Pour les érudits, cette œuvre est un exemple des expérimentations de Léonard sur le thème du soi-disant portrait d'épaule, avec la vue de dos et le visage tourné vers l'observateur, résultat des enseignements du maître de Léonard, Andrea del Verrocchio, sur comment représenter une figure en mouvement, en la prenant de différents points de vue. Datant des années 1483-1485 environ, il s'agit probablement d'une étude préparatoire à l'Ange de la Vierge aux Rochers, œuvre picturale dont la première version est conservée au Louvre à Paris, la seconde à la National Gallery de Londres. Le dessin a également été identifié à Cecilia Gallerani, la jeune femme aimée de Ludovico Sforza et représentée dans le tableau conservé à Cracovie, La Dame à l'hermine. En 1952, à l'occasion du cinquième centenaire de la naissance de Léonard, l'historien de l'art américain Bernard Berenson qualifie le portrait de plus beau dessin du monde.

Bien qu'il s'agisse vraisemblablement d'une étude d'un personnage datant des années milanaises de Léonard (vers 1490), ce dessin est universellement reconnu comme un autoportrait de Léonard de Vinci, presque l'icône symbolique de l'artiste de la Renaissance, expression de son génie et de son talent appliqué aux domaines de connaissance les plus divers. Les traits essentiels du visage de Léonard, en particulier sa barbe et ses cheveux longs, sont également attestés par des sources iconographiques et écrites. Le dessin était inconnu jusqu'au début du XIXe siècle, date à laquelle il a été reproduit pour la première fois dans un volume consacré à la Cène à Milan et identifié comme un "autoportrait". Selon des études récentes il s'agirait d'une œuvre réalisée par le maître aujourd'hui soixantenaire, peu avant ou peu après son départ pour la France (Château d'Amboise), où il mourut en 1519.

Le dessin a été identifié comme une étude préparatoire pour la figure de la Sibylle de Cumes dans la voûte de la Chapelle Sixtine, le grand chef-d'œuvre créé par Michel-Ange entre 1508 et 1512. Il s'agit sans aucun doute d'une étude d'après nature par un modèle masculin, dont Michel-Ange l'a utilisé pour élaborer le dynamisme et la forme expressive du visage. Au passage à la fresque, il ne restait plus qu'à ajouter la coiffe enturbannée qui couronne la Sibylle dans la fresque de la chapelle vaticane. La feuille, chef-d'œuvre graphique de la Renaissance, est un témoignage très important de la méthode de travail de l'artiste, qui a utilisé le dessin comme moyen d'atteindre les objectifs artistiques qu'il se proposait.

Le dessin est probablement un travail préparatoire pour un détail du Baptême du Christ peint à fresque par le Pérugin dans la chapelle Sixtine entre 1481 et 1482 commandé par le pape Sixte IV. Le dessin, composé d'un jeune homme nu au premier plan à côté d'un vieil homme à l'arrière-plan avec de lourdes robes et coiffes orientales, présente peu de variations par rapport à la version peinte. L'artiste, dans l'atelier duquel le jeune Raphaël a été formé, manifeste une conception de l'espace basée sur un équilibre compositionnel extrême, issu de l'assimilation de la poétique de Piero della Francesca, mais aussi de la fréquentation de l'atelier de Verrocchio à Florence. La qualité indéniable du trait exprime une sensibilité encore pleinement XVe siècle.

"Il a enrichi l'art de la peinture de toute cette perfection que les figures d'Apelles et de Zeusi avaient dans l'Antiquité": par ces mots Vasari consacre Raphaël au sommet de l'art de la Renaissance pour une inventivité et une grâce naturaliste, égales à celles des anciens. La conception a été attribuée à la première période, encore marquée par l'influence du Pérugin, son premier véritable professeur, et montre un grand raffinement exécutif dans les pièces de la tête et des mains. La feuille représente un jeune homme assis, habillé à la mode de l'époque tout en jouant du luth, probablement un ange musicien destiné à faire partie d'une composition à sujet sacré. Il s'agit sans doute d'un dessin préparatoire même si la figure du jeune homme n'a été associée à aucune œuvre picturale de Raphaël. L'artiste d'Urbino était l'un des plus grands et des plus prolifiques designers de l'époque : plus de 400 dessins de lui ont survécu et de nombreux autres ont été perdus au cours des siècles.

