El arte en técnica mixta de Albert Niemeyer a menudo retrata personajes y acontecimientos históricos. Esta pieza en particular es un comentario sobre el lado comercial de la sociedad estadounidense en general y específicamente la influencia del pop-art. Se utiliza un donut como halo sobre el retrato de Andy Warhol, quien por supuesto es la encarnación del arte pop. También se puede ver un títere de burro deformado. Esto comenta sobre el sistema democrático (el Partido Demócrata tiene un burro en su bandera) que en sí mismo está lejos de ser perfecto y cuenta con un gran apoyo de las grandes corporaciones. De ahí la cifra Michelin. A la derecha hay una referencia a los Oscar en forma de marioneta dorada, que tampoco es perfecta. En el borde derecho e inferior se puede ver un fragmento de un libro que escribió Warhol: De A a B y viceversa.

Una obra temprana de este conocido y polifacético artista holandés. Esta pintura es parte de una serie de grandes pinturas azules. La exhibición original a principios de la década de 1980 llamó mucho la atención. La ex reina Juliana de los Países Bajos visitó la exposición y quedó notablemente impresionada. El tema de la serie es la tentación y el amor perdido. Dos opuestos en una obra de arte. Esta pintura fue una donación al museo por parte de un coleccionista privado.

Ad Arma también es conocido por sus pinturas abstractas, grabados, esculturas de cerámica y objetos de vidrio. Trabaja de noche para evitar distracciones. Ganó el título de Artista holandés del año en 2007 y fue honrado con el título de Artista brillante 2022, un título honorífico para los artistas holandeses.

Antes de entrar al museo verás tres esculturas. Uno de ellos es Siro de Geert Verstappen. Consiste en algunas formas y formas básicas como un triángulo, un disco y una fracción de una esfera. El nombre hace referencia a la historia y los mitos griegos y romanos. Este nombre se adapta bien a la estructura robusta. La mayoría de las obras de este artista están realizadas en materiales robustos como el bronce y el acero aunque en ocasiones utiliza la combinación de vidrio y aluminio para crear una imagen más frágil y transparente.

Todas las obras de Geert Verstappen muestran tanto una sensación de perfección como de imperfección. Lo que se percibe como perfecto desde un ángulo puede parecer imperfecto desde otro punto de vista. La tensión entre los dos hace que estas esculturas sean emocionantes y de calidad eterna.

Las pinturas abstractas de Gerard te Wierik muestran su amor por los diseños. Su educación gráfica se trasluce en cada obra. Su inspiración proviene de la naturaleza y de pintores famosos como Jackson Pollock y Vincent van Gogh. Esta inspiración se traduce en resúmenes muy estratificados con mucha profundidad y dinámicas intrigantes. Su serie 'Movimientos' consiste en pinturas tanto monumentales como pequeñas que son básicamente fotogramas de los movimientos de la naturaleza, como, por ejemplo, la hierba ondulante. Estos fotogramas son una reacción contra la agitada sociedad digital que nunca se detiene. Sus obras desvían la atención del espectador hacia la naturaleza, donde se puede experimentar la serenidad, la meditación y la contemplación.

Esta 'antepasada' es un hermoso ejemplo de la artesanía de Hans Janssen. El cuerpo de gres de la escultura está cubierto de diversos polvos metálicos que han sido rociados con amoníaco y ácido clorhídrico. Un proceso experimental con una apariencia hermosa y distinta. El tocado de cristal otorga dignidad y estatus a la figura. Su inspiración proviene de las culturas antiguas, la ciencia ficción y el ocultismo. Hans Janssen siempre siguió su propio camino, sin ningún compromiso comercial. Sus técnicas son en gran parte autodidactas y el resultado de muchos años de experimentación. Los desarrollos recientes son pinturas de vidrio interactivas y esculturas de pared.

Las pinturas de Jacques Tange son coloridas, divertidas, divertidas y, a menudo, descaradas. Siempre hay más de lo que parece y, a menudo, hay mensajes ocultos. El artista casi nunca realiza retratos de personas concretas sino comentarios sobre las personas y la sociedad en general. Sus pinturas cuentan una historia y juegan con nuestro sentido de la realidad. Los gatos tienen rostros humanos, los caballos tienen ruedas en lugar de pezuñas y los peces pueden ser mascotas tiernas. Las mujeres que retrata Jacques Tange son personas fuertes. Esta pintura en particular trata sobre el padre de los artistas, que solía ser capitán en el mar. Las cartas a su esposa lo acercaron a ella más de lo que realmente estaba. Hay simbolismo en cada detalle; la chaqueta, el patrón del sofá, la vista a través de la ventana y la copa de vino. Difícilmente se puede poner una etiqueta al trabajo de Tange, se sostiene por sí solo.

