Ab 2010 kehrt Rachele Bianchi zur Malerei zurück, und zwar auf eine ausgesprochen eigenartige Weise: Sie fotografiert die Details einer ihrer Figuren in Bronze – Hände, Füße, Haare und Gesicht, Details des Kleides – und druckt sie auf Papier und übermalt in Tempera eine Art grafischen Kommentar zu seiner eigenen Skulptur.

Im Jahr 2014 produzierte der Künstler eine Reihe abstrakter Gemälde auf Leinwand, fast alle ohne Titel: Kompositionen, in denen Geometrien und kindliche Darstellungen gemischt sind, mit vollen und leuchtenden Farben; manche offenbaren im Pinselstrich, in der Komposition, in der Farbwahl deutliche Bezüge zur Kunstgeschichte, zu den visuellen Untersuchungen der französischen und russischen Abstraktionisten des 20. Jahrhunderts. Dies ist die neueste Produktion von Rachele Bianchi, die weiterhin täglich vor allem mit Buntstiften, Bleistift und Kreide zeichnen wird.

Die sechziger Jahre sind die, in denen der Künstler, stark von den ersten Experimenten mit Terrakotta, beginnt, kleine Gipsskulpturen zu schaffen, die er später in Bronze schmilzt: Dies sind Werke, die sich durch glatte und abgerundete Formen auszeichnen und in denen das Thema Weiblichkeit und Mutterschaft thematisiert wird. Schließlich sind es die Jahre, in denen der Künstler seine Kinder – Augusta 1960 und Giuseppe 1966 – zur Welt bringt, und es ist verständlich, dass dies deutliche Spuren in seinem Schaffen hinterlässt.

Diese Arbeit soll idealerweise einen der möglichen Ausstellungswege schließen.
Rachele realisiert diese kinetische Komposition zu Beginn des neuen Jahrtausends und erzählt durch ihre beiden Geister, die sie leiteten, zum ersten Mal ihre Vorstellung von „jenseits“. Es ist auch die einzige weibliche Figur, deren Ausdruck Freude und Zufriedenheit auszudrücken scheint. Die Frau wird gleichzeitig angeleitet und unterstützt, ist aber in jedem Fall mit den erzielten Fortschritten zufrieden.

Diese Arbeit gehört zu den wirkungsvollsten und symbolträchtigsten Darstellungen von Rachels Mutterschaft und nimmt viele Themen vorweg, an denen die Künstlerin in den 1960er Jahren direkt beteiligt sein wird.
Wir sind die Antithese zur Bronzearbeit, die die Ausstellung eröffnet hat. Hier besteht der Körper der Mutter aus einem einzigen Block, der sich in einen Hohlraum öffnet, der das Kind willkommen heißt: zwei kleine kostbare und stille Monolithen, die das Geheimnis und das Erstaunen der Erfahrung der Mutterschaft ausstrahlen: einzigartig für das Weibliche, verzerrt durch das Phänomenale.

Der Impetus der Darstellung ist frappierend. Die Arme spielen eine Hauptrolle beim Verständnis der skulpturalen Botschaft: Sie erheben sich regelmäßig über die Figur hinaus, als wollten sie sie anheben.

Es ist ein sehr wichtiges Werk auf dem Weg des Künstlers, da es die letzte Geburt von Rachele Bianchi ist. Ein wunderschönes patiniertes Gipsrelief, das dann 1994 aufgegriffen und in Marmor hergestellt wurde.

Sein Stil verhärtet sich, die Falten seiner Kleidung werden steif und klingenartig, aber anatomische Details tauchen auf – Arme, die Mäntel halten, Beine fest in den Boden gepflanzt – die zuvor verborgen blieben. Dies zeigt sich in Werken wie La donna rosa (um 1980)

Dieses Werk wirft, vielleicht mehr als andere, Fragen zur abgebildeten Frau auf. Eine Art labyrinthischer Faden der Ariadne windet sich um die röhrenförmige Bronzearbeit. Sie sind innere Wirbel, die die weiblichen Figuren entwickeln und aufregen lassen.
Welche Verflechtungen begleiten die Frau an der Schwelle zum neuen Jahrtausend? Will er sich zeigen, schützen oder aufgeben? Es ist kein Zufall, dass das Modell dieses Werks unter dem Namen Grande Symbiosis (jetzt ausgestellt im Columbus-Pflegeheim in Mailand und im Italienischen Kulturinstitut von Athen) zu anderen Zeiten vom Künstler nachgebildet wurde, sogar in monumentaler Form.

Die fünfziger Jahre sind durch eine sehr reiche grafische Produktion gekennzeichnet. Dabei handelt es sich vor allem um in verschiedenen Posen dargestellte weibliche Akte, die der Künstler nach eigenen Angaben nach dem Vorbild eines befreundeten Malers angefertigt hat. Dabei handelt es sich selten um echte Porträts: Die Gesichter dieser Frauen sind meist nur angedeutet, leere Ovale, wenn nicht aus dem Blattrand herausgeschnitten. Hier sitzt eine Frau, gesichtslos und ohne Schleier, die Hände zwischen den Schenkeln verschränkt.