Le volume, probablement constitué au début du XVIIe siècle, contient soixante-quinze planches concernant presque exclusivement des animaux marins, d'eau douce ou côtiers méditerranéens : Poissons, Reptiles, Mammifères, Crustacés, Mollusques et Échinodermes. Les organismes représentés, parfois plus d'un par panneau, avec de rares répétitions, sont très nombreux et les grands dessins sont réalisés à la détrempe sur un carton découpé et collé sur les feuilles de l'album. Les dessins tendent à reproduire les dimensions originales des espèces pour lesquelles les feuilles ont dans de nombreux cas été pliées plusieurs fois sur elles-mêmes pour réduire leur largeur excessive (jusqu'à plus de 3 mètres). La qualité artistique est généralement bonne, même si les concepteurs, probablement plus d'un, n'ont souvent pas signalé d'importants détails anatomiques ou chromatiques, utiles à une certaine identification de l'espèce. Les ittionimi utilisés sont majoritairement niçois, souvent accompagnés de noms portugais, en partie encore valables aujourd'hui. A l'exception de deux figures, représentant un "poisson" fantasmé et une lotte inexistante, toutes les illustrations font référence à des espèces existantes. Les raisons de la création de ce volume ne sont pas claires, auxquelles manquent de nombreuses espèces banales de poissons, mollusques et crustacés du centre-nord de la Méditerranée, tandis que les dessins du crocodile du Nil et de l'Uromastice font référence au-delà de tout doute raisonnable , aux spécimens présents dans les collections ducales d'animaux vivants. L'œuvre était très probablement présente dans la bibliothèque de la Grande Galerie du Duc Carlo Emanuele Ier de Savoie, d'après l'inventaire de 1659.

Le volume, probablement constitué au début du XVIIe siècle, contient soixante-quinze planches concernant presque exclusivement des animaux marins, d'eau douce ou côtiers méditerranéens : Poissons, Reptiles, Mammifères, Crustacés, Mollusques et Échinodermes. Les organismes représentés, parfois plus d'un par panneau, avec de rares répétitions, sont très nombreux et les grands dessins sont réalisés à la détrempe sur un carton découpé et collé sur les feuilles de l'album. Les dessins tendent à reproduire les dimensions originales des espèces pour lesquelles les feuilles ont dans de nombreux cas été pliées plusieurs fois sur elles-mêmes pour réduire leur largeur excessive (jusqu'à plus de 3 mètres). La qualité artistique est généralement bonne, même si les concepteurs, probablement plus d'un, n'ont souvent pas signalé d'importants détails anatomiques ou chromatiques, utiles à une certaine identification de l'espèce. Les ittionimi utilisés sont majoritairement niçois, souvent accompagnés de noms portugais, en partie encore valables aujourd'hui. A l'exception de deux figures, représentant un "poisson" fantasmé et une lotte inexistante, toutes les illustrations font référence à des espèces existantes. Les raisons de la création de ce volume ne sont pas claires, auxquelles manquent de nombreuses espèces banales de poissons, mollusques et crustacés du centre-nord de la Méditerranée, tandis que les dessins du crocodile du Nil et de l'Uromastice font référence au-delà de tout doute raisonnable , aux spécimens présents dans les collections ducales d'animaux vivants. L'œuvre était très probablement présente dans la bibliothèque de la Grande Galerie du Duc Carlo Emanuele Ier de Savoie, d'après l'inventaire de 1659.

Le volume, probablement constitué au début du XVIIe siècle, contient soixante-quinze tableaux concernant presque exclusivement des animaux marins, d'eau douce ou côtiers méditerranéens : Poissons, Reptiles, Mammifères, Crustacés, Mollusques et Échinodermes. Les organismes représentés, parfois plus d'un par panneau, avec de rares répétitions, sont très nombreux et les grands dessins sont réalisés à la détrempe sur un carton découpé et collé sur les feuilles de l'album. Les dessins tendent à reproduire les dimensions originales des espèces pour lesquelles les feuilles ont dans de nombreux cas été pliées plusieurs fois sur elles-mêmes pour réduire leur largeur excessive (jusqu'à plus de 3 mètres). La qualité artistique est généralement bonne, même si les concepteurs, probablement plus d'un, n'ont souvent pas signalé d'importants détails anatomiques ou chromatiques, utiles à une certaine identification de l'espèce. Les ittionimi utilisés sont majoritairement niçois, souvent accompagnés de noms portugais, en partie encore valables aujourd'hui. A l'exception de deux figures, représentant un "poisson" fantasmé et une lotte inexistante, toutes les illustrations font référence à des espèces existantes. Les raisons de la création de ce volume ne sont pas claires, auxquelles manquent de nombreuses espèces banales de poissons, mollusques et crustacés du centre-nord de la Méditerranée, tandis que les dessins du crocodile du Nil et de l'Uromastice font référence au-delà de tout doute raisonnable , aux spécimens présents dans les collections ducales d'animaux vivants. L'œuvre était très probablement présente dans la bibliothèque de la Grande Galerie du Duc Carlo Emanuele Ier de Savoie, d'après l'inventaire de 1659.