Jan van Lokhorst despegó donde terminó el movimiento COBRA. Sus expresivas pinturas semi-abstractas muestran una energía cruda. Lo más llamativo es su uso del color y las líneas gruesas que forman las figuras. Los colores y las líneas se eligen de forma intuitiva y emocional. Van Lokhorst es un pintor expresionista pur sang . Realmente aprecia los materiales con los que trabaja: pintura, no pocas veces directamente del tubo, aplicada con espátula o con las manos desnudas.

Esta pintura muestra malabaristas en el juego. Uno puede distinguir algunas figuras humanas y partes del cuerpo separadas. Líneas dibujadas intuitivamente, sugieren movimiento y juego. Esto es exactamente lo que hace que las pinturas de Jan van Lokhorst sean tan atractivas. La energía y la alegría nunca se desvanecen. Otros temas de sus pinturas son los paisajes de Francia, los animales de África y los músicos.  

Lo primero que notas en el trabajo de Johan Abeling es el misterio. La atmósfera en sus paisajes desolados es casi irreal. El artista es considerado un realista norteño; un término para pintores realistas del norte de los Países Bajos. Su tema son los paisajes del norte de Holanda, a menudo con un árbol desnudo, una villa abandonada o simplemente una pequeña parte de una valla o puesto fronterizo en ruinas. Utiliza la realidad como inspiración para su propio mundo místico. Sus pinturas parecen tener su propia personalidad y su propia historia. También puedes considerar sus pinturas como puntos de descanso en una sociedad agitada. Johan Abeling es un maestro en el uso del sfumato, una técnica para crear una luz difusa y filtrada. Aplicando varias capas transparentes, suaviza la transición entre colores y formas, creando imágenes de ensueño.

Imágenes del corazón; así describe Margot Homan sus propias esculturas. No trabaja con modelos, sino que se nutre de su propio conocimiento de la anatomía humana para crear esculturas con personalidad propia. El no retrata a un hombre o una mujer, sino a hombres y mujeres como concepto. Esta 'mujer' fuerte muestra confianza y estima. ¿Quién necesita alas? Esta mujer ya es libre. Margot Homan diseña su trabajo en su estudio en los Países Bajos. La fundición del bronce o la escultura del mármol se realiza en Italia. De esta forma, combina dos mundos y sus diferencias culturales para ofrecer una fuente inagotable de inspiración. Su trabajo se refina de manera clásica con referencias históricas y un atractivo atemporal.

Después de un fuerte accidente automovilístico, Peter van Oostzanen perdió su conexión con el tiempo y el espacio por un tiempo. Vio las visiones más extrañas. Este período es el punto de partida de sus pinturas realistas surrealistas y mágicas. Combina imágenes casuales con emociones profundas y pura diversión. El título de esta pintura se traduce como “hecho volar”, pero también como “voló”. Muestra dos pájaros incapaces de volar -están muertos- y una mujer joven vulnerable y sin la protección directa de su hogar paterno. Las plumas de la paloma simbolizan la feminidad y el espíritu de vida.

Peter van Oostzanen es un talentoso pintor y narrador. Siempre hay mucho más en sus pinturas de lo que ves a primera vista. Sus técnicas son las mismas que las de muchos maestros holandeses. Después del pintor inicial, siga muchas capas para crear profundidad y vivacidad.

Tras iniciar su carrera como pintor abstracto, poco después se pasó al realismo. Primero se centró en los desnudos. Sus primeras pinturas realistas fueron portadas de álbumes para la banda holandesa llamada Flairck, que se hizo conocida internacionalmente. Esto fue a fines de la década de 1970. Empezó a incorporar otros elementos en su obra, como la música (obviamente), el teatro, las culturas extranjeras y los animales. Sus muchos viajes se convirtieron en una fuente de inspiración. Realizó una serie de pinturas bajo el nombre de “carnaval des animeaux”, utilizando un animal diferente para cada pintura. En 2013, un año antes de su muerte prematura, hizo esta litografía en piedra de casi todos los animales que pintó. Era un maestro en el arte de la litografía utilizando detalles increíbles y colores complejos. Musiom tiene la intención de mantener viva la memoria de este notable artista exhibiendo su trabajo y transmitiendo la historia de su vida.

