SZENARIEN EINES TAGES
Kazuto Takegami

Name: SZENARIEN EINES TAGES
Start: 2022-11-17 00:00:00
End: 2022-12-18 00:00:00
Location: Weißes Manifest

Weißes Manifest

Mailand, Lombardei, Italien

Die Ausstellung

Es gibt Momente, die in der Ewigkeit verewigt und ins Unendliche transformiert werden können; unzählige eintägige Szenarien, die irgendwo oder nirgendwo spielen. In diesem Moment da sein, immer in diesem Moment. Hören, Sehen und vor allem „Hören“, Erinnern und Abstrahieren zugleich: ein Hauch von Wind, das Rauschen der Blätter, das Brechen der Wellen, der Hauch des Waldes.

Tusche gleitet über die Ölfarbe, verschmilzt mit ihr, erzeugt Andeutungen und Überblendungen. Tempera definiert und perfektioniert diesen Dialog in einer fließenden Umgebung.

Die persönliche Ausstellung von Kazuto Takegami im Manifico Blanco ist in einem gegliederten Ausstellungsprogramm strukturiert, das etwa 10 unveröffentlichte Werke umfasst, die an der Wand aufgestellt sind, hauptsächlich in Diptychen komponiert und in Öl, Tempera und Tusche hergestellt sind, der Mischtechnik, die die Werke des Künstlers am meisten charakterisiert Leinwand. Das Glas mit Blick auf die Via Benedetto Marcello ist zu diesem Anlass in Form eines traditionellen japanischen Shoji eingerichtet, das mit Tuschezeichnungen und natürlichen Pigmenten verziert ist. Schließlich vervollständigen einige Tuschezeichnungen auf Papier die Ausstellung. Zu diesem Anlass wird die Galerie zu einem schwankenden und sich verändernden Raum, bevölkert von Meereslandschaften und Waldgrundstücken, die die Sinne umhüllen und den Besucher in die süßen und melancholischen Szenarien kurzer Momente begleiten, die durch Takegamis Bildkunst verewigt wurden.

Nach seinem Abschluss an der Musashino Art University in Tokio arbeitet Kazuto Takegami einige Jahre als Kunstprofessor. Damals beschloss er, sein Leben der Malerei zu widmen. 1998 kam er dank eines Stipendiums an der Brera Academy of Fine Arts in Mailand, der Stadt, in der er lebt und arbeitet, nach Italien. Im italienischen und europäischen Kontext perfektioniert er die Ölmalerei, die er so sehr liebt. Die Distanz zu Japan ermöglicht es ihm auch, seine Herkunft wiederzuentdecken, was ihn dazu bringt, einige traditionelle Techniken wie die Tuschemalerei zu vertiefen. Er weist zahlreiche Einzel- und Gruppenausstellungen vor allem in Italien sowie in Europa und Japan auf.

Wort an den Künstler: Kazuto Takegami

Erläuterungen zur Ausstellung

Die Ausstellung besteht aus Elementen, die miteinander in Dialog treten, in einer Atmosphäre der angehaltenen Zeit …

Zunächst gibt es zwei Abschnitte: Der erste, vertikale , ist den Bäumen gewidmet und insbesondere den Ästen und ihren Formen, die in mir besondere Anregungen hervorrufen. Die zweite, horizontale , ist eine Ode an das Meer und an den Blick, der sich hinter dem Horizont verliert. Bäume und das Meer helfen uns zu verstehen, wie heilig unsere Lebensräume sind, und an das Wunder und Staunen in der Einfachheit zu denken: Sie sind ewig, aber veränderlich und komplex, und ich fühle mich ihnen sehr nahe.

Ich habe die Form des Diptychons immer sehr geschätzt, da es zwei Teile derselben Geschichte symbolisiert und es Ihnen ermöglicht, die Aufmerksamkeit sowohl auf das Ganze als auch auf jede einzelne Leinwand zu richten, aus der das Werk besteht. Zwischen den beiden Elementen entsteht ein Dialog, und auch wenn sie getrennt erscheinen, stellen sie ein Ganzes dar und ergänzen sich gegenseitig.

Die Nachrichten über den jüngsten Konflikt in der Ukraine deuteten eine weitere Bedeutung der Form des Diptychons an: die einer Welt, in der Unterschiede geschätzt werden können, aber auch harmonisch koexistieren. Die Trennung der beiden Leinwände ist also keine Teilung, sondern eine Linie, fast eine Narbe, die ich zusammennähen möchte, um die Schönheit der Vereinigung der beiden Teile zu genießen.

In den meisten der ausgestellten Arbeiten habe ich einige menschliche Elemente in die Landschaften eingefügt. Es sind fast immer Figuren von hinten, die "in diesem Moment einen von uns" darstellen. Ich interessiere mich dafür, diesen Moment in einer zeitlosen Dimension festzuhalten.

Schwarz , Weiß und die Graustufen sind für mich ein Mittel, um in die Welt der Seele und der Erinnerung einzudringen , und ich verwende diese Farben in vielen meiner Arbeiten. Die Farben, die diese meine Ausstellung charakterisieren, sind auf ebenfalls mit Tusche bemalte Schichten aufgetragen, und so bleiben graue Spuren früherer Erinnerungen zurück.

Die Verwendung von Farbe , die ich dieses Mal häufiger verwendet habe, hilft mir, mich auf den gegenwärtigen Moment und aktuelle Ereignisse zu beziehen. In traurigen oder komplizierten Situationen tröstet mich das erneute Staunen, das ich in der Einfachheit der Landschaft finde, und stellt mich wieder her: Es ist, als ob ein Engel vorbeiging. In dieser Ausstellung habe ich versucht, diese Emotionen auszudrücken, indem ich die natürlichen Farben der Landschaft neu interpretiert habe.

Technisch gesehen kommt neben dem Mischen von Öl und Tusche (Elemente, die miteinander "streiten" Öl und Wasser) - eine meinem Publikum bereits bekannte und von mir sehr geliebte und angewandte Methode - die Temperamalerei ins Spiel. Ich habe kürzlich das Studium der Mischtechniken einiger Renaissance-Maler und anderer modernerer, wie zum Beispiel Fujita Tsuguharu, vertieft. Die Verwendung von Eigelb – dem Bindemittel schlechthin in der Temperamalerei – ist für mich sehr spannend, weil ich mich dadurch vielen Malern, die ich respektiere und bewundere, nahe fühle und mir eine größere Ausdruckstiefe ermöglicht. Durch das Überlagern und Mischen dieser "Zutaten" möchte ich in meinen Leinwänden ein umhüllendes Gefühl erzeugen können, bei dem man das "Gewicht" der Dinge spürt. Auf diese Weise möchte ich eine Brücke schlagen zwischen orientalischer Malerei, traditionell flach, und westlicher Malerei, die sich durch monokulare Perspektive und Tiefenschärfe auszeichnet.

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