Prato, case, colline è un paesaggio costruito attraverso l'uso sapiente del colore disposto con piccole e calibrate pennellate in senso verticale, come a comporre le tessere di un mosaico. Questo modo di procedere è tipico delle opere del 1966 e denota il proposito di evitare ogni approssimazione impressionistica affidando all’immagine una struttura. In questa lucida razionalità dell’impianto, l’emozione non è fermata, ma è espressa. Il pittore ha bisogno di lasciar decantare l’immagine per impostarla chiaramente con una dominata elaborazione formale e costruttiva. Il paesaggio è costruito, come altri dipinti di questo periodo, secondo un andamento orizzontale, lungo bande policrome astratteggianti. Il colore è il protagonista dell'opera, ma come sostiene Guido Ballo, "il colore, in Zanella, non è mai sensuale: è come filtrato dall’intelletto”. Predomina il verde in tutte le sue varianti e sfumature, intervallato da macchie di bruni, rossi, viola e blu. Non c’è separazione tra il cielo, la terra, le case, ma tutto è compenetrato in un’unica luce che ammorbidisce l'intero paesaggio; i colori vibrano l'uno nel riflesso dell'altro creando un senso di vivace armonia. Zanella rivolge l’attenzione al mondo illuminato dalla luce e con il colore e le sue vibrazioni rende l'atmosfera e la luce stessa dell'aria, dissolvendo la consistenza degli oggetti e i contorni delle cose, il paesaggio diventa così un unico fluire di luce e colore, vera essenza del reale. L’orchestrazione cromatica segue ritmi solo interni, sciogliendo in essi la suggestione dell’impressione naturale. Il dipinto è caratterizzato da un linguaggio astratto e informale rientrante nel naturalismo lombardo con accenti di espressionismo astratto. Silvio Zanella, oltre che pittore, fu tra i fondatori del Premio Gallarate nel 1949 e il fondatore e primo direttore della Civica Galleria d'Arte Moderna di Gallarate dal 1966 al 1998.

Un paesaggio da lontano è l’installazione che Massimo Bartolini ha presentato al museo MAGA all’interno del progetto “Twister. Rete musei Lombardia per l’arte contemporanea”. Il progetto, del 2009, che ha visto coinvolte le principali istituzioni museali della Lombardia, aveva il duplice obiettivo di accrescerne le collezioni attraverso l’acquisizione di un ‘opera e promuovere un intervento site-specific che andasse a modificare in modo permanente i luoghi circostanti i musei. Così è stato anche per l’opera di Bartolini, che ha lavorato sulla soglia e il confine tra spazio pubblico e spazio del museo, luogo che a sua volta è, per sua natura, sia pubblico sia privato. Da sempre interessato a modificare il luogo in cui opera o a ricostruirlo, Bartolini interviene - come afferma Laura Cherubini – “celando e sublimando gli sforzi della progettazione e della preparazione”. Infatti, a fronte di uno studio spesso complesso e che arriva ad interessare ambiti disciplinari diversi, i suoi interventi artistici spesso si traducono in oggetti estremamente leggeri e delicati. Le sue installazioni diventano luoghi contemplativi, di sospensione, di passaggio e rivelazione. Un paesaggio da lontano si inserisce nell’ambiente confondendosi: le aste prolungate della cancellata, soluzione semplice ma efficacissima, ricordano i boschi di pioppi delle pianure, evanescenti perché avvolti nella nebbia, con i contorni che si fondono con il cielo e col terreno come la figura dell’axis mundi. La modalità relazionale che Bartolini innesca è multipla: egli esplora i territori e lascia un segno leggerissimo che collega cielo e terra, spazi differenti, uomo e paesaggio, come afferma lo stesso artista parlando della genesi dell’opera: “Mi premevano le relazioni paesaggistiche, di conseguenza anche il pubblico, anche le persone, sono paesaggio”.

