L'œuvre est constituée d'un coffret en bois peint et doré qui contient une sculpture de l'ange gardien en train de protéger un enfant. L'objet constitue un autel domestique dont la présence dans les maisons des Marches était très fréquente.

Le travail de la production locale de la seconde moitié du siècle. XVIII a l'avantage d'avoir été conservé dans son intégralité formelle et de constituer un exemple de haute facture artistique où des éléments de transformation plastique sont associés à d'autres d'intérêt ébéniste plus marqué. Le niveau atteint par les ateliers locaux sur la façade de ciselure et de modelage est bien documenté par l'élégance du buffet qui présente des éléments décoratifs en relief de différentes qualifications formelles avec un développement de rinceaux dans la margelle et un ruban dans les montants avec le motif de la pomme de pin inversée et du gland en forme de gland. La même élégance raffinée se manifeste dans la figurine d'ange.

L'œuvre est une réplique ancienne de la peinture similaire de Guercino aujourd'hui conservée en Angleterre à Corsham Court. La toile, d'excellente qualité, traite d'un sujet dévotionnel assez répandu dans le climat de la Contre-Réforme tardive visant à solliciter la méditation sur le thème de la passion purgée des excès du pathétique. Le côté culturel est celui classiciste de l'école bolognaise de la seconde moitié du siècle.

Dans la peinture de Jesi, la concentration des éléments de composition est soutenue par l'utilisation fortement contrastée des éléments lumineux, aujourd'hui non pleinement révélés, qui rehaussent l'éclat de la chair très blanche de l'enfant émergeant d'un fond sombre et dramatique. Tandis que la lumière du premier plan coupe transversalement la figure principale par le haut, une lumière aurorale frappe le paysage d'arrière-plan et définit les contours de la ville à tourelles surplombant une étendue d'eau qui réverbère sa lueur rougeâtre.

A gauche du tableau, une représentation insolite du globe terrestre éclaire l'hypothèse théologique de l'image, visant à suggérer l'effet régénérant des deux actions sacramentelles de la Passion, auxquelles la croix et les clous font allusion, et du Baptême éclipsé par le cours de la rivière en arrière-plan.

L'Enfant, à l'expression intense et méditative, apparaît triomphant dans l'exhibition des instruments de la Passion et adoucit leur impact émotionnel avec une physicalité candide et dodue.

La peinture présentée ici appartient au moment de la plus grande notoriété d'Amorosi qui, ayant quitté l'atelier de Giuseppe Ghezzi à Rome pour marcher sur ses propres jambes, devient un point de référence dans la capitale pour ceux qui souhaitent enrichir leur galerie de sujets curieux et insolites . . En effet, Antonio Mercurio Amorosi, originaire de la région des Marches, ne tarda pas à se rendre compte qu'il avait une prédisposition particulière pour les scènes de genre, le Bambocciate tel qu'il était défini, non sans mépris, par ceux qui ne demandaient que des sujets grands et profonds de La peinture. Contrairement à la représentation des thèmes religieux, de l'histoire ancienne et même de la mythologie, les bamboccianti ont choisi pour leurs peintures des protagonistes misérables, pris dans les gestes d'un quotidien pauvre et méchant avec des environnements sordides et exigus en arrière-plan. Ils ont éveillé la curiosité et attiré l'attention de personnes riches et cultivées, fascinées par le monde étranger de la pauvreté et de la mendicité.

La peinture présentée ici appartient au moment de la plus grande notoriété d'Amorosi qui, ayant quitté l'atelier de Giuseppe Ghezzi à Rome pour marcher sur ses propres jambes, devient un point de référence dans la capitale pour ceux qui souhaitent enrichir leur galerie de sujets curieux et insolites . . En effet, Antonio Mercurio Amorosi, originaire de la région des Marches, ne tarda pas à se rendre compte qu'il avait une prédisposition particulière pour les scènes de genre, le Bambocciate tel qu'il était défini, non sans mépris, par ceux qui ne demandaient que des sujets grands et profonds de La peinture. Contrairement à la représentation des thèmes religieux, de l'histoire ancienne et même de la mythologie, les bamboccianti ont choisi pour leurs peintures des protagonistes misérables, pris dans les gestes d'un quotidien pauvre et méchant avec des environnements sordides et exigus en arrière-plan. Ils ont éveillé la curiosité et attiré l'attention de personnes riches et cultivées, fascinées par le monde étranger de la pauvreté et de la mendicité.

