El retrato representa a Carlo Emanuele I, duque de Saboya de 1580 a 1630, con una de sus preciosas armaduras y el collar Annunziata. Como indica la firma en la parte inferior izquierda, es obra de una de las raras y más aclamadas pintoras del siglo XVII, Giovanna Garzoni (1600-1670) de Ascoli. Llamada a Turín por Cristina de Francia, trabajó allí desde 1632 hasta 1637. En el Palacio Real, el pergamino con Carlo Emanuele I es la contraparte del que representa a su padre Emanuele Filiberto, mientras que en los Uffizi están los retratos de su esposa Caterina. Micaela y su hijo, Vittorio Amedeo I. El cuadro, de diseño y técnica pictórica extremadamente refinados, destaca por su notable naturalismo a pesar de haber sido realizado pocos años después de la muerte del Duque retratado. La pintora debió retomar uno o más retratos realizados anteriormente por otros autores, como Giovanni Caracca, pero alcanzando un resultado muy superior, lo que justifica el éxito obtenido en Florencia y Roma tras su estancia en Turín.

La mesa es el único testimonio del Renacimiento piamontés que aún se conserva en el Palacio Real. Concebido como retablo, en el siglo XIX fue donado por el canónigo Giuseppe Benedetto Cottolengo a Carlo Alberto y colocado en la alcoba del rey, donde aún hoy se exhibe. La obra está fechada en 1523 y documenta el estilo del pintor Chivasso, suspendido entre el carácter gótico derivado del arte de los Alpes y la influencia del naturalismo lombardo. La Virgen está sentada en un trono cubierto con un dorado de estilo medieval y sostiene al Niño en sus brazos, representado con el Globo terráqueo con la cruz, símbolo de la redención. A los lados, las figuras de pie son los santos Juan Bautista y Nazario. Abajo a la izquierda, el hombre arrodillado es el encargado de la obra, con el manto adornado con pieles y la cruz de la orden de Malta para identificar su prestigio social. Las figuras aparecen desprovistas de conexión entre sí, unidas únicamente por el clásico dosel que delimita el espacio de la escena.

Los bocetos, encargados a Francesco De Mura, son modelos para la realización de una serie de tapices para la Sala degli Staffieri (Palacio Real, Primer Piso). Pintados en Nápoles, la ciudad natal del pintor, fueron enviados a Turín en 1768. De Mura representa Las historias de Eneas y Dido recordando episodios destacados de los primeros cuatro libros de la Eneida. El tema mitológico se ofrece aquí a una lectura sentimental: del relato épico se seleccionan los momentos centrales del enamoramiento de la reina de Cartago con el héroe troyano, antepasado de los romanos. Los episodios pintados se trasladan a ocho tapices realizados entre 1771 y 1888 por la Real Fábrica de Turín, fundada por Carlo Emanuele III. Legibles en sentido contrario a las agujas del reloj, los tapices encajan perfectamente entre las decoraciones de madera del entorno, cuatro en el centro de las paredes y cuatro cubriendo las esquinas. Estos productos textiles de gran formato, trabajados en telar, combinan la función decorativa con la de contribuir al aislamiento térmico de ambientes amplios y difíciles de calentar.

La gran pintura representa a Vittorio Amedeo, duque de Saboya, luego Vittorio Amedeo III, con su esposa Maria Antonia Ferdinanda y los primeros cinco de los doce hijos. Es un retrato familiar lleno de elementos simbólicos. En el centro de la escena, el futuro rey lleva de la mano a su hijo mayor, el heredero al trono Carlo Emanuele, mientras con la otra señala un pequeño templo de la paz y un obelisco donde dos querubines sostienen el escudo de Saboya. y dos ramas de olivo. El gesto subraya la línea política de Vittorio Amedeo, orientada al mantenimiento de la paz. En la parte inferior derecha, algunas armas y armaduras, habiendo perdido su uso bélico, se acumulan desordenadamente como juguetes de los príncipes. El que tiene la flecha en la mano, atributo masculino, es el futuro Vittorio Emanuele I. El lienzo puede fecharse entre 1759 y 1760 y se encuentra en los apartamentos del segundo piso noble, donde la pareja vivió después de su boda en 1750. El pintor de corte Giuseppe Duprà, turinés de formación romana, retrata a la familia del futuro rey de Cerdeña en un marco suntuoso, centrándose en la preciosidad de los tejidos bordados.

El cuadro sirve de retablo en la pequeña capilla adosada al Salón de Audiencias Privadas. El diseño del ambiente fue encargado por Carlo Alberto al pintor boloñés Pelagio Palagi (1775-1860), uno de los principales protagonistas de principios del siglo XIX en Italia. Llamado en 1832 y pronto nombrado "pintor encargado de la decoración de los Palacios Reales", Palagi se dedicó en la residencia de Turín sobre todo al diseño de los interiores: como un diseñador moderno, concibió una cantidad considerable de elementos decorativos y muebles, incluido el propio altar de madera dorada sobre el que está colocada la Sagrada Familia. El lienzo, fechado en 1845, es una de las raras pinturas piamontesas realizadas personalmente por Palagi, que ahora tiene setenta años, y refleja bien el gusto típico del clasicismo del siglo XIX. La elegancia de la composición, la serena monumentalidad de las figuras, el brillo de los colores y la sensación general de calma remiten a las lecciones de Rafael, así como de otros artistas del pasado, desde Correggio hasta los clasicistas boloñeses del siglo XVII. .