Composizione di Enrico Prampolini è un dipinto particolarmente significativo, utile a descrivere il percorso dell’artista modenese e documentare l’ambiente culturale (quello della Milano nel secondo dopoguerra) in cui il lavoro è nato. Il dipinto infatti, come composizione astratto-concreta, esprime una serie di valori legati ai rapporti cromatici e formali, rotti dall’insistenza di un elemento segnico, più fluido e dinamico. L’opera, come ebbe a scrivere lo stesso Gillo Dorfles in occasione della VI Quadriennale di Roma nel 1955, “ricerca quindi forme mutevoli e varie ma in continua e progressiva metamorfosi, da un lato; dall’altro ricerca d’una realizzazione dei valori timbrici attraverso lo studio e l’impiego di materiali pittorici appropriati”. La pittura di Prampolini, in questa fase della sua attività si lega alle formulazioni astrattiste espresse sin dagli anni trenta da gruppi come “Cercle et Carré” e il più importante “Abstraction Création” a cui lo stesso artista aderì sin dal 1930.Dal 1948 in poi, recuperando le ricerche precedenti agli anni della guerra, entra in contatto con l’ambiente concretista milanese, arrivando fino all’adesione al MAC. L’opera di Prampolini però affonda le sue radici nei decenni precedenti, avendo l’artista frequentato l’ambiente futurista romano sin dal 1913. Il pittore risulta poi fondamentale per la teorizzazione, dopo la prima guerra mondiale, del Secondo futurismo attraverso la pubblicazione di diversi manifesti, tra cui ricordiamo L’atmosfera scenica futurista (1924) in relazione alla prolifica attività di scenografo che l’artista sviluppò costantemente durante tutta la sua vita. Legata al Secondo futurismo anche Ballerina in movimento, opera del 1935, in comodato presso il museo all’interno della Collezione Ferrazzi.

I fratelli Joe e Gianni Colombo sono tra i creativi a cui maggiormente dobbiamo lo sviluppo, tutto italiano, del pensiero sullo spazio e sulle sue funzioni vitali. Durante tutta la loro attività, e in maniera definitiva nel periodo del boom industriale degli anni sessanta, Joe ha pensato a un design che rivoluzionerà mondialmente il pensiero della forma applicata all’abitare, mentre Gianni si è interrogato sulle implicazioni che le capacità di sentire e vedere hanno con la vita psichica dell’uomo; una ricerca condotta non sulla via inesatta di sentimenti e narrazioni, ma su quella della meccanica delle percezioni, di come esse, provate da particolari condizioni di spazio e di luce, scatenino risposte intellettive ed emozionali particolari e rivelatrici. Così Gianni Colombo dedicherà vasta parte della sua produzione alla realizzazione di ambienti nei quali mettersi alla prova alterando la nostra percezione dell’orizzontalità o verticalità, dati semplici del nostro equilibrio percettivo: “Si tratta un po’ di una rappresentazione, di una messa in scena di noi stessi che facciamo agire il nostro stato percettivo come soggetto stesso del lavoro”, è il suggerimento dell’artista. Quindi, entrate e portatevi avanti, all’interno del cubo tracciato dalla luce. Provate a sostare misurando con gli occhi lo spazio intorno a voi. Quando siete perfettamente immersi nel buio, il vostro sguardo si affida agli unici riferimenti visibili, ma essi oscillano. Verificate nel buio dove sono le pareti. Cosa elabora via via la vostra mente? L’opera è composta da pochissimi elementi, la luce o la sua assenza, le linee ortogonali. L’esperienza in atto, in nostro modo di elaborarla psichicamente e il nostro comportamento sono il vero soggetto dell’opera. Lo spazio è stato ricostruito utilizzando il motore originale del lavoro, montato dall’artista stesso nel 1976 presso la sede storica del museo. Il primo di questi spazi viene realizzato nel 1967, a Graz, ecco perché l’opera porta una data complessa: la prima è del progetto, la seconda della realizzazione.