Die Zeichnung Jovencita con lazo (1898) zeigt eine große Ähnlichkeit der formalen Herangehensweise und der kompositorischen Struktur in Bezug auf diese Skulptur, und dasselbe gilt für drei andere Zeichnungen von Gargallo, was vermuten lässt, dass es sich um einen weiblichen Archetypus der Jugend handeln könnte Jahre des Künstlers, ungeachtet der Tatsache, dass für die Skulptur von Miss Sureda in manchen Fällen Vorskizzen oder Studien möglich sind.

Nachdem er einige Teile (die Schleifen und Teile des Haares und die Enden der Schultern) zügig entfernt hatte, verwendete der Bildhauer diesen Abguss als Modell zum Gießen von Bronzen.

Ausgehend von der Steinskulptur Portrait of Picasso (1913) fertigte Gargallo einen Gipsabguss an, um das Modell zu erhalten, das es ihm später ermöglichte, Ausgaben dieser Maske in Terrakotta und Bronze, vielleicht das künstlerische Bild von Picasso, zusammen mit dem Original anzufertigen. , mehr reproduziert, sicherlich wegen der Synthese und der außergewöhnlichen Ausdruckswerte, die es zusammenbringt.

Dieses Stück ist eines der endgültigen Ergebnisse der Modifikationen, die Gargallo an der Büste seines Freundes Fernández de Soto (des liebenswerten Patas) vornahm, von der er zuerst die Hand trennte und die linke Schulter eliminierte, um sie schließlich in zwei verschiedene Skulpturen zu verwandeln , sobald der Kopf und die Hand der Figur getrennt wurden und der Rest der ursprünglichen Arbeit gelöscht wurde.

Ángel Fernández de Soto war Handelsvertreter, ein großer Kunstliebhaber, ein regelmäßiges Mitglied der Versammlung im Café Els Quatre Gats und Bruder des Bildhauers Mateu Fernández de Soto.

Hier reichen die Hand und natürlich die Pfeife, die sie hält, aus, um mit voller Sicherheit die vollständige Persönlichkeit des Mannes zu suggerieren, dem sie gehört.

Unter den sechs uns bekannten Negativmodellen Gargallos ist dies dasjenige mit der höchsten formalen Perfektion und ausgeprägteren Suggestionskraft.

Einzigartig expressiv und sogar expressionistisch durch die Torsion der anatomischen Formen, ist dies das einzige Beispiel für Hochreliefs, das nicht für architektonische Konstruktionen verwendet wird, und auch der einzige vollständig liegende Akt unter allen uns bekannten Gargallo-Produktionen. Es schließt den reduzierten Zyklus von Werken, die vertieft modelliert und in Bleiblech ausgeführt sind, und stellt eines der offensichtlich berüchtigtsten Beispiele für bestimmte umstrittene kubistische Resonanzen dar.

Bereits um 1900 fertigte Gargallo eine Tusche- und Aquarellzeichnung an, die eine ältere Frau darstellt, die in traditionelle aragonesische Bauernkleidung gekleidet ist und Krüge an der Hüfte und auf dem Kopf trägt, letzterer fast liegend.

Schließlich modellierte er diese Gruppe, mit der er offenbar zwei Epochen und Zustände des weiblichen Körpers darstellen wollte und über die er früher scherzte und behauptete, er habe die Frauen von Maella auf dem Weg zum Brunnen dargestellt, was den Zorn von provozierte den Frauen seiner Stadt, dass sie im täglichen Leben als viel zurückhaltender galten.

Kiki de Montparnasse (Alice Prin), eine berühmte Pariser Zeitgenosse von Gargallo, war in den Künstlerkreisen der damaligen Zeit sehr beliebt und eine regelmäßige Muse und Modell für verschiedene Künstler. Er hat nie für Pablo posiert, aber dennoch weihte er eines seiner paradigmatischsten Werke, diese in Bronze zu gießende konkave Maske (die erste und einzige seiner gesamten Produktion), in der er viele seiner neuesten Entdeckungen mit unübertroffener Meisterschaft anwendet und erstaunliche Effizienz, Ausdruckskraft und das bedeutendste und synthetische Mittel der Darstellung, das er in der Ausführung seiner Blechmasken erprobt und beherrscht hatte.

