümern.

Das Renaissance-Manuskript über das Schachspiel, das erst 2006 in der Coronini-Cronberg-Bibliothek aufbewahrt wird, wurde vom berühmten Mathematiker Luca Pacioli als eigenhändiges Werk anerkannt. Der kleine in Leder gebundene Kodex stand in unmittelbarem Zusammenhang mit der seit Jahrhunderten als völlig verschollen geltenden Abhandlung mit dem Titel De ludo schacorum bekannt als Schifanoia, die Pacioli den Marquisen von Mantua Federico Gonzaga und Isabella d'Este widmen wollte und um die er gebeten hatte in Venedig das Druckprivileg im Jahre 1508. Die Abfassung des Werkes war sicherlich bereits von 1496 bis 1499 im Gange, während Luca Pacioli in Mailand am Hofe von Ludovico il Moro verbrachte, wo er Leonardo da Vinci kennenlernte, der dazu bestimmt war, zu führen auf eine lange und fruchtbare Freundschaft sowie eine professionelle Zusammenarbeit. Es ist bekannt, dass die Erfindung der großartigen Zeichnungen von Körpern und Polyedern, die De divina proportione illustrieren, das dem Goldenen Schnitt gewidmete Werk, das Luca Pacioli in Mailand fertigstellte.

Diese prächtige Uhr, die die Göttin Minerva darstellt, ist das Werk von Pierre Philippe Thomire, dem bedeutendsten Bronzekünstler, dh einem Hersteller von Objekten aus vergoldeter und patinierter Bronze sowie dekorativen Bronzedekorationen aus der napoleonischen Zeit. Seine Werke, die in den Formen und dekorativen Motiven von der Antike inspiriert sind, gehören zu den höchsten und raffiniertesten Ausdrucksformen des Empire-Stils. Als Hofmeißelmeister arbeitete er 1811 mit dem Silberschmied Odiot an der Herstellung der berühmten Wiege für den König von Rom, den Sohn von Napoleon und Maria Luisa von Österreich.

Das Tintenfass und der Briefbeschwerer sind Teil eines Schreibservices, zu dem auch zwei Parfümtassen und zwei Leuchter gehören. Die Dekoration wird mit einer Technik hergestellt, die für die hohe russische Handwerkskunst typisch ist und darin bestand, dünne Platten aus Malachitblöcken zu erhalten, die anschließend unter Ausnutzung der besonderen Farbtöne und der unterschiedlichen Muster der Adern wie die Steinchen eines Mosaiks auf Sockeln aufgebracht wurden Stein oder Metall. Der endgültige Effekt war der eines Objekts, das anscheinend aus einem einzigen Stück Malachit bestand, da die Verbindungen zwischen den verschiedenen Elementen durch ein spezielles Verfahren verborgen wurden, bei dem winzige Malachitfragmente in einer grün gefärbten Mischung gemischt wurden. Besonders edle Ergebnisse wurden dann erzielt, indem der Malachit mit vergoldeten Bronzeelementen kombiniert wurde, die einen angenehmen Kontrast zur grünen Farbe des Steins bilden. Neben der Dekoration ganzer Räume, wie des berühmten Malachitzimmers des Winterpalastes, wurde Malachit häufig zur Herstellung prunkvoller Einrichtungsgegenstände verwendet. In den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts kamen aus den Werkstätten von Peterhof und Jekaterinburg Tische, Vasen, Kandelaber, Uhren und Tintenfässer von außergewöhnlicher Verarbeitung, die, als Geschenk der Zaren an ausländische Herrscher angeboten, dazu beitrugen, diese Bewunderung zu verbreiten Art in ganz Europa.

