Der Mailänder Maler, ein bekannter Künstler am Hof Kaiser Rudolfs II. von Habsburg, verdankt seine Berühmtheit vor allem seinen überraschenden „Kompositköpfen“ und „Wendebildern“, von denen diese Tafel eines der wichtigsten Zeugnisse ist. Der Ortolano stellt einen Becher voller Gemüse verschiedener Sorten dar, der sich um 180° gedreht in ein skurriles und rundliches Gesicht mit einem gemeinsamen Ton verwandelt. Das Werk mit deutlich nordischem Charakter weist enge Verbindungen zur Welt der Alchemie und Phytognomik von Giovan Battista Della Porta auf, wonach Pflanzen die Eigenschaft haben, die Störungen der Organe und Körperteile zu behandeln und zu heilen, die ihre gleichen Formen aufweisen oder Silhouetten.

Die Szene spielt auf eine Passage aus der Legenda maior von Bonaventura da Bagnoregio an, in der davon erzählt wird, wie Franziskus, der 1224 nach Monte della Verna zurückkehrte, das Evangelium dreimal wahllos aufschlug, immer zur Passionsgeschichte, und über das seine meditiert Endschicksal der totalen Gleichförmigkeit mit dem Martyrium Christi, das später zu den Stigmata führen wird, die hier eigentlich noch fehlen.

Die tiefe Verinnerlichung der Offenbarung, die durch die Anwesenheit des Kruzifixes betont wird, das die Seiten des Evangeliums zu verschließen scheint, enthüllt in der Cremoneser Malerei einige autobiografische Implikationen in Bezug auf die persönlichen Ereignisse des Malers. Tatsächlich war Caravaggio nach der Ermordung von Ranuccio Tomassoni (28. Mai 1606) einem obsessiven Verlangen nach Sühne ausgesetzt.

Bestätigt werden die neueren Hypothesen über die Beauftragung des Gemäldes durch Monsignore Benedetto Ala aus Cremona, Gouverneur von Rom von 1604 bis 1610 und mehrfach Beschützer von Caravaggio, durch den er vielleicht hoffte, die Aufhebung des Verbot Kapital.

Zur Stützung dieser These dient das Antlitz des Heiligen, in dem die Züge des Malers gut zu erkennen sind. Die Hypothese, dass er seinem Auftraggeber mit diesem Gemälde eine Art Bekenntnis seiner Gemütsverfassung und seiner Resignation für eine ungewisse und wenig hoffnungsvolle Zukunft anvertrauen wollte, wird daher immer suggestiver.

Der Bau der Garderobe wurde Platina 1477 in Auftrag gegeben. Gebildet von einem langgestreckten Baukörper, gespiegelt von einem zentralen Pilaster, besteht die Front aus drei übereinanderliegenden Reihen von je zehn Antelle, dreifigurig mit der angekündigten Madonna, dem verkündenden Engel, San Girolamo ( plus ein verlorenes, das jetzt durch ein 2007 aufgeführtes Sant'Omobono von Vincenzo Canuti ersetzt wurde), zwölf mit perspektivischen Ansichten von Cremona, Mantua, Padua und idealen Städten, die restlichen vierzehn mit musikalischen und liturgischen Instrumenten, Obstschalen, Stillleben. Gekennzeichnet durch ein starkes perspektivisches System, wechseln die verschiedenen Antelle die Vision tiefer urbaner Raumsysteme mit der Wirkung eines umgekehrten Teleskops, mit dem die Intarsien mit Stillleben gebaut sind, mit gefälschten Türen und vorspringenden Möbeln. Quellen zufolge wurde Giovanni Maria Platina 1455 in Mantua geboren und starb dort 1500; Es ist daher nicht verwunderlich, zwei berühmte Ansichten der Stadt der Gonzagas zu finden, obwohl es schwierig ist, eine genaue Übereinstimmung zwischen dem hölzernen Spiegel und der realen Topographie der Orte zu überprüfen. Abgesehen von einigen vom Künstler vorgenommenen Vereinfachungen zeigen die beiden Antelle Platinas direkte Kenntnis der städtischen Topographie von Mantua und sind ein seltenes bildliches Zeugnis davon im 15. Jahrhundert.