Le volume, d'un auteur anonyme, se classe parmi les exemples les plus intéressants et les plus significatifs de l'art plumarien de la période XVIe-XVIIe siècle : l'album contient dix-huit figures anonymes appartenant pour la plupart à des espèces locales, regroupées en seize planches. Les oiseaux sont constitués de plumes collées sur un gabarit en papier appliqué sur un fond de satin de soie de différentes nuances, de manière à faire ressortir au mieux les couleurs de la livrée du spécimen. Malheureusement, l'état de conservation de la plupart des spécimens est très précaire en raison de l'action ancienne des papillons de nuit et des organismes corrosifs qui ont abîmé voire enlevé la plupart des plumes. La reproduction des spécimens est généralement très fidèle tant dans la forme et la taille du corps, que dans la disposition des plumes et dans l'attitude caractéristique de l'animal. Contrairement à d'autres compositions contemporaines, où le bec et les membres sont les parties originales traitées de manière adéquate pour pouvoir les appliquer sur la feuille sans épaisseur excessive, les oiseaux représentés dans ce volume ont les membres, le bec et les yeux peints à la détrempe. La disposition actuelle des oiseaux sur un fond de satin de soie du XVIIIe siècle suggère que l'album a été remonté et restauré après 1766 et re-relié, en réutilisant probablement l'ancienne reliure marocaine rouge foncé aux armes ducales. L'œuvre était très probablement présente dans la bibliothèque de la Grande Galerie du duc Carlo Emanuele I sur la base de l'inventaire de 1659.

L'album est un recueil de cinquante-deux dessins, probablement constitué au début du XVIIe siècle. Les tableaux se caractérisent par une grande hétérogénéité en termes de précision scientifique et de qualité du trait et sont attribuables à des concepteurs différents : généralement chaque tableau montre l'image d'une seule plante et il y a de rares répétitions du même sujet ; les dessins ont tendance à reproduire la taille originale de l'espèce et sont donc souvent de grande taille. Les tables peuvent être rassemblées en trois groupes liés à des temps d'exécution différents. Le premier groupe, plus ancien, rassemble de petits dessins, précis mais de qualité picturale modeste, qui représentent des plantes entières, comme des cyclamens ou deux petites fougères. Les dessins sont réalisés sur un carton découpé de temps en temps de tailles différentes, selon le sujet, puis collés sur les feuilles de l'album. Le deuxième groupe représente de nombreuses plantes bulbeuses, particulièrement appréciées des collectionneurs de l'époque, comme les narcisses sauvages ou en variétés cultivées, les asphodèles, le muguet, le lys martagon, le lys de Saint-Jean et certaines espèces d'orchidées. Dans ces tableaux les espèces sont presque toujours représentées sur papier bleu, avec une grande attention à la forme des feuilles et des fleurs mais aussi des organes souterrains, avec une précision scientifique remarquable pour l'époque. Le troisième groupe contient des dessins de grande taille et d'une valeur artistique et scientifique considérable qui représentent principalement des plantes exotiques, telles que des tournesols, Fritillaria imperialis ou Canna indica ou des espèces indigènes d'intérêt ornemental ou médicinal - la graine de ricin par exemple -, qui ont été représentées à plusieurs reprises dans les Herbes peintes de l'époque comme dans celle du naturaliste bolognais Ulisse Aldrovandi. L'œuvre était très probablement présente dans la Grande Galerie de Carlo Emanuele I, basée sur l'Inventaire de Torrini (1659).