Il rilievo raffigura il dio Mitra, vestito di tunica legata in vita, mantello, brache e cappello frigio, nell’atto di trafiggere un toro con un pugnale, mentre un cane, uno scorpione e un serpente si avventano sull’animale morente. L’uccisione del toro rappresenta l’origine dell’universo così come l’allusione alle costellazioni del Toro e dello Scorpione rimanda al ciclico rinnovarsi della vita. Il  culto ebbe notevole fortuna presso i Romani.

L’opera raffigura Artemide mentre avanza a larghi passi. La dea è vestita con un lungo chitone e un mantello che scende in righe pieghe a zig-zag, mentre sul dorso è possibile vedere la faretra. Il volto presenta un rigido "sorriso arcaico" e la capigliatura è lavorata in riccioli, sormontati da un diadema.

La testa, in gesso, è un calco dell’analoga scultura del Museo Archeologico Nazionale di Napoli.

Si tratta di un’opera romana di ispirazione arcaica, ritenuta una replica da un originale greco in bronzo, oppure una creazione arcaizzante.

Questa scultura, che rappresenta Kore – Persefone, fa parte di un gruppo di statuette greche, datate tra la fine del V e gli inizi del IV secolo a.C., che costituivano i pezzi più illustri della collezione di Giovanni Grimani.

La dea indossa una veste a pieghe sottili e un mantello che scende dalla spalla sinistra per avvolgersi attorno ai fianchi in morbidi drappeggi. Lo stile del panneggio leggero ed elegante ha suggerito agli studiosi che l'anonimo autore di quest'opera si sia ispirato all'arte di Fidia. Alcuni dettagli sono degni di nota: i piccoli fori visibili tra le ciocche dei capelli e ai lobi delle orecchie dovuti alla presenza di un diadema e di orecchini di metallo, oggi perduti; la frattura ricomposta sul collo con la testa tuttavia originale e l'assenza degli avambracci. Quest'ultimi erano stati aggiunti, in occasione di un restauro di età rinascimentale per completare la statua frammentaria, insieme ad una cornucopia da cui fuoriuscivano fiori e frutta. Tali integrazioni, poi tolte negli anni '20 del secolo scorso, nacquero da una errata interpretazione del soggetto dell’opera: la figura femminile della dea Persefone fu trasformata nella dea romana dell’Abbondanza, forse prendendo spunto dalle immagini sulle monete imperiali romane. L’errata interpretazione ha quindi dato origine al nome con cui comunemente, ancora oggi, ci si riferisce alla statuetta.

La testa è una replica di età romana di una creazione dello scultore Kresilas, attivo nella metà del V secolo a.C. e nota attraverso le copie romane denominate “tipo Velletri”. Nel XVI secolo la testa fu restaurata e integrata con un busto, dotato di corazza e su cui spicca la testa di Medusa, secondo l’iconografia tradizionale della dea Atena.

Quest’opera deriva il suo nome dalla forma, che ricorda quella di un altare. In realtà, si tratta di una base, sulla quale in origine era collocata una statua, come suggeriscono i fori sul piano superiore, destinati ad ancorare la scultura. Sul lato frontale sono scolpite le figure di due Satiri e una Menade: un primo Satiro è sdraiato su una roccia coperta da una pelle di animale con in mano una coppa di vino; l’altro Satiro e la Menade sono protesi l’uno verso l’altra. Sui lati corti dell’Ara Grimani: a sinistra una Menade suona la lira, accompagnata da un Satiro vestito solamente con una pelle di cerbiatto o capretto; a destra un Satiro e una Menade sono colti nell’atto di baciarsi. Sull’altro lato lungo dell’Ara Grimani: un Satiro è sdraiato su una pelle di leone con una coppa e il tirso, il bastone sacro di Dioniso, mentre una Menade suona un antico strumento a corda, il trigono, simile all’arpa di oggi. Particolarmente notevole è la decorazione dell'alto zoccolo e del coronamento sulla parte superiore dell'Ara Grimani: essi sono ornati con una serie di cornici scolpite con raffinati motivi vegetali e geometrici. Lo stile delle figure dell’Ara Grimani, che si ispirano a modelli dell’arte ellenistica, e gli elegantissimi motivi decorativi dello zoccolo e del coronamento, rientrano negli schemi tipici delle officine di Roma dell’età augustea.

Il bronzetto, rinvenuto nel 1963 nella laguna di Venezia, raffigura Poseidone, dio greco delle acque e delle tempeste che i Romani identificavano con Nettuno. Il dio è rappresentato a riposo, con una gamba sollevata sopra un delfino mentre il braccio destro è appoggiato sulla gamba e il braccio sinistro alzato reggeva il tridente. L’opera di produzione romana e databile al I secolo d.C., riprende lo schema iconografico del “tipo del Laterano” , ispirato a un modello del IV secolo a.C. di Lisippo.

Questo busto maschile rinvenuto a Roma nel 1505 suscitò immediatamente l’interesse degli appassionati di antichità che lo identificarono con l’imperatore Vitellio. Si tratta, in realtà, dell’immagine di uno sconosciuto, i cui tratti del viso sono resi in modo realistico: sopracciglia folte, naso prominente, labbra sottili, guance paffute e doppio mento. Alcune caratteristiche tecniche come la forma del busto, oggi mancante in parte, la capigliatura e l’incisione delle pupille degli occhi, hanno indotto gli studiosi a datare l’opera all’età adrianea, tra il 120 e il 140 d.C.

