Pisanello es el último exponente de esa elegante cultura de la corte conocida como gótico internacional o gótico tardío. Artista itinerante entre Verona y Venecia, Mantua y Milán, Roma y Nápoles, estuvo mucho tiempo al servicio de Leonello d'Este, el culto marqués de Ferrara. El retrato de Carrara fue probablemente pintado con motivo del famoso concurso de pintura entre Jacopo Bellini y Pisanello en 1441. La configuración del perfil recuerda el modelo de las medallas antiguas, pero los rasgos característicos del rostro están investigados con precisión. La espesa cabellera de Leonello, el brocado del vestido y las flores del herbario de la rosaleda se describen detalladamente, a través de la pincelada suave y fundida propia del gusto refinado y profano del artista.

Andrea Mantegna, joven prometedor en la Padua de Donatello y Squarcione, pronto se convirtió en uno de los artistas más famosos de su tiempo, dominio confirmado por su traslado definitivo a Mantua, a la corte de Gonzaga. La Virgen y el Niño es una obra de madurez del artista, probablemente realizada en los años en que el pintor trabajaba en los Triunfos de César . Esta imagen austera y al mismo tiempo conmovedora de la maternidad prefigura el futuro sacrificio de Cristo en la cruz: a ello aluden la pulsera de coral rojo que porta el Niño y la mirada lejana, velada por la melancolía, de la Virgen. Los colores apagados de la obra son el resultado de la adopción por parte de Mantegna de su técnica favorita al temple, que utiliza extendiendo finas veladuras sobre un lienzo de lino muy fino.

La tabla pertenece a ese pequeño grupo de pinturas que sin duda se pueden atribuir a la mano del maestro. María y Jesús quedan atrapados en un momento de ternura, con la Madre tratando de mantener quieto al Niño, cuya postura atrevida recuerda las obras de Mantegna. La mirada de la Virgen , sin embargo, es melancólica y meditativa, como si previera el futuro sacrificio de su Hijo, que se mueve inquieto sobre una balaustrada de mármol rosa, anticipando quizás la piedra de la unción sobre la que será colocado antes del entierro. El claro brillo que baña las dos figuras recuerda las obras venecianas de Antonello da Messina, pero la preciosa ejecución, con el oro utilizado para resaltar el azul lapislázuli del vestido de María, recuerda los orígenes bizantinos de la tradición pictórica veneciana.

Introducido por su padre en la profesión de orfebre y por Filippo Lippi en la de pintor, a los veinticinco años Botticelli ya dirigía su propio taller en Florencia cuyos clientes más prestigiosos eran miembros de la familia Medici. En este panel, el artista transmite a la posteridad la imagen de Giuliano de' Medici, hermano menor de Lorenzo el Magnífico y hábil caballero, asesinado el 26 de abril de 1478 en Florencia durante la Conspiración Pazzi. Para denunciar y recordar su muerte, Lorenzo hizo acuñar una medalla por el escultor de la familia, Bertoldo di Giovanni. A partir de la máscara funeraria se elaboró un busto de mármol que Botticelli utilizó como modelo para el cuadro, del que se conocen tres versiones: ésta de Carrara -quizás la más antigua, aunque probablemente inacabada- y otras dos conservadas en Berlín y Washington.

Se trata de una de las primeras pinturas realizadas por Tiziano y muestra cómo el joven artista desarrolló la investigación de Bellini y Giorgione sobre el poder expresivo del color. El grupo de la Virgen y el Niño está inmerso en un vasto paisaje natural y presenta una nueva y sorprendente monumentalidad, mientras que un material pictórico cálido y fundido define las formas no a través del dibujo sino a través de grandes campos cromáticos.

En el contexto de la pintura del Renacimiento veneciano, Palma el Viejo es ante todo el autor de solemnes Conversaciones Sagradas ambientadas en el paisaje natural y de sensuales figuras femeninas. Estos dos tipos de pinturas de sala estuvieron especialmente difundidas en Venecia, pero la contribución del artista bergamasco fue fundamental para su éxito. En el cuadro de Carrara, Palma toma el esquema tradicional de la Sagrada Conversación de Bellini; sin embargo, aquí las figuras no están aisladas unas de otras, no se sientan en silencio a meditar sobre las Sagradas Escrituras, sino que se comunican animadamente entre sí. También es nueva la monumentalidad de la Virgen y la Magdalena, que en su exuberante belleza recuerdan las floridas figuras femeninas de medio cuerpo protagonistas de numerosas obras posteriores del artista.

La pintura es una obra maestra de la vejez de Moroni y el resultado de una investigación en profundidad de este esquema de retrato. La silla de Dante en la que se sienta el anciano está colocada ligeramente en diagonal, para transmitir eficazmente la sensación de profundidad. El hombre viste un abrigo forrado de piel y agarra el reposabrazos con la mano derecha, mientras que en la izquierda sostiene un pequeño libro: acaba de dejar de leer y se vuelve orgulloso hacia nosotros, mirándonos con una mirada interrogante. El amplio fondo aumenta la intensidad psicológica del retrato, jugado con una gama seleccionada de grises, marrones y negros. El personaje representado aún no ha sido identificado, pero se ha sugerido que el artista es Pietro Spino, un erudito e historiador originario de Albino.