Es ist ein Exemplar von großem Wert, in allen Teilen geprägt und verziert. Das Nussholzgehäuse, das im unteren Teil in Voluten geformt ist, hat einen Kolben in Form einer abgeflachten Birne. Der Lauf ist glatt, rund, mit zwei Ordnungen (sechseckig und rund) und trägt die Signatur in Großbuchstaben „LAZARINO COMINAZZO“. Die Signatur auf dem Lauf weist auf die Zugehörigkeit zur Manufaktur Cominazzo hin, einer großen und berühmten Dynastie von Rohrstockmeistern aus Gardonese, die vom Ende des 16. bis zum 19. Jahrhundert tätig war. Die Familie Cominazzo stellte keine Stäbe her, aber sie waren außergewöhnliche „Nivellierer“, die Exemplare hervorbrachten, die wegen ihrer außergewöhnlichen Eigenschaften von Dünnheit und Stärke, kombiniert mit der Eleganz des äußeren Erscheinungsbildes, hoch geschätzt wurden.

Wertvolles Paar Tassen ohne Markennamen, aber aufgrund der physikalischen Eigenschaften und Dekoration der Produktion von Claudius du Paquier, Gründer im Jahre 1718 der Wiener Porzellanmanufaktur, der zweiten, die in Europa eröffnet wurde. Das raffinierte Blumenmotiv ist von der Art Holzschnittblumen, gekennzeichnet durch große Blumen, abgeleitet von den Drucken botanischer Abhandlungen, die in der allerersten Produktion von europäischem Porzellan weit verbreitet waren. Porzellan ist ein keramisches Produkt auf der Basis von Kaolin, einer besonderen Art von hellem Ton, und fein gemahlenen Mineralien wie Quarz und Feldspat, das beim Kochen bei hohen Temperaturen zu einem Material von großer Schönheit wird, durchscheinend weiß mit einer harten und kompakten Textur. Porzellan wurde im 8. und 9. Jahrhundert n. Chr. in China geboren und erst im 15. Jahrhundert nach Europa importiert. Es wurden zahlreiche Versuche unternommen, es sofort zu reproduzieren, aber erst zu Beginn des 18. Jahrhunderts entdeckte der Alchemist Johann Friedrich Böttger sein Geheimnis und gründete die erste europäische Manufaktur in Meißen bei Dresden. Das Rezept für die Porzellanherstellung wurde von Meissen eifersüchtig gehütet und Claudius du Paquier nutzte seine Position als Militärberater des österreichischen Kaiserhofs, um dem Geheimnis auf die Spur zu kommen und Meissener Handwerker anzuwerben und anzuwerben. So konnte 1718 in der Nähe von Wien die erste Porzellanmanufaktur Österreichs eröffnet werden.

Franz Xaver Messerschmidt war einer der faszinierendsten Bildhauer der Aufklärung. Als akademisch ausgebildeter Künstler erlangte er in Wien dank einiger Originalporträts, die für Kaiserin Maria Theresia und ihren Hof angefertigt wurden, breite Anerkennung. Nach einer Studienreise nach Rom gehörte er zu den ersten Bildhauern, die mit den prächtigen Werken der barocken Tradition zugunsten der komponierteren Rhythmen des Neoklassizismus brachen. Auf dem Höhepunkt seines Erfolgs, um 1770, erschütterte jedoch eine tiefe persönliche Krise Messerschmidts Leben, vielleicht verursacht durch psychische Probleme, die ihn dazu veranlasste, Wien zu verlassen und nach Pressburg, dem heutigen Bratislava, zu ziehen. Hier fertigte er zwar weiterhin hin und wieder Auftragsportraits an, widmete sich aber vor allem seinen berühmtesten Werken, den „Charakterköpfen“. Zeitzeugen zufolge waren diese Porträts, deren Ausdruck von fester klassischer Teilnahmslosigkeit bis zu den übertriebensten und grotesksten Grimassen reichte, für Messerschmidt ein Mittel, um die Dämonen, von denen er sich verfolgt fühlte, in Schach zu halten und auszutreiben. Von den etwa 69 Köpfen, die sich zum Zeitpunkt seines Todes 1783 im Atelier des Künstlers befanden und von seinem Bruder geerbt wurden, wurden 49 1793 in Wien ausgestellt und verschwanden später. Derzeit wurden nur 44 Köpfe, die in Museen und Privatsammlungen aufbewahrt werden, aufgespürt. Die beiden Köpfe der Coronini-Sammlungen wurden nicht in die seit 1793 immer wieder ausgestellte Gruppe von 49 Werken aufgenommen, da sie wahrscheinlich zuvor von Messerschmidts Bruder verkauft wurden, der die Initialen „F. M.Sch.“ und vielleicht sogar mit etwas Kaltveredelung interveniert. Im Gegensatz zu den anderen Werken der Serie, die eigenständig auf einem direkt in die Büste eingearbeiteten Sockel stehen können, ruhen die aus Gorizia nach einer nachträglichen Veränderung stattdessen auf einem Holzträger, der in einen Alabastersockel eingesetzt ist. Von Gelehrten als eine Variante der größeren Einfachheit des Geistes identifiziert, wurde dieser Kopf von Graf Guglielmo Coronini der Mann genannt, der die Sonne ansieht.

