L'art des techniques mixtes d'Albert Niemeyer représente souvent des personnages et des événements historiques. Cette pièce particulière est un commentaire sur le côté commercial de la société américaine en général et plus particulièrement sur l'influence du pop-art. Un donut fait office d'auréole au-dessus du portrait d'Andy Warhol qui est bien sûr l'incarnation du pop-art. Vous pouvez également voir une marionnette âne déformée. Cela commente le système démocratique (le Parti démocrate a un âne dans son drapeau) qui est en soi loin d'être parfait et fortement soutenu par les grandes entreprises. D'où le chiffre Michelin. Sur la droite, on trouve une référence aux Oscars sous la forme d'une marionnette dorée qui est également loin d'être parfaite. Sur le bord droit et inférieur, vous pouvez voir un fragment d'un livre écrit par Warhol : De A à B et vice-versa.

Une des premières œuvres de cet artiste hollandais bien connu et polyvalent. Ce tableau fait partie d'une série de grands tableaux bleus. L'exposition originale du début des années 1980 a attiré beaucoup d'attention. L'ancienne reine Juliana des Pays-Bas a visité l'exposition et a été sensiblement impressionnée. Le sujet de la série est la tentation et l'amour perdu. Deux contraires dans une œuvre d'art. Ce tableau était un don au musée par un collectionneur privé.

Ad Arma est également connu pour ses peintures abstraites, ses gravures, ses sculptures en céramique et ses objets en verre. Il travaille la nuit pour éviter les distractions. Il a remporté le titre d'artiste néerlandais de l'année en 2007 et a été honoré du titre d'artiste brillant 2022, un titre honorifique pour les artistes néerlandais.

Avant d'entrer dans le musée, vous verrez trois sculptures. L'un d'eux est Siro de Geert Verstappen. Il se compose de quelques formes et formes de base comme un triangle, un disque et une fraction de sphère. Le nom fait référence à l'histoire et aux mythes grecs et romains. Ce nom correspond bien à la structure robuste. La plupart des œuvres de cet artiste sont faites de matériaux robustes comme le bronze et l'acier bien qu'il utilise parfois la combinaison du verre et de l'aluminium pour créer une image plus fragile et transparente.

Toutes les œuvres de Geert Verstappen montrent à la fois un sens de la perfection et de l'imperfection. Ce qui est perçu comme parfait sous un certain angle peut sembler imparfait sous un autre angle. La tension entre les deux rend ces sculptures passionnantes et d'une qualité éternelle.

Les peintures abstraites de Gerard te Wierik montrent son amour pour les dessins. Son éducation graphique transparaît dans chaque œuvre. Son inspiration vient de la nature et de peintres célèbres comme Jackson Pollock et Vincent van Gogh. Cette inspiration se traduit par des résumés fortement superposés avec beaucoup de profondeur et une dynamique intrigante. Sa série "Movements" se compose à la fois de peintures monumentales et de petites peintures qui sont essentiellement des images fixes de mouvements de la nature, comme - par exemple - de l'herbe ondulant. Ces images fixes sont une réaction contre la société numérique trépidante qui ne s'arrête jamais. Ses œuvres détournent l'attention des spectateurs vers la nature, où l'on peut expérimenter la sérénité, la méditation et la contemplation.

Cette « ancêtre » est un bel exemple du savoir-faire de Hans Janssen. Le corps en grès de la sculpture est recouvert de diverses poudres métalliques qui ont été aspergées d'ammoniac et d'acide chlorhydrique. Un processus expérimental avec une apparence belle et distincte. La coiffe de verre donne à la figure dignité et statut. Son inspiration vient des cultures anciennes, de la science-fiction et de l'occulte. Hans Janssen a toujours suivi sa propre voie, sans aucun compromis commercial. Ses techniques sont en grande partie autodidactes et le résultat de nombreuses années d'expérimentation. Les développements récents sont des peintures sur verre interactives et des sculptures murales.

Les peintures de Jacques Tange sont colorées, humoristiques, ludiques et souvent insolentes. Il y a toujours plus qu'il n'y paraît et il y a souvent des messages cachés. L'artiste ne fait presque jamais de portraits de personnes spécifiques mais plutôt des commentaires sur les personnes et la société en général. Ses peintures racontent une histoire et jouent avec notre sens de la réalité. Les chats ont des visages humains, les chevaux ont des roues pour les sabots et les poissons peuvent être des animaux câlins. Les femmes que Jacques Tange dépeint sont des individus forts. Cette peinture particulière concerne le père des artistes, qui était capitaine en mer. Les lettres à sa femme le rapprochaient d'elle plus qu'il ne l'était réellement. Il y a du symbolisme dans chaque détail ; la veste, le motif du canapé, la vue par la fenêtre et le verre de vin. Vous pouvez difficilement mettre une étiquette sur le travail de Tange, il se suffit à lui-même.

