Ein Neon mit der Aufschrift „Brot“ leitet den Ausstellungsrundgang ein. Die Arbeit fungiert als Manifest von Contemporanee / Contemporanei , das einerseits auf die Brotherstellung in der antiken Provianda di Santa Marta und andererseits mit explizit metaphorischem Akzent auf die heutige universitäre Bestimmung des Gebäudes verweist: Vielmehr müssen die Studierenden in die Lage versetzt werden, durch die im Studium erworbenen Kenntnisse und Fähigkeiten künftig ihren Lebensunterhalt selbst zu bestreiten sowie die ethischen Grundlagen gemeinsamer Ressourcen, symbolisch repräsentiert durch das Brot, zu teilen.

Der dem Werk beiliegende Vertrag sah vor, dass die Handschrift der Schrift vom Sammler Giorgio Fasol stammt, der damit symbolisch den Beginn der Ausstellung besiegelt.

In einer Performance, die fast 24 Stunden dauerte, bewegte der Künstler die Zeiger einer großen Uhr von Hand, während jede Minute verging. Ohne die Hilfe eines Instruments hat Moudov nur gezählt oder seiner eigenen Wahrnehmung des Zeitablaufs gefolgt. Ohne sich auf eine bestimmte Metapher festlegen zu wollen, bietet sich das Werk philosophisch für vielfältige Interpretationen des Verhältnisses von Mensch und Zeit an.

Die Arbeit besteht aus zwei Kugeln, die jeweils eine andere bewegliche enthalten. Durch ihre Handhabung ist es möglich, die Abfolge der sechs Mondphasen zu simulieren. Das Objekt scheint das Produkt eines nostalgischen Alchemisten zu sein, der vorschlägt, die endlose Bewegung zweier Kugeln zu messen, die dazu bestimmt sind, einander zu jagen, ohne sich jemals zu erreichen. Der Titel bezieht sich auf die himmlischen Geometrien, deren wellenförmige und schwer fassbare Flugbahnen betrachtet werden. Mehr als ein Standbild erinnert das Werk an eine Kette von Bildern, die kosmische Rhythmen und Klänge hervorrufen.

Die Skulptur sieht aus wie eine dreidimensionale Zeichnung der Flugbahnen einiger verrückter Bohnen. Die auf dem Boden platzierten Hülsenfrüchte spritzen idealerweise in den Raum und erzeugen eine kontinuierliche, unvorhersehbare und farbenfrohe Bewegung, die abstrakte grafische Zeichen erzeugt. Der Idee hinter der Arbeit folgend, variiert der Künstler bei jeder Installation die Faltungen der Aluminiumrohre nach Belieben und erzeugt so eine neue, spielerische Raumkonstellation.

Das Werk ist eine Hommage an die Schauspielerin Marlene Dietrich. Das von Ventur verwendete Archivvideo zeigt die Diva in London im Jahr 1972, als sie in ihren Siebzigern das Lied von Pete Seeger vortrug Wo sind all die Blumen hin? (Wo sind all die Blumen hin?). In der Installation multipliziert eine mit Spiegeln bedeckte Discokugel das Gesicht der Schauspielerin in der Umgebung und erzeugt ein Firmament, an dem nur Dietrichs verstörender und mysteriöser Stern leuchtet.

Die Performance einer Pflanze ist ein Trümmerhaufen, der sich aus Fragmenten von Werken zusammensetzt, die zerstört und im Atelier des Künstlers beiseite gelegt wurden. Dabei handelt es sich hauptsächlich um konkrete Nachbildungen von Grundrissen großer internationaler Einkaufszentren. Aus diesen bis zu ihrer Entsorgung abgelagerten Resten ist spontan eine Pflanze entstanden, die der Künstler behalten und als Dreh- und Angelpunkt einer neuen Arbeit verwenden möchte. Die Natur, zwischen Zufall, Poesie und Lebenskraft, bestätigt sich selbst und belebt ein ansonsten träges Material materiell und konzeptionell.

