Hay momentos que pueden ser inmortalizados en la eternidad y transformados en infinito; innumerables escenarios de un día, ambientados en cualquier lugar o en ningún lugar. Estar ahí en ese instante, en ese siempre. Escuchar, ver y sobre todo "oír", recordar y abstraer a la vez: un soplo de viento, el susurro de las hojas, el romper de las olas, el soplo del bosque.

La tinta china se desliza sobre la pintura al óleo, se mezcla con ella, crea sugerencias y se desvanece. Tempera define y perfecciona este diálogo inmerso en un ambiente fluido.

La exposición personal de Kazuto Takegami en Manifiesto Blanco se estructura en un itinerario expositivo articulado que incluye cerca de 10 obras inéditas montadas en la pared, compuestas principalmente en dípticos y realizadas en óleo, témpera y tinta china, la técnica mixta que más caracteriza las obras sobre lienzo. El vidrio que da a via Benedetto Marcello está configurado, para la ocasión, en forma de un tradicional shoji japonés, decorado con dibujos en tinta china y pigmentos naturales. Finalmente, unos dibujos a tinta sobre papel completan la muestra. Para la ocasión, la galería se convierte así en un espacio fluctuante y cambiante, poblado de paisajes marinos y tramas selváticas, que envuelven los sentidos y acompañan al visitante dentro de los dulces y melancólicos escenarios de breves instantes eternizados por el arte pictórico de Takegami.

Después de graduarse de la Universidad de Arte Musashino en Tokio, Kazuto Takegami trabaja como profesor de arte durante algunos años. En ese momento decidió dedicar su vida a la pintura. En 1998 llega a Italia gracias a una beca en la Academia de Bellas Artes de Brera en Milán, ciudad donde vive y trabaja. Es en el contexto italiano y europeo que perfecciona la pintura al óleo, que tanto ama. La distancia con Japón también le permite redescubrir sus orígenes, llevándolo a profundizar en algunas técnicas tradicionales como la pintura con tinta china. Cuenta con numerosas exposiciones individuales y colectivas, especialmente en Italia, así como en Europa y Japón.

Palabra al artista: Kazuto Takegami

Notas explicativas de la exposición

La exposición está formada por elementos en diálogo entre sí , en una atmósfera de tiempo suspendido…

En primer lugar hay dos secciones: la primera, vertical , está dedicada a los árboles y en particular a las ramas y sus formas que me crean sugerencias particulares. La segunda, horizontal , es una oda al mar ya la mirada que se pierde más allá del horizonte. Los árboles y el océano nos ayudan a comprender cuán sagrados son nuestros espacios vitales y a pensar en la maravilla y el asombro en la simplicidad: son eternos, pero cambiantes y complejos, y me siento muy cerca de ellos.

Siempre me ha gustado mucho la forma del díptico que, simbolizando dos partes de una misma historia, permite centrar la atención tanto en el conjunto como en cada lienzo individual que compone la obra. Se crea un diálogo entre los dos elementos y, aunque parezcan separados, representan un todo, complementándose entre sí.

La noticia del reciente conflicto en Ucrania sugirió un significado adicional a la forma del díptico: el de un mundo donde las diferencias pueden valorarse pero también coexistir armoniosamente. La separación de los dos lienzos no es pues una división, sino una línea, casi una cicatriz, que me gustaría coser para disfrutar de la belleza de la unión de las dos partes.

En la mayoría de las obras expuestas he insertado algunos elementos humanos en los paisajes. Casi siempre son figuras de espaldas, que representan a "uno de nosotros en ese momento". Me interesa capturar ese instante dentro de una dimensión atemporal.

El negro , el blanco y la escala de grises son para mí una forma de entrar en el mundo del alma y de la memoria , y utilizo estos colores en muchas de mis obras. Los colores que caracterizan esta exposición mía están colocados sobre capas también pintadas con tinta china, y por lo tanto quedan rastros de grises, de recuerdos anteriores.

El uso del color , que esta vez usé más, me ayuda a relacionarme con el momento presente y los acontecimientos actuales. En situaciones tristes o complicadas, el asombro renovado que encuentro en la sencillez del paisaje me consuela y me restaura: es como si pasara un ángel. En esta exposición he intentado expresar estas emociones reinterpretando los colores naturales del paisaje.

Técnicamente , además de mezclar óleo y tinta (elementos que "discuten" entre sí siendo el agua y el óleo) -método ya conocido por mi público y muy amado y utilizado por mí- aparece la pintura al temple . Recientemente he profundizado en el estudio de las técnicas mixtas de algunos pintores renacentistas y otros más modernos, como Fujita Tsuguharu por ejemplo. El uso de la yema de huevo, el aglutinante por excelencia en la pintura al temple, es muy emocionante para mí, porque me hace sentir cerca de muchos pintores a los que respeto y admiro, permitiéndome una mayor profundidad expresiva. A través de la superposición y mezcla de estos "ingredientes" me gustaría poder crear una sensación envolvente en mis lienzos, donde uno siente el "peso" de las cosas. De esta forma me gustaría crear un puente entre la pintura oriental, tradicionalmente plana, y la pintura occidental, caracterizada por la perspectiva monocular y la profundidad de campo.