Jan van Lokhorst a décollé là où le mouvement COBRA s'est terminé. Ses peintures semi-abstraites expressives montrent une énergie brute. Le plus frappant est son utilisation de la couleur et les lignes épaisses qui forment des figures. Les couleurs et les lignes sont choisies intuitivement et émotionnellement. Van Lokhorst est un pur sang expressionniste. Il apprécie vraiment les matériaux avec lesquels il travaille : la peinture - souvent directement sortie du tube - appliquée au couteau ou à mains nues.

Ce tableau montre des jongleurs en train de jouer. On peut distinguer certaines figures humaines et parties du corps séparées. Les lignes dessinées intuitivement, suggèrent le mouvement et le jeu. C'est exactement ce qui rend les peintures de Jan van Lokhorst si attrayantes. L'énergie et l'espièglerie ne s'estompent jamais. D'autres sujets pour ses peintures sont les paysages de France, les animaux d'Afrique et les musiciens.  

La première chose que l'on remarque dans l'œuvre de Johan Abeling, c'est le mystère. L'atmosphère de ses paysages désolés est presque irréelle. L'artiste est considéré comme un réaliste nordique ; un terme pour les peintres réalistes du nord des Pays-Bas. Son sujet est les paysages du nord des Pays-Bas, souvent avec un arbre dénudé, une villa abandonnée ou juste une petite partie d'une clôture délabrée ou d'un poste frontière. Il utilise la réalité comme source d'inspiration pour son propre monde mystique. Ses peintures semblent avoir leur propre personnalité et leur propre histoire. Vous pouvez également considérer ses peintures comme des points de repos dans une société trépidante. Johan Abeling est un maître dans l'utilisation du sfumato, une technique pour créer une lumière diffuse et filtrée. En appliquant plusieurs couches transparentes, il adoucit la transition entre les couleurs et les formes, créant des images oniriques.

Images du cœur; c'est ainsi que Margot Homan décrit ses propres sculptures. Elle ne travaille pas avec des modèles, mais puise dans sa propre connaissance de l'anatomie humaine pour créer des sculptures avec une personnalité propre. Le ne représente pas un homme ou une femme, mais plutôt des hommes et des femmes en tant que concept. Cette « femme » forte fait preuve de confiance et d'estime. Qui a besoin d'ailes ? Cette femme est déjà libre. Margot Homan conçoit son travail dans son atelier aux Pays-Bas. La coulée du bronze ou la sculpture du marbre se fait en Italie. De cette façon, elle combine deux mondes et leurs différences culturelles pour offrir une source d'inspiration inépuisable. Son travail est raffiné de manière classique avec des références historiques et un attrait intemporel.

Après un grave accident de voiture, Peter van Oostzanen a perdu pendant un certain temps sa connexion avec le temps et l'espace. Il a eu les visions les plus étranges. Cette période est le point de départ de ses peintures réalistes surréalistes et magiques. Il combine des images décontractées avec des émotions profondes et un pur plaisir. Le titre de ce tableau se traduit par « fait voler », mais aussi par « s'envoler ». Elle montre deux oiseaux incapables de voler – ils sont morts – et une jeune femme vulnérable et sans la protection directe de son foyer parental. Les plumes du pigeon symbolisent la féminité et l'esprit de la vie.

Peter van Oostzanen est à la fois un peintre doué et un conteur. Il y a toujours beaucoup plus dans ses peintures que ce que vous voyez au premier coup d'œil. Ses techniques sont les mêmes que celles de nombreux maîtres néerlandais. Après le peintre initial, suivez de nombreuses couches pour créer de la profondeur et de la vivacité.

Après avoir commencé sa carrière de peintre abstrait, il passe peu de temps après au réalisme. Il s'est d'abord concentré sur les nus. Ses premières peintures réalistes étaient des pochettes d'albums pour le groupe néerlandais nommé Flairck, qui est devenu internationalement connu. C'était à la fin des années 1970. Il a commencé à incorporer d'autres éléments dans son travail, comme la musique (évidemment), le théâtre, les cultures étrangères et les animaux. Ses nombreux voyages sont devenus une source d'inspiration. Il réalise une série de tableaux sous le nom de "carnaval des animeaux", utilisant un animal différent pour chaque tableau. En 2013, un an avant son décès prématuré, il a réalisé cette lithographie en pierre de presque tous les animaux qu'il ait jamais peints. Il était un maître dans l'art de la lithographie en utilisant des détails incroyables et une coloration complexe. Musiom a l'intention et de garder vivante la mémoire de cet artiste remarquable en exposant son travail et en transmettant l'histoire de sa vie.