Il ritratto di Vitellio fu donato allo Stato veneziano da Domenico Grimani con il testamento del 1523 e fu esposto a Palazzo Ducale assieme ad altre sculture in una stanza che prese quindi il nome di “Sala delle Teste”. Questa prestigiosa collocazione contribuì alla fortuna dell’opera, consentendo a numerosi artisti di studiarla e di ispirarsi a essa: schizzi e disegni di Tintoretto e Jacopo Palma il Giovane, per esempio, confermano l'intenso studio di cui fu oggetto; dipinti che ne riprendono le sembianze, attribuendole a personaggi con nomi diversi, ne provano la fama straordinaria. Si veda a questo proposito il Convito in casa di Levi, dipinto da Paolo Veronese nel 1573 per il refettorio del convento dei SS. Giovanni e Paolo a Venezia, oggi alle Gallerie dell’Accademia. Infine, si ha notizia di numerose riproduzioni del busto di Vitellio della Collezione Grimani realizzate in epoche diverse e materiali differenti, come la copia in bronzo, appartenente alla collezione di Giacomo Contarini, altro importante dotto patrizio nella Venezia del Rinascimento, esposta nel Museo nella stessa sala.

I due rilievi rappresentano una coppia di putti che reggono la falce e lo scettro di Saturno. Originariamente facevano parte di un ciclo decorativo che comprendeva coppie di putti, vestiti di un solo mantello svolazzante, che portano le insegne dei dodici dei accanto ai rispettivi troni vuoti, in un ambiente interno reso con pochi elementi architettonici di sfondo. Si tratta di un notevole esempio di arte romana di età giulio-claudia (27.a.C. - 68 d.C.) protagonista a Venezia di una particolare vicenda di reimpiego e collezionismo. Provenienti dalla chiesa di San Vitale a Ravenna i due rilievi risultano presenti a Venezia già nella prima metà del Trecento. Nel 1335 un collezionista di Treviso, Oliviero Forzetta, scriveva in una nota che desiderava acquistare queste lastre con i putti per la sua raccolta d’arte: è questa la prima testimonianza che conosciamo nel Veneto di una collezione di sculture antiche. I putti vennero poi, nuovamente segnalati a Venezia nel 1532 da Marin Sanudo, che li vide inseriti nel muro di un palazzo nei pressi di piazza San Marco. Cinquant’anni più tardi, Francesco Sansovino nella sua guida di Venezia del 1581 registrava la presenza delle lastre con i putti all’interno della chiesa di Santa Maria dei Miracoli, dove rimasero fino al 1811. In quell’anno, le lastre furono trasportate allo "Statuario Pubblico" per interessamento dello scultore Antonio Canova e di Jacopo Morelli, bibliotecario della Libreria Marciana, da cui il museo dipendeva.

I due rilievi rappresentano una coppia di putti che reggono la falce e lo scettro di Saturno. Originariamente facevano parte di un ciclo decorativo che comprendeva coppie di putti, vestiti di un solo mantello svolazzante, che portano le insegne dei dodici dei accanto ai rispettivi troni vuoti, in un ambiente interno reso con pochi elementi architettonici di sfondo. Si tratta di un notevole esempio di arte romana di età giulio-claudia (27.a.C. - 68 d.C.) protagonista a Venezia di una particolare vicenda di reimpiego e collezionismo. Provenienti dalla chiesa di San Vitale a Ravenna i due rilievi risultano presenti a Venezia già nella prima metà del Trecento. Nel 1335 un collezionista di Treviso, Oliviero Forzetta, scriveva in una nota che desiderava acquistare queste lastre con i putti per la sua raccolta d’arte: è questa la prima testimonianza che conosciamo nel Veneto di una collezione di sculture antiche. I putti vennero poi, nuovamente segnalati a Venezia nel 1532 da Marin Sanudo, che li vide inseriti nel muro di un palazzo nei pressi di piazza San Marco. Cinquant’anni più tardi, Francesco Sansovino nella sua guida di Venezia del 1581 registrava la presenza delle lastre con i putti all’interno della chiesa di Santa Maria dei Miracoli, dove rimasero fino al 1811. In quell’anno, le lastre furono trasportate allo "Statuario Pubblico" per interessamento dello scultore Antonio Canova e di Jacopo Morelli, bibliotecario della Libreria Marciana, da cui il museo dipendeva.

Il rilievo, provienente da Roma, costituiva la copertura di un loculo. 
La narrazione si divide in quattro momenti: una donna su un carro trainato da due buoi condotti da due bambini; la stessa donna solleva due fiaccole davanti a un tempio mentre i suoi bambini sono a terra, apparentemente addormentati; i due bambini con una figura femminile, in piedi su un carro trainato da cavalli; i due bambini che abbracciano la donna delle prime due scene.

Questa rappresentazione è stata interpretata come il mito di Cleobis e Biton, raccontato dallo storico Erodoto: i due giovani, figli della sacerdotessa di Era, Cidippe, aiutarono la madre a raggiungere il tempio trascinando il suo carro. La madre chiese a Era di ricompensare i figli con il premio più grande che potesse essere dato a un mortale, così i giovani sprofondarono nel sonno e morirono: la morte, infatti, era considerata preferibile alla vita. Il mito è stato qui riadattato all’identità delle persone a cui apparteneva la tomba: forse due fratelli, morti bambini, cui la madre dedicò il monumento.

La statua priva di iscrizioni, rappresenta il defunto in posizione accovacciata con le braccia incrociate sulle ginocchia e la barba rituale al mento. Riprende il modello tipico della statua cubo entrato in uso con funzione funeraria nel Medio Regno.

Frammento di rilievo assiro con teorie di guerrieri su due registri orizzontali. Su  quello superiore si vedono due fanti armati, uno dei quali eleva la testa recisa di un nemico, dietro a un carro che probabilmente trasporta un bottino di guerra; mentre quello inferiore mostra due cavalieri al galoppo. Il frammento è datato all’età di Sennacherib e fu donato dall’archeologo sir Austen Henry Layard.