El sagrario, probablemente de origen doméstico, presenta uno de los temas más típicos de la plástica renacentista, el abrazo entre Madre e Hijo como símbolo de una nueva humanitas, con la Virgen sentada, con gracia y elegancia, en un trono clásico en faldistorio, decorado en el lado izquierdo con un motivo vegetal “piña”, símbolo de la fecundidad, y un cojín bordado. El relieve con la Virgen con su Hijo desnudo de pie, con la mano apoyada en el seno derecho, ha sido atribuido a la actividad juvenil de Donatello (Bellosi 2002; Pisani, 2009; Cavazzini 2013) por la vibrante reinterpretación de la antigüedad clásica y la 'alta calidad ' del modelado, que en varios pasajes revela los signos de una delicada eclosión de "palo".

A pesar de la película pictórica muy desgastada, el fragmento del fresco de la Virgen y el Niño tiene un color brillante y un diseño muy delicado y refinado. En la imagen, la Virgen, una joven que presagia con tristeza la suerte de su Hijo, sostiene en sus brazos al bendito niño Jesús, sosteniendo en su mano izquierda un jilguero, animal querido por los niños. y tradicionalmente conectado a la Pasión de Cristo. La pintura es atribuible a Agnolo Gaddi, quien la pintó en los años en que estaba pintando al fresco la Capilla de la Sacra Cintola en el Duomo. El fresco fue recuperado en el área del Palazzo delle Scuole, el edificio con un pórtico adyacente al Praetorium, en una sala originalmente conectada a la iglesia medieval de San Donato.

La representación más antigua existente de la historia de la Sagrada Cintola, el relato legendario de la reliquia de Prato y su protagonista, Michele, se debe a Bernardo Daddi. La preciosa predela formaba parte del retablo (ahora perdido) conservado en la Catedral de Prato, constituyendo al mismo tiempo un elemento celebrativo y didáctico. En los cuatro paneles de la predela, siete episodios divididos por refinadas bandas con decoraciones geométricas, narran en secuencia cómo Cintola llegó a la ciudad de Prato. El detalle se refiere al segundo panel de la predela: Santo Tomás confía el Cinto al sacerdote que lo guardará en Tierra Santa.

Es la primera pintura de caballete documentada del pintor, una obra maestra de la pintura florentina del siglo XVII. La protagonista es Semiramide a quien el escudero Artace advierte del incendio de Babilonia y la consiguiente caída de la ciudad. El lienzo hace referencia a Bilivert y al difunto Rosselli, mostrando también influencias de los grabadores de Lorena Callot y Bellange. Ambientada teatralmente en pisos sucesivos, la escena se centra en la conversación entre las dos figuras principales, Semíramis, imponente y luminosa con suaves ropajes, y el caballero, que le trae la noticia del incendio de Babilonia.

El precioso retablo encargado en 1502 por el Confaloniero y los Priores de Prato para decorar la Audiencia del Ayuntamiento, al célebre pintor de Prato, hijo de Fra Filippo. Una atmósfera meditativa y suspendida se recrea en la preciosa mesa, en una luz lívida y tormentosa, que acentúa las sombras y los contrastes en las figuras dulces y desangradas, íntimamente reunidas en primer plano, entre las que se establece un silencioso diálogo de miradas. Incluso el paisaje con ruinas parece participar del clima de religiosidad dramática que sopla desde el retablo.

El pequeño retablo arqueado fue realizado entre 1572 y 1573 por encargo de Andrea Verzoni y Francesco Guizzelmi, gobernadores de la compañía del Arcángel Rafael, para un altar en el oratorio de la misma compañía. La obra pertenece a uno de los momentos más felices de la actividad de Poppi y documenta su capacidad para fusionar las sugerencias de Andrea del Sarto en una síntesis completamente personal (mira las mangas de Tobiolo y el volante de la túnica del Arcángel), de Pontormo (la mirada penetrante de Tobiolo y el gusto por iridiscencia) y de Rosso (la cabeza del Arcángel y el cabello de ambos).

Original interpretación del encuentro entre Cristo y la Magdalena, reconocida como obra maestra por Battistello Caracciolo, artista que hoy sabemos estuvo en relación directa con Merisi en Nápoles, y que fue el primero en transmitir el poderoso naturalismo luminista en el ambiente napolitano con un Interpretación personal de pintores contemporáneos y de generaciones posteriores. La obra se caracteriza por la fuerza del gesto y la teatralidad de la historia tomadas de las experiencias artísticas de los pintores florentinos de principios del siglo XVII.