El taller de fray Galgario era frecuentado por jóvenes deseosos de aprender los secretos del oficio; de hecho, un buen número de sus cuadros retratan a niños con los que el artista parece tener cierta familiaridad. A menudo estos modelos van vestidos de manera extraña, con ropas y sombreros extravagantes , o posan como pintores, como el joven retratado en el lienzo de Carrara, que es una de las obras maestras de esta particular producción. La actitud audaz del joven pintor, que apoya con orgullo su mano izquierda en su cadera y sostiene la pajita con tiza en la derecha, y la inocencia de su mirada nos dan la imagen de una persona viva. La calidad matérica de los colores y las famosas lacas utilizadas por Fra Galgario hacen de este cuadro un emblema de su pintura.

Canaletto es el más famoso de los paisajistas venecianos y sus vistas de Venecia han contribuido a consagrar el mito de la Serenísima. No sólo registró con precisión la realidad topográfica de la ciudad en sus pinturas, sino que, a través de una cuidadosa observación de la luz, también fue capaz de transmitir una imagen imperturbable y eterna de la Venecia del siglo XVIII. Canaletto retrata el Gran Canal a través de un plano que había sido codificado por Luca Carlevarijs en un famoso lienzo, pero adopta una construcción de la escena más amplia y dilatada, indicativa de su formación y su compromiso inicial como escenógrafo. En primer plano, a la izquierda, se puede ver la fachada del Palacio Balbi, a la derecha se reconocen los palacios Erizzo, Contarini y Mocenigo, mientras que a lo lejos se vislumbra el puente de Rialto.

Tiepolo dominó la pintura veneciana y europea del siglo XVIII con sus retablos monumentales, sus refinadas pinturas de temas mitológicos y, sobre todo, con sus imponentes decoraciones al fresco, que destacan por su extraordinaria vena inventiva y su sorprendente vivacidad y ligereza cromática. Según una práctica típica de la tradición pictórica de los siglos XVII y XVIII, Tiepolo establecía las líneas generales de sus composiciones en bocetos que presentaba a los clientes para su aprobación preliminar. Estos pequeños cuadros alimentaron también un próspero mercado de coleccionistas, formado por aficionados que apreciaban en ellos la frescura de la primera idea y el testimonio más inmediato de la mano del maestro. El lienzo de Carrara es un boceto del retablo realizado por Tiepolo para la catedral de Bérgamo en 1743.

Francesco Hayez es el máximo exponente de la pintura del Romanticismo en Italia. Su fama se debe a sus pinturas de temas históricos, a menudo llenas de significados patrióticos o alusivas a la situación política italiana; pero los retratos y las sensuales figuras femeninas también despertaron gran entusiasmo. El lienzo, encargado por Antonio Frizzoni, miembro de una familia que trabaja en Bérgamo en el sector textil, representa el episodio culminante de una historia muy popular de principios del siglo XIX: Giorgio Cornaro informa a su hermana Caterina, reina de Chipre, que la República de Venecia ha decidido despedirla y anuncia su futuro encierro en el castillo de Asolo. La escena, construida mediante un estudio calibrado de la luz y las poses de los personajes, tiene un tono fuertemente teatral, propio de la pintura de Hayez.

Gaetano Previati es, junto con Segantini y Pellizza da Volpedo, uno de los protagonistas del divisionismo italiano y uno de los intérpretes más sensibles de los temas simbolistas. El cuadro pertenece a la primera temporada del pintor, ligada al gusto tardorromántico y a la Scapigliatura, que precede a la conversión a la técnica de la división del color. La historia de Paolo y Francesca –narrada por Dante y ampliamente explotada por el repertorio figurativo del siglo XIX– no está representada de manera didáctica: Previati aspira a pintar emociones e ideas. Del claustrofóbico formato horizontal, ocupado por las figuras de los dos infelices amantes, tumbados en su lecho de muerte y traspasados por la misma espada, emerge una imagen vigorosa y oscura, que destaca por su énfasis melodramático y su naturalismo exasperado.

Pellizza da Volpedo es especialmente conocido como el autor del Cuarto Poder, cuadro simbólico de la pintura italiana de finales del siglo XIX e icono de la modernidad. La síntesis de las experiencias formativas del pintor es Memoria de un dolor , que el artista regaló a Carrara como muestra de agradecimiento por las enseñanzas que recibió de Cesare Tallone en Bérgamo entre 1888 y 1890. El significado de la obra va más allá de la elección del tema. del lector, muy difundida en la época: en la mirada lúcida de la volpedesa Santina Negri, el pintor expresa el dolor por la desaparición de su hermana Antonietta, fallecida en octubre de 1889. La ambientación del retrato deriva de Tallone, mientras que la construcción del espacio por planos de colores vivos, repartidos en grandes campos, recuerda la pintura de los Macchiaioli.