L'allégorie des Cinq Sens s'avère être l'un des thèmes de prédilection de Carlo Cignani, l'élève le plus célèbre de Francesco Albani et le plus grand représentant du courant classiciste qui traverse l'histoire artistique bolognaise de la seconde moitié du siècle. XVII.

Entouré de l'estime des intellectuels de son temps, qui le considéraient comme le seul véritable héritier du Corrège, il fut à la tête d'une boutique florissante d'abord à Bologne puis à Forlì où il s'installa définitivement en 1685.

L'œuvre est une réplique d'atelier du prototype réalisé par Carlo Cignani pour le cardinal Lazzaro Pallavicini à la fin du siècle. XVII.

Dans la version représentée ici, Charity est dépeinte comme une mère entourée de ses 5 enfants, chacun appelé à incarner l'allégorie de l'ouïe, de la vue, de l'odorat, du toucher et du goût avec une immédiateté perceptive due à la présence de quelques éléments narratifs significatifs : le cloche, le bouquet de fleurs, l'enfant au sein de sa mère, un miroir, une caresse.

Le retable, qui a fait l'objet de quelques travaux de restauration après son acquisition, possède encore la charpente voûtée d'origine ornée d'imitation de marbre et dotée d'un double système de chapiteaux. La prédelle présente un motif grotesque décoratif encadrant un cartouche central portant l'inscription dédicatoire (aujourd'hui illisible). Dans les panneaux latéraux apparaît l'allégorie de la Foi et de la Charité sous la forme de fausses sculptures insérées dans un édicule de marbre avec une couronne en forme de coquillage.

Raffaellino del Colle, élève de Raffaello Sanzio, est l'auteur de ce retable. Au sommet est représenté le transport de la Sainte Maison de Lorette : très particulière est la manière dont l'artiste représente les nuages et le corps des petits anges, expression typique du courant auquel il appartenait, celui du maniérisme. Au premier plan San Giacomo et San Filippo et au fond un paysage fantastique. Ce tableau a été commandé par une famille noble pour une église située à Jesi.

L'oeuvre, découpée sur les 4 faces, s'avère être un fragment d'une toile plus grande dont on ne connaît ni le sujet, ni les raisons de la réduction. Les dimensions actuelles de l'œuvre et son caractère partiel exigent une certaine prudence pour l'attribuer au grand artiste de Cento, auquel elle renvoie à plus d'un élément stylistique. En particulier, l'œuvre présente les caractéristiques expressives et picturales de la première manière de Guerchin.

L'artiste est fondamentalement un autodidacte soutenu par un talent naturel extraordinaire et un spontanéisme qui s'appuie sur un sens aigu de l'observation et la discipline du dessin. Autant de caractéristiques que l'on retrouve dans le fragment de Jesi qui exprime un canal pictural de grande valeur avec des touches fines et nerveuses, avec la lumière qui révèle le grain épaissi de la peau, la turgescence des veines de la tête, la densité laineuse du barbe et cheveux; tandis qu'au contraire l'ombre dense souligne la ligne nette des joues, suggère l'encombrement volumétrique des épaules, pousse la figure vers l'avant et la construit plastiquement par contraste.

Comme on le sait, Giorgio Vasari a été le premier historien de l'art, surtout connu comme l'auteur de la vie des plus excellents peintres, sculpteurs et architectes dans lesquels il trace le profil des artistes italiens du Moyen Âge à Michel-Ange, considéré comme l'apogée de l'art de chacun. Les Lives ont dû changer à jamais la littérature du secteur et commencer l'histoire de l'art telle que nous la comprenons aujourd'hui.

En tant que peintre, Vasari est le principal représentant du maniérisme toscan du milieu des années 1500 dans lequel la grâce est l'idéal esthétique de référence, un mélange magistral de vraisemblance naturaliste et de qualité intellectuelle de la beauté.

L'image présentée ici montre tous les éléments de la syntaxe compositionnelle maniériste et vasari en particulier : coupes diagonales, figures raccourcies, allongements anatomiques, couleurs acides. Les figures tirées des demi-longueurs deviennent habituelles, s'immiscent dans l'espace du spectateur et apparaissent aux marges de l'espace pictural. Ce sont des mécanismes d'implication qui s'enrichissent de solutions de mise en scène visant à provoquer l'implication directe du spectateur. L'action dramatique se développe à travers le plan très rapproché, le souci du détail, le contraste entre la dignité du Christ et la honte de la croix, le visage souffrant et l'élégance de la robe rose.