Pierrette Gargallo, seine Tochter und Gründerin des Museums, ein Mädchen zu dieser Zeit, fungierte als spontanes Modell für ihren Vater, um die Unterarme und Hände dieser ruhigen Figur zu modellieren, vielleicht thematisch verwandt, aufgrund der relativen Nähe oder des Zusammentreffens von Daten und wenn wir denken an die mögliche nähe des meeres, mit vier prachtvollen pastellzeichnungen.

In diesem außergewöhnlich archetypischen Werk vereint und synthetisiert Gargallo auf emblematische Weise fast alle seine expressiven und konzeptuellen Errungenschaften im Bereich der Darstellung von Volumen, Raum und Licht, die er während einer künstlerischen und vitalen Karriere erzielt hat, die sich absolut der Erforschung widmet von neuen Ressourcen und der Suche nach einer persönlichen und innovativen Sprache bis hin zur Lösung der berüchtigtsten formalen Aspekte durch die Verwendung von Zeichenmarkern, die aus der Arbeit der dicken Eisenplatten stammen, die er in den letzten Jahren seines Lebens verwendete.

Marc Chagall (1887-1985), ein in Paris lebender russischer Maler, war ein Freund von Gargallo, der ihn hier als Hommage oder persönliches Geschenk mit einer Art doppelter Symbolik darstellen wollte, wobei er einerseits auf die außergewöhnliche Symbiose anspielte zwischen dem Maler und seiner Frau, ideal dargestellt durch jene Frauenfigur, die Chagall durch den Kopf zu gehen scheint - der nie aufhörte, an seine Frau zu denken und sie deshalb immer in seinem Kopf trug.

Gargallo versammelt hier einen guten Teil seiner bedeutendsten früheren Errungenschaften in Bezug auf Ausdruckskonzepte und plastische Sprache, das Ergebnis der Forschung, die er sein ganzes Leben lang auf dem Gebiet der beiden charakteristischen Tendenzen seiner Arbeit durchgeführt hat, vielleicht als Beweis dafür Die gesamte Kunst der Vergangenheit kann mit neuen, respektvollen, aber entmystifizierenden Augen gesehen werden, indem sie seine eigene persönliche Repräsentationsfähigkeit, die Ideologie und Gefühle des historischen Moments des Autors zum historischen Erbe beiträgt, wie es Gargallo wollte.

Die auf der Kruppe des Pferdes liegende kleine männliche Figur ist prunkvoll und variantenreich dargestellt, so dass die Haarlocken auf die Antike verweisen, der linke Arm und das rechte Bein nach klassischer Figuration dargestellt sind, der rechte Unterarm und der Bauch ist negativ modelliert und verkörpert im Kopf, im Unterleib und im linken Bein die totale Leere, die auch mit durchschlagender Wirkung in den Körper implantiert wird.

Dies ist Gargallos Skulptur, in der die formale Synthese und die Tendenz zum Geometrischen deutlicher werden, insbesondere in Bezug auf die Flachheit der Gliedmaßen und des Körpers des jubelnden Musikers, der mit außergewöhnlicher Anmut tanzt und seine unübertroffene Lebensfreude zum Ausdruck bringt.

In diesem Stück, ohne sein solides Konzept der menschlichen Figur aufzugeben, sondern es auf absolut innovative und synthetische Weise zu behandeln, macht Gargallos Werk einen grundlegenden Schritt vorwärts in Richtung vielleicht transzendentaler Ziele, für deren Erreichung er leider keine Zeit hatte.

Als Kuriosität gibt es zwei Exemplare aus Gusseisen mit drei Saiten auf der Leier, weil der erste David sie ursprünglich aus Schmiedeeisen als Modell verwendet hatte. Aber dann beschloss Gargallo selbst, diese Saiten aus dem Originalmodell zu entfernen.

Um die weiblichen Akte zu modellieren, die er in den letzten zwei Jahren seines Lebens gemacht hat, hatte Gargallo die Zusammenarbeit mit einem Modell nordischer Herkunft. Das erklärt, warum die allgemeinen anatomischen Merkmale, die Körperstruktur, der unmittelbarste materielle Aspekt der Körper weniger expressiv oder opulent, weniger sinnlich und letztlich weniger mediterran sind als in anderen früheren Akten, die sich der Realität des Körpers nicht vollständig entziehen konnten seines Modells.