Das Thema Immigration steht im Zentrum der Recherchen des albanischen Künstlers Adrian Paci. Das hier ausgestellte Foto zeigt die als Prinzessin verkleidete Tochter des Künstlers im prächtigen Palazzo Visconti in Mailand, wo ihr Vater in den frühen Tagen seiner Übersiedlung nach Italien als Restaurator arbeitete. Die Arbeit ist das Ergebnis des Versuchs seines Vaters, seinem kleinen Mädchen das Gefühl zu geben, etwas Besonderes zu sein. Tatsächlich interessiert sich die Künstlerin weniger für die soziologische Kategorie des Einwanderers, als vielmehr für die nostalgische Dynamik, den Pragmatismus und die kreativen Strategien, die durch die neuen Lebensbedingungen dieser Menschen aktiviert werden.

Das Werk hat seinen Titel frei nach einer von Truman Capote in Padron Miseria erzählten Episode. Ein Foto an der Wand zeigt den Künstler, wie er einen Stock über ein Geländer schiebt und damit die Geste von Sylvia nachahmt, der Protagonistin von Capotes Geschichte. In der Mitte des Raumes gibt es einen Balken, der das Gleichgewicht gibt, markiert durch einige Schriften und Zeichnungen. Alles in der Arbeit scheint darauf abzuzielen, die Stimmungen der Adoleszenz zu feiern, als ob sie eine intime Wahrheit enthielten, der wir uns als Erwachsene ungeschickt den Rücken kehren.

Das hier gezeigte Zelt stellt eine Art Storyboard von Il diavolo nel pozzo dar, einer um 1930 in Kolumbien entstandenen Puppenkomödie. Das Drehbuch erzählt die Selbstzerstörung einer vom Teufel überzeugten Gemeinschaft am Brunnen des Landes. Der Künstler stellt einige Passagen und markante Bilder der Geschichte in den Quadraten des Zeltes dar, wo wir unter anderem den Teufel, den Brunnen, die Felder rund um das Dorf oder das Töten von Tieren erkennen. Die Arbeit ist Teil eines Projekts, das der Künstler der Beziehung zwischen Puppenspiel, mündlicher Überlieferung und der Entwicklung einer revolutionären Populärkultur zwischen Italien und Südamerika zu Beginn des 20. Jahrhunderts widmet.

Der Künstler schnitzte gewaltsam einen Block aus Zedernholz. Die Aktion scheint vor kurzem beendet worden zu sein: Auf dem Boden liegen die Überreste und der Rohbau ist rau, unvollendet. Mehr als eine Skulptur, sieht die Arbeit aus wie das, was von einer instinktiven und stark emotionalen Geste übrig geblieben ist. Der Künstler hat nicht modelliert, sondern das Werk angegriffen und uns seine Energie und eine zarte und parfümierte Struktur hinterlassen.

Es ist die Künstlerin selbst, die die Idee beschreibt, die die Arbeit inspiriert hat: „Mehrmals wurde mir gesagt, dass ich anfangen müsste, mit der Kunst weiterzumachen, zu lecken. Also habe ich versucht, meine Zunge direkt zu färben und zu versuchen, es auf meine beste Weise zu tun. Das Ergebnis ist eine Reihe farbenfroher Licks auf Leinwand. Sarkastisch, polychrom und gewalttätig ist das Werk das Ergebnis eines zynischen und einsichtsvollen Pragmatismus.

Masashi Echigo unternimmt meist lange Erkundungsspaziergänge an ihm unbekannten Orten und sammelt Gegenstände, Anregungen und Bilder, die ihm unterwegs begegnen. Sein künstlerisches Schaffen entstand aus diesen zufälligen Begegnungen. Tatsächlich sind seine Arbeiten Assemblagen aus ausrangierten Objekten, die verklärt zu einem konstruktiven Element der Mikroarchitektur werden, einer Metapher für die fragilen Beziehungen, die Menschen und Orte verbinden. Bei der hier ausgestellten Skulptur handelt es sich, wie der Titel schon sagt, wahrscheinlich um eine mündliche Erinnerung, einen Apologet, eine Geschichte, die der Künstler in der Nähe von Rom gesammelt hat.

