SCÉNARIOS D'UNE JOURNÉE
Kazuto Takegami

Name: SCÉNARIOS D'UNE JOURNÉE
Start: 2022-11-17 00:00:00
End: 2022-12-18 00:00:00
Location: Manifeste blanc

Manifeste blanc

Milan, Lombardie, Italie

L'exposition

Il y a des moments qui peuvent être immortalisés dans l'éternité et transformés en infini ; d'innombrables scénarios d'une journée, se déroulant n'importe où ou nulle part. Être là à cet instant, à toujours. Écouter, voir et surtout « entendre », se souvenir et s'abstraire à la fois : un souffle de vent, le bruissement des feuilles, le déferlement des vagues, le souffle de la forêt.

L'encre de Chine glisse sur la peinture à l'huile, se confond avec elle, crée des suggestions et s'estompe. Tempera définit et perfectionne ce dialogue plongé dans un environnement fluide.

L'exposition personnelle de Kazuto Takegami au Manifiesto Blanco est structurée en un parcours d'exposition articulé qui comprend une dizaine d'œuvres inédites installées au mur, composées principalement en diptyques et réalisées à l'huile, à la détrempe et à l'encre de Chine, la technique mixte qui caractérise le plus les œuvres d'artiste Toile. La verrière surplombant la via Benedetto Marcello est aménagée, pour l'occasion, sous la forme d'un shoji traditionnel japonais, décoré de dessins à l'encre de chine et de pigments naturels. Enfin, quelques dessins à l'encre sur papier complètent l'exposition. Pour l'occasion, la galerie devient ainsi un espace fluctuant et changeant, peuplé de paysages marins et de parcelles sylvestres, qui enveloppent les sens et accompagnent le visiteur dans les scénarios doux et mélancoliques de brefs instants rendus éternels par l'art pictural de Takegami.

Diplômé de la Musashino Art University de Tokyo, Kazuto Takegami travaille comme professeur d'art pendant quelques années. A cette époque, il décide de consacrer sa vie à la peinture. En 1998, il arrive en Italie grâce à une bourse à l'Académie des Beaux-Arts de Brera à Milan, la ville où il vit et travaille. C'est dans le contexte italien et européen qu'il perfectionne la peinture à l'huile qu'il affectionne tant. L'éloignement du Japon lui permet également de redécouvrir ses origines, l'amenant à approfondir certaines techniques traditionnelles comme la peinture à l'encre de chine. Il compte de nombreuses expositions individuelles et collectives, notamment en Italie, ainsi qu'en Europe et au Japon.

Mot à l'artiste : Kazuto Takegami

Notes explicatives sur l'exposition

L'exposition est composée d' éléments en dialogue les uns avec les autres , dans une atmosphère de temps suspendu…

Il y a tout d'abord deux sections : la première, verticale , est consacrée aux arbres et en particulier aux branches et à leurs formes qui créent en moi des suggestions particulières. La seconde, horizontale , est une ode à la mer et au regard qui se perd au-delà de l'horizon. Les arbres et l'océan nous aident à comprendre à quel point nos espaces de vie sont sacrés et à penser l'émerveillement et l'émerveillement dans la simplicité : ils sont éternels, mais changeants et complexes, et je me sens très proche d'eux.

J'ai toujours beaucoup apprécié la forme du diptyque qui, symbolisant deux parties d'une même histoire, permet de focaliser l'attention à la fois sur l'ensemble et sur chaque toile individuelle qui compose l'œuvre. Un dialogue se crée entre les deux éléments et, même s'ils paraissent séparés, ils forment un tout, se complétant.

L'actualité du récent conflit en Ukraine a suggéré un autre sens à la forme du diptyque : celui d'un monde où les différences peuvent être valorisées mais aussi coexister harmonieusement. La séparation des deux toiles n'est donc pas une division, mais une ligne, presque une cicatrice, que j'aimerais coudre ensemble pour profiter de la beauté de l'union des deux parties.

Dans la plupart des œuvres exposées, j'ai inséré des éléments humains dans les paysages. Ce sont presque toujours des personnages de dos, représentant "l'un de nous à ce moment-là". Ce qui m'intéresse, c'est de capturer cet instant dans une dimension intemporelle.

Le noir , le blanc et la gamme de gris sont pour moi un moyen d'entrer dans le monde de l'âme et de la mémoire , et j'utilise ces couleurs dans plusieurs de mes œuvres. Les couleurs qui caractérisent cette exposition qui est la mienne sont posées sur des couches également peintes à l'encre de Chine, et donc des traces de gris, de souvenirs antérieurs, subsistent.

L'utilisation de la couleur , que cette fois j'ai davantage utilisée, m'aide à me relier au moment présent et à l'actualité. Dans les situations tristes ou compliquées, l'émerveillement renouvelé que je retrouve dans la simplicité du paysage me console et me restaure : c'est comme si un ange passait. Dans cette exposition, j'ai essayé d'exprimer ces émotions en réinterprétant les couleurs naturelles du paysage.

Techniquement , en plus de mélanger l'huile et l'encre (les éléments qui "disputent" entre eux étant l'huile et l'eau) - une méthode déjà connue de mon public et très appréciée et utilisée par moi - la peinture à la détrempe apparaît. J'ai récemment approfondi l'étude des techniques mixtes de certains peintres de la Renaissance et d'autres plus modernes, comme Fujita Tsuguharu. L'utilisation du jaune d'œuf – le liant par excellence de la peinture à la détrempe – est pour moi très excitante, car elle me rapproche de nombreux peintres que je respecte et admire, me permettant une plus grande profondeur expressive. Par l'imbrication et le mélange de ces « ingrédients », j'aimerais pouvoir créer dans mes toiles une sensation enveloppante, où l'on ressent le « poids » des choses. De cette façon, je voudrais créer un pont entre la peinture orientale, traditionnellement plate, et la peinture occidentale, caractérisée par la perspective monoculaire et la profondeur de champ.