Tra i più interessanti oggetti della collezione Chini troviamo l’Elmo corinzio della seconda metà del VI a.C., realizzato in bronzo fuso e decorato a incisione. L’opera per forma e decorazioni si può ricollegare all’area apula: proviene probabilmente dalla zona di Gioia del Colle, in cui si era insidiato un ceto guerriero aristocratico a partire dall’età arcaica. Si può osservare una ricca e raffinata decorazione che segue la fattura dell’intero oggetto: un tratto marcato per rappresentare sopracciglia e bordi, uno molto più fine per gli altri elementi figurativi.

La Fuga in Egitto fu commissionata a Jacopo Da Ponte dal rettore della chiesa bassanese di San Girolamo. La tela costituisce la prima redazione di un soggetto replicato più volte dall’artista e qui ripreso nel momento successivo all’apparire in sogno a San Giuseppe dell’angelo annunciante il volere divino. La Sacra Famiglia fugge dalla furia omicida di Erode immersa in un’alba diaccia, accompagnata da tre pastori con le provviste. Il fascino è racchiuso nell’ampio paesaggio con il melo al centro dietro la Vergine, il ciliegio e il querciolo a sinistra, i fiori in primo piano, esaltati nel loro potere simbolico di preludio all’incarnazione di Cristo. Il fascino del dipinto, acclamato da tutta la letteratura, sta nell’essenzialità del racconto e nella cristallina purezza della luce, che dal retro illumina i personaggi.

La tavola della Madonna col Bambino proviene dal monastero bassanese dedicato a Santa Maria della Misericordia, poi nel Seicento alla Beata Giovanna Bonomo. Michele Giambono, allievo di Jacobello del Fiore, fu tra i più vivi interpreti in Veneto della lezione di Gentile da Fabriano. Il fondo oro, dal quale emerge in maniera evidente la tipica preparazione a bolo rossastra, non preclude alla Madonna col Bambino di comunicare all’osservatore uno spirito d’intima naturalezza avvertibile nel gioco delle mani, nel colore vivo degli incarnati, ma soprattutto nell’intenso scambio di sguardi tra madre e figlio.

Dipinta a tempera su tavola prima del 1332 per la vicina chiesa di San Francesco, la grande croce stazionale di Guariento di Arpo venne commissionata dalla nobildonna Bona Maria dei Buvolini. La donna è rappresentata ai piedi della croce in atteggiamento orante: l’iscrizione la paragona ad Elena, madre dell’imperatore Costantino che ritrovò la vera croce di Cristo. L’opera è tra le pochissime dell’artista ad essere firmata “Guarientus pinxit” ai piedi della croce. Modello è la croce giottesca della Cappella degli Scrovegni cui l’artista guarda nel primo periodo della sua attività.

L’opera venne realizzata per l’altare della famiglia Testa di San Giovanni, nella chiesa di San Francesco a Bassano. La figura del Battista, la testa riversa all’indietro, il torace proiettato in avanti, nasce da una combinazione di angolazioni diverse che presuppone il confronto con le soluzioni importate a Venezia da Paolo Veronese nella decorazione dei soffitti. Veronesiano è anche l’impianto del paesaggio, dove le raffinate variazioni di bruni dei tronchi e delle rocce si saldano all’azzurro freddo, striato di bianco del cielo con un sapiente effetto decorativo tutto di superficie, insolito per il Bassano.

La scena è impaginata tra due quinte di ruderi architettonici, con il caratteristico tetto di stoppe, oltre le quali si apre il paesaggio intonato su una luce fredda. Il punto di vista ribassato coglie da vicino il sacro evento: la Vergine è raffigurata nell’atto di scoprire il Bambino che dorme rannicchiato. A sinistra, dietro San Giuseppe assopito, assistono i santi Vittore e Corona, compatroni della chiesa di San Giuseppe, e si affaccia una terza figura, sicuramente un ritratto per le evidenti caratteristiche fisionomiche. A destra il gruppo dei pastori con i loro animali, copiati dal vero quotidiano. La luce proveniente dallo squarcio nel cielo, in cui si librano in volo gli angioletti, e dal nuvoloso orizzonte unifica la composizione conferendo un senso di classica solennità.