Der schlechte Lack ist eine Technik, die im 18. Jahrhundert hauptsächlich in der Region Lombardei-Venetien verwendet wurde und darauf abzielte, die teuren lackierten Möbel, die aus dem Osten importiert wurden, wirtschaftlich nachzuahmen. Tatsächlich wurde die Oberfläche des Möbelstücks mit Figuren verziert, die aus Drucken geschnitten, koloriert und geschickt zu mehr oder weniger kunstvollen Kompositionen arrangiert wurden. Die Oberfläche wurde dann mit Lackschichten bedeckt und geschützt. Die Szenen, die dieses Möbelstück bedecken, sind von den Themen Jagd und Fischerei inspiriert. Die Kappe oder die obere Krone aus geschnitztem und vergoldetem Holz ist wahrscheinlich eine spätere Ergänzung und deutet auf eine venezianische oder österreichische Produktion hin. Das Möbelstück wird "Casanovas Trumeau" genannt, weil Graf Guglielmo Coronini einen Teil seiner Casanovian-Sammlung aufbewahrte, oder besser gesagt die ältesten Ausgaben der Schriften des berühmten venezianischen Abenteurers, die einen der wertvollsten Bestandteile der reichen Coronini-Bibliothek darstellen.

Naturalistisch inspirierte Juwelen waren in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts sehr beliebt. Ihr charakteristisches Element war die oft an Virtuosität grenzende Suche nach einem akzentuierten Realismus, die sich über mehrere Jahrzehnte hinzog, bis sie in den faszinierenden Interpretationen des Jugendstils mündete. Diese üppige und kostbare Orchidee in Gold und mehrfarbigem Email der renommierten Firma Janesich in Triest gehört zu den seit jeher beliebten Blumenmotiven. Das prachtvolle Schmuckstück, das von der für die Achtziger typischen Vorliebe für ungewöhnliche oder exotische Pflanzenessenzen und Blüten geprägt zu sein scheint, erscheint inspiriert von der berühmten Orchideenserie, die Tiffany für die Weltausstellung in Paris 1889 schuf. Dies ist es nicht überraschend, da die Aufmerksamkeit für die neusten Innovationen, die international präsentiert wurden, eine Konstante in der Produktion der Firma Janesich war, die als einzige in der Region regelmäßige Beziehungen zu den wichtigsten Pariser Modehäusern unterhält.