Las esculturas de Sjaak Smetsers son como figuras de un libro de fábulas. Tienen personalidad de forma humana. Por lo general, usa una combinación de vidrio y varios metales como cobre y bronce. Las cabezas de pájaro y los pies humanos son marcas registradas. Su fascinación por las aves y la naturaleza en general comenzó a una edad temprana cuando su padre lo llevaba a menudo a observar aves. Es fácil que te gusten estas simpáticas obras de arte, pero siempre hay más en ellas de lo que esperas. La mayoría de sus criaturas tienen dos ojos a cada lado de la cabeza. Esto sugiere que pueden mostrar más de una cara, al igual que los humanos. Esta escultura tiene dos manos humanas unidas en oración, ¿o es un saludo? Se pueden guardar detrás de las puertas dentro de un pequeño compartimento dentro del cuerpo de vidrio. Pueden reaparecer en cualquier ocasión. ¿Es genuino el gesto? Nunca sabremos. Lo que sí sabemos es que pone una sonrisa en la cara de muchos visitantes del museo.

Theo Koster se especializa en paisajes. Al principio de su carrera, los paisajes eran muy gráficos y llenos de símbolos. Con los años se volvieron más impresionistas y texturizados. Utiliza materiales y medios para crear efectos. Sus cielos son casi una reacción química entre la pintura y otros materiales, lo que a menudo sugiere mal tiempo. Los paisajes en sí están llenos de profundidad y contienen muy pocos elementos como árboles o casas. Theo Koster encuentra su inspiración mientras da largos paseos con su perro. La campiña rural holandesa es bastante plana y, a veces, está lejos de ser emocionante, pero las interpretaciones del artista son vívidas y emocionantes. Esta pintura en particular es la favorita de los visitantes y, a menudo, se exhibe en el museo.

Theo Koster es un artista de orientación internacional. Trabajó en Francia y luego en la India y participa en exposiciones en todo el mundo.

Hans van Horck (vanhorck) es uno de los iniciadores de Musiom y artista residente permanente. Comenzó como acuarelista haciendo sobre todo retratos y desnudos. En el transcurso de la década de 1980, su trabajo se volvió más abstracto y comenzó a trabajar con pintura acrílica. Permaneció en los Estados Unidos durante un período extenso donde los diferentes paisajes se convirtieron en su principal inspiración. Este cuadro se inspiró en el lago Michigan y es uno de los muchos que realizó durante su estadía. Hoy los paisajes norteamericanos constituyen una importante fuente de inspiración. Además de paisajes abstractos, Vanhorck es conocido por sus pinturas con símbolos de viejos mitos y culturas antiguas.

El estudio del artista se puede visitar durante una visita a Musiom. Nunca lo encontrarás en el trabajo, ya que los visitantes son una distracción del proceso de creación, pero todos son bienvenidos a echar un vistazo al mundo del artista. Siempre ha sido un artista muy productivo y su trabajo se puede encontrar en muchas colecciones privadas y corporativas.

Recipientes de vidrio, objeto de molde abierto, joyería; Willem van Oijen es versátil y muy hábil en la creación de arte en vidrio. La superficie de cada uno de los objetos que crea, ya sea soplado o moldeado, un panel plano o un bloque, es penetrada y remodelada mediante tallado en arena en relieve profundo, corte con rueda, esmerilado, grabado, grabado y pulido. Al agregar otros materiales al objeto como acero bronce o madera en combinación con el componente de vidrio, acentúa la transparencia y la fragilidad del vidrio. Un aspecto importante en su trabajo es que crea una interacción entre opuestos en la forma en que se trabaja la superficie de un objeto, el uso del color, la diferencia en el brillo de los materiales utilizados, el concepto y el diseño. El uso de contrastes crea tensión en su obra, una tensión cuidadosamente equilibrada, lo que da como resultado objetos de arte homogéneos pero fuertes.

El artista recibió su educación de su padre, Willem van Oijen sr., quien fue un renombrado artista del vidrio, pintor y escultor en la era de la posguerra. Se puede decir con justicia que Willem van Oijen jr. nació y se crió con vidrio.