Questo dipinto fu realizzato per la chiesa di Santa Caterina a Bassano. San Martino compare nell’iconografia tradizionale con il povero in primo piano con le spalle rivolte allo spettatore. Il santo, raffigurato con la corazza e in sella ad un destriero dalla criniera imbiancata dalla luce, sta donando un mantello al povero. Sul fondo della tela si apre in lontananza uno squarcio luminoso rossastro sopra il Golgota con le tre croci, mentre l’angolo a sinistra in basso è occupato dalla figura di sant’Antonio abate, con il grande libro della regola sulle ginocchia, un altro libro, delle fiamme e un maiale ai piedi.

Oltre a quello della Maddalena penitente, il Museo Civico di Bassano del Grappa custodisce il prezioso bozzetto delle Tre Grazie. Il piccolo gruppo scultoreo del 1812, alto circa 25 centimetri, rivela in più punti le impronte digitali del maestro, oggi conservato in una teca di massima sicurezza e mai uscito dai Musei Civici di Bassano, se non per una breve mostra realizzata a Possagno, nello stesso anno in cui fu acquistato, nel 2003. Nel bozzetto l’artista sperimenta una relazione molto diversa fra i tre corpi delle Grazie rispetto al modello esecutivo delle versioni in marmo.

Nel 1799 i francesi trasferirono a Parigi, tra le molte opere d’arte italiane, anche la Venere Medicea degli Uffizi, copia romana dell'Afrodite Cnidia di Prassitele. Antonio Canova venne così incaricato di eseguire una copia dell’opera da porre in sostituzione dell’originale. Nel salone del Museo Civico di Bassano del Grappa è conservato il modello in gesso. La Venere Italica, realizzata nel 1812, venne scolpita in marmo con apposta l’iscrizione “sottratta dall’Imperatore”, e collocata all’interno della Galleria degli Uffizi di Firenze.

Il Museo Civico di Bassano del Grappa conserva due dei cinque gessi realizzati da Antonio Canova per la scultura della Maddalena penitente oltre che un disegno della stessa e il prezioso bozzetto in terracotta. La santa è rappresentata in ginocchio per terra, con il capo reclinato sul petto verso la spalla sinistra, le braccia tese e la schiena inarcata in avanti mentre implora per la propria redenzione, lo sguardo affranto concentrato sui palmi delle mani aperte destinate ad accogliere una croce. La postura ricurva e il gesto implorante illustrano la fragilità psicologica del personaggio. Accanto alla donna un teschio richiama alla vanità terrena che l’ha ridotta in questo stato compassionevole, da cui ora cerca di riscattarsi attraverso la preghiera. Il calco in gesso rappresenta modello preparatorio per la statua di marmo che Canova originariamente pensava di vendere al conte Tiberio Roberti di Bassano del Grappa.

In questo monocromo, che riprende una tempera conservata a Possagno, il tema della danza si sviluppa a fregio. L'artista elimina il sottile lembo di terreno che nella tempera funge da piano di posa, sospendendo le danzatrici nell'aria. La composizione è elegante e altamente decorativa. Le fluttuanti vesti di velo conferiscono alle danzatrici una lievità di farfalle, evidenziando le slanciate forme corporee.

Il cospicuo patrimonio canoviano conservato presso il Museo Civico di Bassano del Grappa si completa con 10 album da disegno di grande formato e 8 taccuini di dimensioni più contenute per un totale di 1890 fogli di straordinario valore artistico. Tra questi, l’Album EB conserva il preziosissimo schizzo della celebre scultura di Amore e Psiche. Il disegno a matita grassa già testimonia la sapienza compositiva che Canova avrebbe poi tradotto in marmo, con i corpi delle due figure che si incrociano in due morbide diagonali donando equilibrio alla composizione.