Les sculptures de Sjaak Smetsers sont comme des personnages d'un livre de fables. Ils ont une personnalité à la manière d'un humain. En règle générale, il utilise une combinaison de verre et de plusieurs métaux comme le cuivre et le bronze. Les têtes d'oiseaux et les pieds humains sont des marques de fabrique. Sa fascination pour les oiseaux et la nature en général a commencé dès son plus jeune âge lorsque son père l'emmenait souvent observer les oiseaux. Il est facile d'aimer ces œuvres d'art sympathiques, mais il y a toujours plus que ce à quoi vous pourriez vous attendre. La plupart de ses créatures ont deux yeux de chaque côté de leur tête. Cela suggère qu'ils peuvent montrer plus d'un visage, tout comme vous les humains. Cette sculpture a deux mains humaines jointes en prière, ou est-ce une salutation ? Ils peuvent être rangés derrière des portes à l'intérieur d'un petit compartiment à l'intérieur du corps en verre. Ils peuvent réapparaître en toute occasion. Le geste est-il sincère ? Nous ne saurons jamais. Ce que nous savons, c'est qu'il fait sourire de nombreux visiteurs du musée.

Theo Koster est spécialisé dans les paysages. Au début de sa carrière, les paysages étaient très graphiques et remplis de symboles. Au fil des ans, ils sont devenus plus impressionnistes et texturés. Il utilise des matériaux et des médiums pour créer des effets. Ses ciels sont une réaction presque chimique entre la peinture et d'autres matériaux, suggérant souvent du gros temps. Les paysages eux-mêmes sont pleins de profondeur et contiennent très peu d'éléments comme des arbres ou des maisons. Theo Koster trouve son inspiration en faisant de longues promenades avec son chien. La campagne néerlandaise rurale est assez plate et parfois loin d'être passionnante, mais les interprétations de l'artiste sont vives et passionnantes. Cette peinture particulière est la préférée des visiteurs et est souvent exposée dans le musée.

Theo Koster est un artiste tourné vers l'international. Il travaille en France puis en Inde et participe à des expositions dans le monde entier.

Hans van Horck (vanhorck) est l'un des initiateurs de Musiom et artiste permanent en résidence. Il a commencé comme aquarelliste en faisant principalement des portraits et des nus. Au cours des années 1980, son travail devient plus abstrait et il commence à travailler avec de la peinture acrylique. Il est resté aux États-Unis pendant une longue période où les nombreux paysages différents sont devenus sa principale inspiration. Cette peinture a été inspirée par le lac Michigan et l'une des nombreuses qu'il a réalisées pendant son séjour. Aujourd'hui, les paysages nord-américains constituent une importante source d'inspiration. Outre les paysages abstraits, Vanhorck est connu pour ses peintures avec des symboles d'anciens mythes et de cultures anciennes.

L'atelier de l'artiste peut être visité lors d'une visite à Musiom. Vous ne le trouverez jamais au travail, car les visiteurs sont une distraction du processus de création, mais tout le monde est le bienvenu pour jeter un coup d'œil dans le monde de l'artiste. Il a toujours été un artiste très productif et son travail se retrouve dans de nombreuses collections privées et corporatives.

Récipients en verre, objets moulés ouverts, bijoux ; Willem van Oijen est polyvalent et hautement qualifié dans l'art du verre. La surface de chacun des objets qu'il crée, qu'il soit soufflé ou coulé - un panneau plat ou un bloc, est pénétrée et remodelée par le sablage en relief profond - le découpage à la meule - le meulage - la gravure - l'eau-forte et le polissage. En ajoutant d'autres matériaux à l'objet comme l'acier bronze ou le bois en combinaison avec le composant en verre, il accentue la transparence et la fragilité du verre. Un aspect important de son travail est qu'il crée une interaction entre des contraires dans la façon dont la surface d'un objet est travaillée, l'utilisation de la couleur, la différence d'éclat des matériaux utilisés, le concept et le design. L'utilisation des contrastes crée une tension dans son travail, une tension soigneusement équilibrée, aboutissant par conséquent à des objets d'art homogènes mais forts.

L'artiste a reçu son éducation de son père, Willem van Oijen sr., qui était un artiste verrier, peintre et sculpteur renommé dans l'après-guerre. Vous pouvez dire à juste titre que Willem van Oijen jr. est né et a grandi avec du verre.