Der Autor behandelt das Dante-Thema des Endes von Ugolino della Gherardesca und seinen im Turm von Pisa eingesperrten Jungen. Er betitelte kleine und große Formate und gruppierte sie in zwei Erzählvarianten: eine, in der der Protagonist das Unglück mit heroischer Resignation begrüßt, und eine, die den Vers „Beide Hände für Schmerz beißt mich“ wörtlich illustrieren. Die in Cremona ausgestellte ist eine der Versionen der ersten ikonografischen Gruppe, neben der Leinwand, die Diotti für den Grafen Paolo Tosio gemalt hat (jetzt in den Städtischen Museen von Brescia) und die er in der Brera-Akademie ausstellte und von vielen Kritikern gewürdigt wurde. Er weicht davon ab für eine einfachere Lichtstudie und eine größere pathetische Aufladung aller Schauspieler. Insbesondere für den Kopf des Protagonisten mit langem Bart und schockiertem Ausdruck.

Das Altarbild, das für den Altar der Familie Pesci bestimmt war, wurde in einem Altarbild platziert, das vier weitere, jetzt verstreute Quadrate umfasste, die das Leben des Heiligen darstellen. Malossus in diesem Gemälde fängt den Moment ein, der der Enthauptung des Täufers unmittelbar vorausgeht, der seinen Blick nach oben richtet, wo ein Engel erscheint, kühn per Verkürzung dargestellt, der ihm die Kronen zeigt und die Palme des Martyriums hält. Das Pathos wird durch den dunklen Raum akzentuiert, der nur durch einen Blick auf göttliches Licht, eine Fackel und eine Laterne beleuchtet wird. Damit steht das Werk ganz in der Tradition der nächtlichen Vertonung, die in Antonio Campi ihren berühmtesten Vertreter aus Cremona und ein wesentliches Vorbild für Caravaggio hat.

Das Gemälde wurde 1642 für die Kirche von San Lorenzo angefertigt und ist zusammen mit anderen Gemälden, die von den Olivetanermönchen für dieselbe Abtei in Auftrag gegeben wurden, Teil des ersten öffentlichen Unternehmens, das dem Künstler in der Stadt anvertraut wurde. Die Geburt der Jungfrau wird nach der Geschichte der apokryphen Evangelien illustriert. Die Szene zeigt im Vordergrund das große Becken, das für das Bad des kleinen Mädchens bereit ist, hinter ihr die Magd, die darauf wartet, das Baby abzutrocknen. Rechts breitet eine zweite Magd ein Tuch vor dem Feuer aus und im Hintergrund, im Schatten, ruht Anna im Bett, während links Joachim herausschaut.

Das sakrale Ereignis wird durch Details des alltäglichen Lebens bereichert, fast häuslich; In diesem Gemälde beweist der Miradori, der gerade nach Cremona versetzt wurde, dass er in der Lage ist, die intimsten genuesischen Elemente seiner Ausbildung zu aktualisieren, dank eines Blicks auf das natürliche, das der lombardischen Malerei am nächsten kommt.

Das Gemälde entstand im Auftrag des Consorzio della Donna als Altarbild von San Giovanni Battista in der Kirche San Mattia. Die Gestalt des Täufers, im Profil im Zentrum der Szene und auf einer Anhöhe, erhält einen besonderen ikonischen Wert und wird zum Blickfang in Bezug auf die ringsum versammelte Menge. Unter den Umstehenden stechen die Rückenfigur mit rotem Umhang und der Mann mit Turban im Vordergrund hervor, die den Betrachter in die Szenerie einzuladen scheinen: Beide haben der Campesca-Kultur und insbesondere Antonio viel zu verdanken Ghidoni ist ein Schüler.