La grande testa esposta nel salone canoviano del Museo Civico, restaurata nel 2004, è uno dei tanti frammenti del Cavallo colossale pervenuto a Bassano nella metà dell’Ottocento grazie al lascito testamentario del fratello acquisito di Antonio Canova, Monsignor Giovanni Battista Sartori Canova. Sezionato nel 1968 e conservato da allora in deposito, il colosso è stato protagonista e punto di partenza di Atelier Canova, progetto avviato nel 2016 dai Musei Civici in collaborazione con Factum Foundation, che ha reso finalmente accessibile al pubblico una parte importante del patrimonio cittadino: il restauro virtuale del Cavallo colossale, la realizzazione del facsimile di due album da disegno e del bozzetto in terracotta delle Tre Grazie. Gli esiti di queste ricerche hanno dato vita ad Antonio Canova. Atelier, volume edito da Marsilio a cura di Chiara Casarin in collaborazione con Adam Lowe.

Il dipinto pone in risalto la figura femminile che qui è sia artista che soggetto pittorico. Alla prima versione dell’opera, eseguita dall’artista nel 1610 all'età di 17 anni, che ora rientra nella Collezione Graf von Schönborn di Pommersfelden in Germania, seguì nel 1622 quella appartenente alla collezione inglese di Burgley House, quella databile al 1649 della Moravska Galerie di Brno e quella pervenuta al Museo Civico di Bassano nel 1973 grazie al lascito di Mary Dirouhi Megrditchran vedova Agostinelli. Recenti approfondimenti precisano la realizzazione del dipinto nell'atelier napoletano di Artemisia intorno al 1650.

Si tratta di un prezioso bozzetto giovanile non finito, dove emerge con grande evidenza la preparazione a bolo rosso utilizzata dall’artista tipica dell’arte veneziana del Settecento. Lo spirito classico ripreso da Paolo Veronese e il contrasto chiaroscurale di matrice piazzettesca confermano per l’opera una datazione al periodo “tenebroso” di Tiepolo, databile intorno al 1725, non lontana dalla decorazione di Palazzo Sandi a Venezia.

L’opera si presenta come uno dei capolavori di Magnasco. All’interno di un enorme edificio a tre navate è in svolgimento un affollato e sontuoso banchetto di frati. La scena è vista secondo un punto di vista rialzato, a volo d’uccello. Nella navata centrale, i frati, minuscoli rispetto alla architettura grandiosa, si dispongono lungo tre grandi file di tavolate che si sviluppano in profondità e convergono prospetticamente verso il fondo.

Il soggetto è Francesco Roberti, figlio del conte Tiberio e fratello del più noto Roberto Roberti. Le dimensioni del ritratto e la rapida e magra stesura lo rendono adatto ad un ambiente famigliare. Benchè si tratti di un’opera giovanile del maestro legata all’esperienza veneziana e romana, dove conosce l’ambiente canoviano ed entra in contatto con i conti Roberti, il ritratto colpisce per la sicura immediatezza, la capacità comunicativa e di introspezione del soggetto.

Bortolo Sacchi fu un esponente di spicco della corrente veneta del realismo magico nella sua declinazione legata all’ambiente di Ca’ Pesaro, luogo di incontro dei pittori della sua generazione; la sua pittura risente anche dell’influsso dell’espressionismo tedesco per la sua formazione all’Accademia di Monaco. In questa particolare interpretazione del tema della figura ambientata, esposto alla Biennale Internazionale d’Arte della Città di Venezia del 1928, si ritrovano i cardini della sua pittura: il mistero di un tempo sospeso, l’inquietudine data da uno strano silenzio che pervade lo spazio, lo studio dei volumi e dei particolari.