Das Hochzeitsziel dieses prachtvollen Fächers wird durch die auf Vorder- und Rückseite abgebildeten typischen Hochzeitsmotive deutlich: zwei Tauben mit orangefarbenen Blüten und das Monogramm der Braut, umgeben von Rosen und Flieder. Auch die Schnitzereien, Durchbrüche und Gravuren der Perlmuttlamellen sind von außergewöhnlicher Qualität. Die Initialen „ZL“, überragt von einer Fürstenkrone, deuten darauf hin, dass dieser Fächer anlässlich der Hochzeit von Zoe Bibikova mit ihrem ersten Ehemann Evgenj Lvov angefertigt wurde. Nachdem Felix Alexandre (1823-1887) 1849 als Fächerdekorateur mit Spezialisierung auf Blumenmotive in die Firma Desrochers eingetreten war und die Tochter des Besitzers geheiratet hatte, übernahm er das Geschäft seines Schwiegervaters und machte seine Fächer zu den beliebtesten und begehrtesten der Branche Welt. Welt. Seine Produkte, die mit dem Charme von Kaiserin Eugenie beworben wurden, fanden eine große Anhängerschaft unter illustren gekrönten Kunden, von Königin Victoria von England über Königin Luise von Holland bis hin zur Königin von Spanien und der Kaiserin von Russland Maria Fedorovna. Einer der Gründe für den großen Erfolg von Alexandre, der auch auf den Weltausstellungen in London 1862 und in Paris 1867 anerkannt wurde, war die Fähigkeit, Mitarbeiter auf höchstem Niveau auszuwählen, sowohl für die Ausführung der Rahmen als auch für die Dekoration der Seiten , auch berühmten Künstlern anvertraut.

Nachdem Felix Alexandre (1823-1887) 1849 als Fächerdekorateur mit Spezialisierung auf Blumenmotive in die Firma Desrochers eingetreten war und die Tochter des Besitzers geheiratet hatte, übernahm er das Geschäft seines Schwiegervaters und machte seine Fächer zu den beliebtesten und begehrtesten der Branche Welt. Welt. Seine Produkte, die mit dem Charme von Kaiserin Eugenie beworben wurden, fanden eine große Anhängerschaft unter illustren gekrönten Kunden, von Königin Victoria von England über Königin Luise von Holland bis hin zur Königin von Spanien und der Kaiserin von Russland Maria Fedorovna. Einer der Gründe für den großen Erfolg von Alexandre, der auch auf den Weltausstellungen in London 1862 und in Paris 1867 anerkannt wurde, war die Fähigkeit, Mitarbeiter auf höchstem Niveau auszuwählen, sowohl für die Ausführung der Rahmen als auch für die Dekoration der Seiten , auch berühmten Künstlern anvertraut. Dies ist der Fall von Eduard de Beaumont (1812-1888), Maler, Radierer, Lithograf und Illustrator, dessen Unterschrift auf dem illustrierten Fächer mit einer jener Motivszenen aus dem 18. Jahrhundert erscheint, die durch die Leidenschaft der Kaiserin Eugenie wieder in Mode gekommen sind im Stil des Rokoko. .

Das Kleid besteht aus Frack, Unterhemd und Hose. Der Frack, in Venetien Velada genannt, ist ein grundlegendes Element der Kleidung des 18. Jahrhunderts und hat einen militärischen Ursprung und verdankt seinen Namen dem Grafen Jean de Marsin. Es sieht aus wie eine lange Jacke mit Klappen, mit einer Linie, die an der Brust anliegt und an den Hüften ausgestellt ist. Charakteristisch sind die nicht sehr langen, aber unten ausgestellten Ärmel mit breiten Manschetten. Die breiten und flachen Knöpfe sind zahlreich und bilden ein wichtiges Dekorationselement. Der Frack wurde immer offen getragen, um die Unterwasserwelt sichtbar zu lassen, normalerweise aus edleren Stoffen und einer Kontrastfarbe. Dieses ärmellose Kleidungsstück hat eine enge Passform und ist immer kürzer als der Frack. Die Hosen, auch Braghe oder Bragoni genannt, haben eine spitz zulaufende Linie und sind am Knie kurz, wo sie mit einigen Knöpfen geschlossen werden. Noch im 18. Jahrhundert zeigte die Männerkleidung eine Fülle von Farben und Ornamenten. Die häufigsten Dekorationen waren, wie in diesem Fall, Blumenstickereien, die sich durch eine Fülle von Farben und botanischen Formen auszeichneten, die oft mit großem Realismus wiedergegeben wurden.