Ein langer, spitzer Holzstab hält einen Gipskopf aus der Form eines Baumes und einige scharfe Nieten. Die Skulptur, Teil einer Werkgruppe, die bei einer Ausstellung in der Galerija Skuc in Ljubljana präsentiert wurde, ist von den musikalischen Darbietungen der Thrash-Metal-Gruppe Slayer inspiriert. Teils Urkeule, teils stacheliges Stilett, teils prophetischer Stab verweist das Objekt auf die liturgische Bildsprache musikalischer Rituale und erscheint ironischerweise gebrauchsfertig. Nur seine unwahrscheinliche Größe lässt vermuten, dass es sich um eine skulpturale Formalisierung handelt.

Die Arbeit ist eine Schaumgummiskulptur, die mit einem technischen Gewebe bedeckt ist. Die Muster der Beschichtung sind das Ergebnis des Scannens einer vom Künstler während des Akquisitionsprozesses bewegten Leinwand. Die resultierenden Bilder wurden dann digital verarbeitet, indem einige Farbflecken eliminiert, schließlich gedruckt und um eine Form herum genäht wurden. Das Endergebnis manifestiert die unterschiedlichen Übersetzungsebenen zwischen einem zweidimensionalen Bild und seiner phantasmatischen skulpturalen Prägung.

Auf dem Boden liegt eine große Menge weißer Nylonfäden. Leicht und organisch scheint die Skulptur von einer latenten Lebendigkeit durchzogen zu sein. Es scheint sich selbst zu bewegen, zu atmen oder eine andere Form anzunehmen. Aus einem anderen Blickwinkel ähnelt das fadenförmige Gewirr – das ein aufmerksamer Blick als ideale Ausdehnung einiger auf dem Boden platzierter Salzkristalle erkennt – den Bahnen einer Himmelsbahn. Wie auch immer Sie es sehen möchten, diese formlose und ruhelose Skulptur spricht zu uns von einer Gesamtzeit und Natur und von den möglichen Erscheinungen, die unsere Seele annehmen könnte.

Die Arbeit ist Teil der Serie Redefining the Power , in der der Künstler eine Reihe von luandesischen Performern porträtiert, die auf leeren Sockeln im Land posieren, ein Erbe der Monumente des Kolonialismus. Die Fotografien wurden aufgenommen, um die Perspektive einer Serie historischer Postkarten wiederzugeben, die zur Zeit der portugiesischen Besetzung im Umlauf waren. Die Statuen wurden nach der Unabhängigkeitserklärung Angolas entfernt und die Sockel sind seitdem leer geblieben. Während sich die Regierung für diese Unterstützung eine Zukunft ausmalt, hofft der Künstler auf eine soziale Evolution, die die neuen Generationen als Protagonisten sieht.

Das Skelett einer Schreibmaschine ist wie ein Basrelief dargestellt. Der Künstler hat alle Tonarten eliminiert, außer denen, die das Wort „Noise“ ausmachen. Alles in der Arbeit bezieht sich konzeptionell auf Musik. Das Wort wird wie die Schrift als reiner Klang präsentiert, noch bevor es Bedeutung hat. Ebenso wird die Schreibmaschine als skulpturales und rhythmisches Gerät ausgestellt.

Jessica Stockholder-Versammlungen neigen dazu, die Vertrautheit gewöhnlicher Objekte in Kunstwerke zu verwandeln. Die veränderten Beziehungen zwischen den Teilen und ein starkes Farbgefühl werden in Gemälden mit starkem Bildwert inszeniert. Was die hier ausgestellten Arbeiten betrifft, so laden die Artefakte des Künstlers, die den illusionistischen Raum nutzen, der durch die Komposition und den Wechsel der Oberflächen entsteht, zu einer Erfahrung von Fantasie und Fiktion ein.