Das Porträt zeigt Giovanni Beltrami (1770-1854) im Moment des größten Arbeitserfolgs als Graveur von Kameen und Edelsteinen, dabei, ein Beispiel seiner Produktion zu zeigen: ein Tondo mit geschnitzten Profilen, das den kommerziellsten Teil seiner ausmachte Produktion. Giovanni Beltrami in diesem Porträt vermittelt Zuversicht und Bewusstsein für die erzielten Ergebnisse. Das Werk drückt ein perfektes Verständnis zwischen dem Maler und seinem maßgeblichen Modell aus, ein Bezugspunkt für eine Generation von Künstlern und für Carnovali selbst. Das von den Jahren gezeichnete Gesicht des Porträts vermittelt den Eindruck eines Mannes in den Sechzigern. Die Wirkung überraschender Wahrheit, die der Piccio erzielt, der die Familienphysiognomie seines berühmten Freundes festhält und fast nervös mit dem Pinsel meißelt, koexistiert mit einem betont feierlichen Ton.

Auf diesem Gemälde ist der vierjährige Bruder dargestellt, der in Begleitung eines großen Hundes dargestellt wird und dabei ist, ein Blatt Papier mit Worten hochzuhalten, die von väterlicher Zuneigung inspiriert sind (Vater, der an meiner Bildung teilgenommen hat, nimm mich oder durch Kunst reformiert).

Als dritter Sohn des Grafen Niccolò, der ihm den Vorzug geben musste, war Sigismondo zweifellos der brillanteste der Brüder Ponzone: leidenschaftlicher Musikliebhaber, versiert im Fechten, heiratete er eine Gonzaga und erbte nach dem frühen Tod seines zweitgeborenen Bruders Federico die Grafentitel und das Erbe der Ponzoni . Zu Beginn des 18. Jahrhunderts fusionieren die Grafen von Ponzone durch die Heirat von Sigismondos Tochter Beatrice mit Giovan Francesco Ala mit den Marquisen von Ala, die den doppelten Nachnamen erhalten und den Titel eines Grafen an ihren eigenen anhängen.

Es ist eines der Werke, das am besten die Aufmerksamkeit widerspiegelt, die der jüngste Nachkomme der Campesca-Dynastie der Malerei der Realität widmet. In diesem Gemälde beschreibt er die Details des Alltagslebens des Bauern. Das Gemälde zeigt den Umzug, den die Arbeiter aufgrund des Auslaufens ihres Vertrages von einem Bauernhaus zum anderen durchführen mussten. Obwohl dieser Brauch, der mit dem Fest von San Martino verbunden ist, das am 11. November gefeiert wird, bis in die Mitte des letzten Jahrhunderts in der Landschaft der Poebene verwurzelt ist, stellt er ein ikonografisches Thema dar, das in anderen italienischen und ausländischen sechzehnten Jahrhunderten beispiellos ist funktioniert.

Die Stadt wird vom Piacenza-Ufer des Po in ihrer ganzen Entwicklung von Westen nach Osten gesehen, so dass ihre wichtigsten Denkmäler hervorgehoben werden. Insbesondere sind von links zu sehen: der Glockenturm und der Giebel der Fassade von Sant'Agostino, die Kirche Santa Lucia mit ihrem alten Turm, der Hauptteil des Jesuitenkollegs mit der Kirche und dem Glockenturm von San Marcellino, der Turm von San Domenico, das Kloster mit Kirche und Glockenturm von San Pietro al Po, die Türme des Palazzo del Comune, der Torrazzo und die Kathedrale und schließlich, etwas isolierter rechts, der Glockenturm von San Michele, der romantischer Turm des Palazzo Mina Bolzesi und zwei Glockentürme von Sant'Imerio und della Maddalena. Die fragliche Ansicht muss große Berühmtheit erlangt haben, da es mehrere mehr oder weniger unterschiedliche Versionen davon gibt.