Die im 19. Jahrhundert weit verbreiteten „Freundschaftsbecher“ waren meist Einzelstücke, Sammlerstücke oder Vitrinen, verziert mit einem symbolischen oder allegorischen Bild, begleitet von einem Motto, einer Maxime oder einer Widmung. Die von der Wiener Manufaktur hergestellten waren sehr schön und zeichneten sich durch die leuchtenden Farben der Emails aus, wie das Beispiel der Coronini-Sammlungen von 1812.

Durch Fusion hergestellter Kelch, der dank einer sehr geschickten Meißelarbeit den Kopf eines Hundes auf äußerst realistische Weise wiedergibt. Dies ist eine außergewöhnliche Arbeit aus dem renommierten Sazikov-Atelier, das 1793 in Moskau von Pavel Fedorovich Sazikov gegründet wurde, dem 1830 sein Sohn Ignatij folgte, der 1842 eine Niederlassung in Petersburg eröffnete. 1846 erhielt die Manufaktur den Titel Hoflieferant, der es ihr erlaubte, neben ihrem Namen die Reichsinsignien mit dem Doppeladler anzubringen. 1851 nahm Ignatij Sazikov an der Weltausstellung in London mit neunzehn Objekten, darunter verschiedene Tischskulpturen, die historische und populäre Themen oder naturalistische Motive darstellten, die in der überraschenden Fähigkeit, die unterschiedlichsten Materialien absolut realistisch wiederzugeben, keine Rivalen fanden, teil vom Fell der Tiere bis zur Rinde der Bäume, zu Recht mit der Verleihung der höchsten Auszeichnung, der Ratsmedaille, ausgezeichnet. Der besondere Typ dieses Objekts ist höchstwahrscheinlich von den englischen Steigbügelbechern inspiriert, das heißt den "Steigbügelgläsern", die Rittern angeboten wurden, bevor sie zur Jagd aufbrachen, und traditionell in einer Art Sühneritus dem Bildnis eines a Fuchs, Reh, Hase oder Jagdhund. Auf dem Sockel ist das Wort „Fidelity“ in kyrillischen Buchstaben eingraviert, gefolgt vom Datum 1. Januar 1856.

Das Kathedralenarmband im neugotischen Stil enthält ein Miniaturporträt von Edwin de Fagan, dem jüngeren Bruder von Sophie de Fagan, der 1829 im Alter von nur 32 Jahren auf tragische Weise nach einem Sturz von der Gig starb. Hergestellt in der Werkstatt von Jean-Baptiste Fossin, der ab 1819 die prestigeträchtige Rolle des "Juweliers des Königs" innehatte, wie das auf das Originalgehäuse geklebte Etikett, das auf das Ende des dritten Jahrzehnts datierbare Armband mit seinen Schnörkeln, anzeigt , Zinnen , die beiden Ädikeln mit den Rittern in Rüstung und den zarten Emailblumen ist ein typisches Beispiel für jenen neugotischen Stil, der von der Wiederentdeckung des Mittelalters inspiriert wurde und nach seinem Erscheinen im frühen 19. Jahrhundert eine bedeutende Wiederbelebung erlebte ab den fünfzig. Die mit dem Miniaturporträt eines geliebten Menschen verzierten Juwelen gehörten im 18. Jahrhundert zu den beliebtesten Schmuckstücken und erfreuten sich auch im folgenden Jahrhundert großer Beliebtheit. Die in das Armband eingesetzte Miniatur ist das Werk von Pauline Ducruet (1781-1865), Ehefrau des berühmteren Jean Baptiste Jacques Augustin (1759-1832), einem der bekanntesten Buchmaler seiner Zeit, dessen Naturalismus sich dem widersetzte akzentuierten Impressionismus des Zeitgenossen Jean Baptiste Isabey. Als Schülerin ihres Mannes Pauline Augustin ahmte sie dessen Stil treu nach, so dass ihre Werke oft schwer zu unterscheiden sind.