Colocada originalmente en el altar de la sala del antiguo Pellegrinaio del Spedale della Misericordia e Dolce, la imponente estructura, hoy desprovista de la carpintería original con pilares de soporte laterales, consta de cinco compartimentos y un doble orden de plataformas que dan la bienvenida a las escenas narrativas. . Desde el punto de vista iconográfico, los personajes representados en los compartimentos principales están íntimamente relacionados tanto con las imágenes relativas a sus hechos biográficos como con las de la Infancia y la Pasión de Cristo contenidas en las dos predelas. En el centro se encuentra la imagen de la Virgen entronizada con el niño, descrita en el acto de tocar suavemente su mano, mientras que a la derecha sostiene una cuerda a la que está atado un pájaro (hoy apenas visible por el gran desnivel vertical que afecta las dos figuras). La firma del artista se encuentra bajo el compartimento principal con la Virgen entronizada.

Esta obra de carácter misterioso y lírico a la vez, cercana al imaginario surrealista, podría remontarse al libro de H. G. Wells, L'Homme invisible, de 1897, traducido al francés en 1932. La escultura forma parte de un serie desarrollada a principios de los años treinta centrada en el mismo tema. Como sugiere el título, se trata de una cabeza, evocada por la forma del cabello similar a las alas de un pájaro en vuelo, sostenida por dos manos entrelazadas. El interés de Lipchitz por las partes anatómicas recuerda la escultura de Auguste Rodin y Henry Moore, por la que se sintió fuertemente atraído.

La luneta fue separada en 1923 por razones de conservación del Oratorio de Sant'Antonio bajo el patrocinio de Ginori. El refinamiento psicológico de las cabezas angelicales recuerda las melancólicas figuras pintadas por el difunto Filippino, mientras que en la cabeza modelada y escultórica del santo hay referencias al duro expresionismo de Verrocchio. El bisel está compuesto por doce piezas montadas y ensambladas entre sí, según la metodología típica del taller Della Robbia.

La Madonna del Ceppo, obra capital en la carrera madura de Filippo Lippi, fue financiada en 1453 por la institución benéfica de Prato del mismo nombre, fundada por Francesco di Marco Datini. El retablo se ha convertido así en el emblema de la generosidad de la ciudad. La ambientación deliberadamente arcaica es la característica de este gran retablo arqueado con fondo dorado, utilizado como tabernáculo, que evoca el modelo abstracto e icónico de las Majestades del siglo XIV. En la Madonna, Lippi representa un modelo de humanidad y belleza clásica, antes de conocer a Lucrezia buti, un rostro regular velado de melancolía que en su intensidad confirma la plena autografía de Lippesque.

Lorenzo Monaco, pintor ligado a la poderosa orden camaldulense y al cenáculo artístico florentino de Santa Maria degli Angeli, hace gala en el políptico de Prato de un estilo depurado y profundamente impregnado de espiritualidad, con un uso simbólico del color que anticipa a Beato Angelico. La matriz sienesa de la pintura de Lorenzo Monaco se encuentra en la caligrafía insistente, en la elegante estilización de las figuras, en las formas de rematar las vestiduras de los santos modulando sus drapeados. La representación de la Virgen en su imagen más humilde y culta sigue los dictados de la orden camaldulense dedicada a ella.

El fresco representa la ciudad de Prato con los santos Stefano y Giovanni Battista y los bienhechores Michele Dagomari y Francesco Datini, y se atribuye a los hermanos Pietro y Antonio di Miniato en los años alrededor de 1415. El fresco incluye una vista concisa de la ciudad, en la que son reconocibles los edificios simbólicos de Prato a principios del siglo XV, a saber, el Pieve, el Palazzo del Comune, el Palazzo Pretorio, el Palazzo di Francesco di Marco Datini, las murallas y las torres.

La tabla, a pesar de las evidentes discontinuidades pictóricas atribuibles a la extensa intervención de los colaboradores del maestro, se configura como una obra de gran fascinación tanto por la elegante ambientación de las figuras de los santos con movimientos anticipatorios de Botticelli como por la descripción naturalista lenticular de los alfombra de hojas y flores, probablemente en alusión al nombre de la ciudad de Prato, y donde se pueden reconocer las plantas reales de diente de león y botón de oro. En el reverso de la mesa hay unos bocetos, entre los que se distingue un ángel de perfil, realizado al carboncillo por los alumnos según una costumbre del taller para ejercitar la mano.

Entre las dos obras de Ardengo Soffici expuestas en la sección sobre Soffici y la Escuela de Prato, Cabine , pintada en Forte dei Marmi en 1927, es una expresión de la fase de "retorno al orden" tras los experimentos formales de las vanguardias históricas, que tuvo como objetivo la recuperación de la tradición toscana y la calidad efectiva del arte. La pintura, en la composición tonal armonizada que recuerda al fresco antiguo, en la representación simple de la naturaleza, en la “pintura pura”, se acerca poéticamente a las obras contemporáneas de su amigo Carlo Carrà.