Malgré sa naissance abruzzaise, Nino Caffé est en effet un peintre des Marches, formé d'abord à Ancône et à partir de 1930 à Pesaro. Étudiant à Urbino, où il obtint son diplôme en 1935 et où il devint plus tard professeur à l'Académie locale.

Dans le tableau de Jesi, les échos de l'école française fin de siècle et de la douceur de Boldini, maître incontesté du genre du portrait, atteignent des sommets de virtuosité absolue dans la représentation des figures féminines.

Sur cette ligne, Nino Caffè oppose les gestes modestes de la femme à la sensualité des épaules nues blanches qui deviennent en fait le centre significatif de la composition. La jeune femme assise est représentée en robe de soirée, une fleur dans les cheveux réunie en chignon moelleux. Une peinture rapide, à grands coups de pinceau, définit la robe, tandis que dans le teint et la coiffure le signe devient plus minutieux et détaillé. Dans sa main droite, posée sur ses genoux, la femme expose un éventail fermé, de couleur rouge, facile à interpréter, faisant allusion à une féminité pas encore pleinement exprimée, mais en passe de se déployer. En revanche, la figure érotique semble être la plus apte à offrir des clés d'interprétation à la peinture.

Le panneau a récemment fait l'objet d'une restauration, qui a permis de remettre en lumière la couleur d'origine, révélant le travail d'un artiste raffiné, capable d'utiliser à bon escient les pigments pour créer de précieux effets de luminosité et de brillance, notamment dans le rendu des carnations. .

Cette Annonciation, comme le rappelle l'inscription, est une copie d'une fresque miraculeuse trouvée dans la basilique des SS. Annonciation de Florence. Selon la tradition, la fresque a été peinte vers le milieu du XIIIe siècle par un peintre appelé Bartolomeo, à l'exception du visage de la Vierge, réalisé par un ange. L'image actuelle, cependant, remonte au 14ème siècle. La grande dévotion portée à l'Annonciation florentine a conduit à sa diffusion rapide et remarquée, comme en témoignent les nombreuses répliques exécutées par des auteurs connus et inconnus dans les églises de Florence et ses environs, jusqu'à l'autre côté des Alpes. Il y avait aussi de nombreuses reproductions de dévotion pour les fidèles, estampes, ex voto, gravures sur bois, ce qui entraîna une large diffusion. L'artiste connaissait donc très bien le modèle iconographique de référence, auquel il reste extrêmement fidèle, à l'exception de la posture de l'Ange. Contrairement à l'original, l'Ange ne s'est pas encore agenouillé devant la Vierge, étant pris dans l'instant immédiatement précédent, fléchissant les genoux en l'air en glissant sans toucher le sol. Particulièrement adapté pour donner du mouvement et une plus grande physicalité à la figure qui, grâce au drapé de la robe contre laquelle les genoux s'appuient, et à l'ombre projetée sur le sol, se présente dans toute sa corporéité éclatante.

L'auteur du tableau est Francesco da Ponte, de Bassano del Grappa près de Venise, qui a vécu et travaillé en Vénétie au XVIe siècle. La peinture est un rare exemple de nocturne du XVIe siècle et est totalement basée sur le contraste entre la lumière et l'ombre. Il représente un intérieur avec des femmes qui s'adonnent à des métiers typiquement féminins (cuisine, filature, broderie...) et un garçon qui alimente le feu au premier plan. On pense qu'il appartient très probablement à une série représentant les quatre saisons, dont il symbolise l'hiver. La veilleuse à l'intérieur du tableau permet une étude précise de la lumière et des couleurs. Sur le côté gauche de l'arrière-plan, il y a deux personnes, tandis que sur le côté droit, dans un paysage irréel, un homme prie le Ciel et dans le ciel sombre une lumière céleste s'allume et montre un enfant.

Giovanni Fazi est l'un des artistes les plus importants de Jesi du XIXe siècle, formé à Rome à l'Académie de S. Luca. À partir de 1880, il est professeur à l'Institut technique de Jesi jouant un rôle important dans la définition des choix et des goûts artistiques de la ville et dans la formation des jeunes talents. Le tableau représente le portrait d'une jeune femme en robe paysanne, avec la coiffure typique de la tradition des Marches : le mouchoir replié sur la tête et attaché avec des épingles ; répandu également dans le Latium et la Campanie, en fait l'artiste a vécu longtemps aussi dans ces régions.