Die seit dem 17. Jahrhundert aktive Manufaktur des Antonibon di Nove war eine der wichtigsten ihrer Zeit im Norden, mit einer umfangreichen Produktion von Majolika, aber ab der Mitte des 18. Jahrhunderts auch von Porzellan. Die Terrine mit dreidimensionalem Griff hat eine der typischen Dekorationen der Manufaktur, die als „Barockfrucht“ bezeichnet wird und durch Gruppen großer Früchte gekennzeichnet ist, die bei hoher Hitze in einer Reihe von Farben ausgeführt werden, darunter das Ferrina-Rot, die geheime Formel der Manufaktur.

Wie die jüngste Restaurierung bestätigte, die es ermöglichte, die verschiedenen Teile, in die das Möbelstück einige Zeit zerlegt war, endlich wieder zusammenzusetzen, stammt die mit Schnörkeln und Blumenmotiven im Rokoko-Stil geschnitzte Holzstruktur sicherlich aus dieser Zeit in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts, als der Geschmack für das ornamentale Repertoire der Zeit Ludwigs XV. zurückgekehrt war, um in ganz Europa und insbesondere in Russland auf großen Anklang zu stoßen. Die Porzellanelemente hingegen, oder zumindest sicher die figürlichen Stützen der Regale, wurden Anfang des 18. Jahrhunderts in der Meißener Manufaktur hergestellt. Auf einem der beiden wurde tatsächlich das Warenzeichen „K.H.C“ gefunden, das anscheinend verwendet wurde, um den Besitz und den Standort der Stücke anzuzeigen, in diesem speziellen Fall die „Königliche Hof Conditorey“, oder die Königliche Hofkonditorei. Die erste europäische Porzellanmanufaktur wurde bekanntlich in Meißen bei Dresden durch den Willen Friedrich Augusts, Kurfürst von Sachsen und späterer König von Polen mit dem Namen August II., gegründet. Das charakteristische Logo mit gekreuzten Schwertern in blauer Untermalung erscheint auf der Rückseite der Medaillons der Schubladen, die galante Szenen darstellen, die von den Kompositionen von Antoine Watteau inspiriert sind, und sich mit kleineren mit Amorgruppen abwechseln. Aufgrund der malerischen Qualität der Bilder, die durch eine feine Punktierung erzielt wird, sind diese Dekorationen mit einer Datierung um die Mitte des 18. Jahrhunderts vereinbar, als die Wiederbelebung von Erfindungen französischer Rokoko-Künstler wie Watteau oder Boucher durch Drucke erfolgte in Meißen weit verbreitet. Im Wesentlichen ist klar, dass das Möbelstück im 19. Jahrhundert mit der ausdrücklichen Absicht gebaut wurde, diese alten Porzellanelemente zu verwenden, was durch die Tatsache bestätigt wird, dass zwei davon auf etwas unpassende Weise sogar in den Rahmen eingesetzt wurden des Spiegels. Während es sich bei den ovalen Tellern eher um einfache Teile handelt, die an Böden für Dosen oder Schnupftabakdosen erinnern, könnten die sechs vertikalen Elemente ursprünglich zu einem gegliederten Geschirr gehört haben, genauer gesagt zu einem dieser Surtouts, komplizierten mehrarmigen Maschinen, die zum Tragen von Tellern bestimmt waren oder Tabletts mit Obst oder Süßigkeiten, die im achtzehnten Jahrhundert als Mittelstücke verwendet wurden. Diese Hypothese wird durch das Markenzeichen auf einem der Stücke bestätigt, das, wie wir gesehen haben, seine Bestimmung auf die echte Konditorei verweist.