La acuarela realza el impacto visual de la Sacra di San Michele, hoy un monumento simbólico del Piamonte pero ya considerado un testimonio emblemático de la Edad Media Saboya entre los siglos XVIII y XIX. En la atmósfera brumosa, la vegetación, la roca y la piedra artificial se fusionan, creando un encuentro solemne entre las sublimes visiones del paisaje alpino y los pintorescos testimonios de la arquitectura medieval, dos temas queridos por la cultura figurativa de principios del siglo XIX. El turinés Giuseppe Pietro Bagetti (1764-1831) fue un gran acuarelista especializado en particular en la topografía militar y el paisaje. Su pericia técnica, ya apreciada por Napoleón Bonaparte, estuvo al servicio de Vittorio Emanuele I y luego de su hermano Carlo Felice, para quienes realizó una serie de batallas y una serie de paisajes respectivamente.

El gran lienzo ocupa un lugar de absoluta importancia entre las pinturas decimonónicas del Palacio Real, en su mayoría encargadas por Carlo Alberto para llenar el vacío dejado por las obras que se fusionaron en la Galería Real. El autor, el veneciano Francesco Hayez (1791-1882), extrajo el tema de un episodio de la Gerusalemme Liberata del Tasso, presente también en el poema de Tommaso Grossi I Lombardi en la primera Cruzada. Hayez trabajó allí durante varios años y con mucho empeño, con el objetivo de crear una obra monumental de alcance nacional, en la que un gran número de cristianos estuvieran unidos en el sufrimiento y la fe. Desde el punto de vista del Risorgimento, esta condición podría ser similar a la del pueblo italiano que desea liberarse del yugo austríaco. No es casualidad que Carlo Alberto, promotor de las guerras de independencia, quisiera disponer el cuadro en la primera antecámara de su representativo apartamento. Desafortunadamente, el trabajo del pintor tomó más tiempo de lo esperado y cuando se colocó el lienzo en 1850, el rey ya estaba muerto. Hoy en esta obra maestra todavía apreciamos el colorismo fresco que recuerda al siglo XVIII veneciano y la gran habilidad para dibujar y retratar que han convertido a Hayez en el pintor principal del romanticismo italiano.

Fundada en 1710 en Meissen, cerca de Dresde, por Augusto II el Fuerte de Sajonia, siguiendo las investigaciones del químico Johann Friedric Böttger, la fábrica entró en crisis con la Guerra de los Siete Años y atravesó diversas vicisitudes. El gusto de Luis XVI se presentó más tarde a su rival Sèvres. Una notable difusión en el mercado se produjo entre 1833 y 1870, con la recuperación y reelaboración de objetos de la época dorada en estilo neorococó; a finales del siglo XIX se difunden los objetos de gusto ecléctico. En la última década del siglo XIX, la corte italiana compró varios servicios que reproducían decoraciones del siglo XVIII y, a menudo, encargó réplicas de los servicios antiguos. La sopera reutiliza la decoración pictórica “Deutsche Vogel” y la cenefa en relieve “Alt Ozier”. Las piezas se caracterizan por motivos pictóricos de pájaros de vivos colores sobre ramitas e insectos, sobre un fondo blanco brillante; una parte del fondo tiene un sutil modelado de tejido tipo cesta. El borde elevado está dorado; las asas y el pomo de la tapa están realizados volviendo a proponer sabrosos motivos rocailles, también parcialmente dorados.

Es un objeto curioso cuya forma general recuerda a la de una estufa, más ancha en la base, con cuatro pies y, en la parte superior, con un marco más allá del cual se perfora la estructura metálica como un encaje; el cuerpo central está equipado con una manivela con movimiento de reloj y un timbre para indicar el final del tiempo de cocción. Las superficies metálicas están grabadas con diferentes motivos decorativos. Estas estructuras, de diferentes tamaños, se colocaban preferentemente en las chimeneas, para soportar los platos a cocinar en barras especiales ya alturas variables. El asador todavía se menciona en la Lista de herramientas de las oficinas bucales que se encuentran en el sótano utilizado como "Depósito de sucursales", de 1950, que enumera las herramientas después de la Segunda Guerra Mundial.

La fábrica de Viena se fundó en 1717 y los decoradores y químicos de Meissen aterrizaron allí, donde se produjo la primera porcelana europea. La gestión por parte del estado aseguró los recursos económicos necesarios, y el posterior descubrimiento de yacimientos de caolín en Hungría permitió la producción de una pulpa de mejor calidad. La copa, con la típica forma de los llamados cráteres, con asa de voluta roscada en oro, fondo dorado brillante y diversas decoraciones, tiene un espejo con una vista de la Puerta Nueva de Viena vista desde el exterior de la ciudad, mientras que el platillo ofrece un azulejo con la visión de la misma puerta pero desde el interior de la ciudad, por tanto con un vivo y pleno sentido de la realidad. La forma de cráter es típica de la producción vienesa durante el período Biedermaier, cuando predomina un gusto burgués característico. La pintura de paisaje también es muy frecuente en el repertorio decorativo de la porcelana vienesa; los temas más representados son precisamente las vistas de Viena y sus alrededores, extraídas de los grabados de finales del siglo XVIII de Carl Schutz, Lorenz Janska y otros.