Le dessin Jovencita con lazo (1898) présente une grande similitude d'approches formelles et de structure de composition par rapport à cette sculpture, et il en va de même pour trois autres dessins de Gargallo, ce qui laisse penser qu'il pourrait s'agir d'un archétype féminin de la jeunesse années de l'artiste, indépendamment du fait que, dans certains cas, des esquisses ou des études préliminaires sont possibles pour la sculpture de Miss Sureda.

Après avoir enlevé rapidement certaines parties (les arcs et les portions de cheveux, et le bout des épaules), le sculpteur a utilisé ce moulage comme modèle pour la coulée des bronzes.

À partir de la sculpture en pierre Portrait de Picasso (1913), Gargallo a réalisé un moulage en plâtre pour obtenir le modèle qui lui a ensuite permis de réaliser des éditions de ce masque en terre cuite et en bronze, peut-être l'image artistique de Picasso, ainsi que l'original. , plus reproduite, sûrement à cause de la synthèse et des extraordinaires valeurs expressives qu'elle rassemble.

Cette pièce est l'un des résultats définitifs des modifications que Gargallo a apportées au buste de son ami Fernández de Soto (l'attachant Patas), dont il a d'abord séparé la main et éliminé l'épaule gauche, pour finalement la transformer en deux sculptures différentes , une fois la tête et la main du personnage séparées et tout le reste de l'œuvre initiale supprimé.

Ángel Fernández de Soto était un représentant commercial, un grand amateur d'art, un membre régulier du rassemblement du café Els Quatre Gats et le frère du sculpteur Mateu Fernández de Soto.

Ici, la main et, bien sûr, la pipe qu'elle tient suffisent à suggérer en toute certitude la personnalité complète de l'homme à qui elle appartient.

Parmi les six œuvres que nous connaissons modelées par Gargallo en négatif, c'est celle qui présente le plus haut degré de perfection formelle et un pouvoir de suggestion plus prononcé.

Singulièrement expressif et même expressionniste par la torsion des formes anatomiques, c'est le seul échantillon de haut-relief non appliqué à la construction architecturale, et aussi le seul nu complètement couché parmi toute la production de Gargallo que nous connaissons, il clôt le cycle réduit d'œuvres modelées en creux et exécutées en feuille de plomb, et représente l'un des exemples les plus apparemment notoires de certaines résonances cubistes discutables.

Déjà vers 1900, Gargallo réalise un dessin à l'encre et à l'aquarelle représentant une femme âgée, vêtue de l'habit traditionnel paysan aragonais, et portant des cruches sur la hanche et sur la tête, cette dernière presque allongée.

Enfin, il a modelé ce groupe, avec lequel il voulait apparemment représenter deux époques et états du corps féminin et dont il avait l'habitude de plaisanter en assurant qu'il avait représenté les femmes de Maella sur le chemin de la fontaine, ce qui a provoqué la colère de les femmes de sa ville, qu'elles étaient considérées comme beaucoup plus sages dans la vie quotidienne.

Kiki de Montparnasse (Alice Prin), célèbre contemporaine parisienne de Gargallo, était très populaire dans les milieux artistiques de l'époque et muse et modèle réguliers pour divers artistes. Il n'a jamais posé pour Pablo, mais, néanmoins, il lui a dédié l'une de ses œuvres les plus paradigmatiques, ce masque concave à couler en bronze (le premier et le seul de toute sa production) dans lequel il applique nombre de ses dernières découvertes avec une inégalée une maîtrise et une étonnante efficacité expressive et les ressources de représentation les plus significatives et synthétiques qu'il ait éprouvées et maîtrisées dans l'exécution de ses masques en tôle.

Pierrette Gargallo, sa fille et fondatrice du musée, une fille à l'époque, a servi de modèle impromptu à son père pour modéliser les avant-bras et les mains de cette figure placide, peut-être thématiquement liée, en raison de la relative proximité ou de la coïncidence des dates et si on pense à la possible proximité de la mer, avec quatre magnifiques dessins au pastel.

Dans cette œuvre extraordinairement archétypale, Gargallo rassemble et synthétise, de manière emblématique, presque toutes ses réalisations expressives et conceptuelles dans le domaine de la représentation des volumes, de l'espace et de la lumière, réalisées tout au long d'une carrière artistique et vitale absolument consacrée à l'investigation de nouvelles ressources et la recherche d'un langage personnel et innovant, au point d'avoir résolu les aspects formels les plus notoires grâce à l'utilisation de marqueurs de signes issus du travail des plaques de fer épaisses qu'il a utilisées au cours des dernières années de sa vie.

Marc Chagall (1887-1985), peintre russe vivant à Paris, était un ami de Gargallo, qui a voulu le représenter ici, comme un hommage ou un don personnel avec une sorte de double symbolique, renvoyant d'une part à l'extraordinaire symbiose existant entre le peintre et sa femme, idéalement représenté par cette figure féminine qui semble traverser la tête de Chagall - qui n'a jamais cessé de penser à sa femme et, par conséquent, l'a toujours portée dans sa tête.

Gargallo rassemble ici une bonne partie de ses réalisations antérieures les plus significatives en termes de concepts expressifs et de langage plastique, résultat des recherches qu'il a menées tout au long de sa vie dans le domaine des deux tendances caractéristiques de son travail, peut-être comme une démonstration que tout l'art passé peut être vu avec des yeux nouveaux, respectueux mais démystifiants, apportant au patrimoine historique sa capacité personnelle de représentation, l'idéologie et les sentiments de l'époque historique de l'auteur, comme le voulait Gargallo.

La petite figure masculine allongée sur la croupe du cheval est représentée avec affichage et variété de ressources, de sorte que les boucles des cheveux se réfèrent à l'antiquité classique, le bras gauche et la jambe droite sont représentés selon la figuration classique, l'avant-bras droit et le ventre ont été modélisés en négatif et, dans la tête, l'abdomen et la jambe gauche, il intègre le vide total, lui aussi implanté avec une efficacité retentissante dans le corps.

Il s'agit de la sculpture de Gargallo dans laquelle la synthèse formelle et la tendance vers le géométrique sont plus évidentes, notamment en ce qui concerne la planéité des membres et du corps du musicien jubilatoire, qui danse avec une grâce extraordinaire et manifeste sa joie de vivre inégalée.

Dans cette pièce, sans abandonner encore sa solide conception de la figure humaine, mais en la traitant de manière absolument novatrice et synthétique, l'œuvre de Gargallo franchit un pas fondamental vers des objectifs, peut-être transcendantaux, qu'il n'a malheureusement pas eu le temps d'atteindre.

Par curiosité, il en existe deux exemplaires en fonte, avec trois cordes sur la lyre, car le premier David les avait à l'origine, en fer forgé, servant de modèle. Mais alors Gargallo lui-même a décidé de retirer lesdites cordes du modèle original.

Pour modeler les nus féminins qu'il a réalisés durant les deux dernières années de sa vie, Gargallo a eu la collaboration d'un modèle d'origine nordique. Cela explique pourquoi les traits anatomiques généraux, la structure corporelle, l'aspect matériel le plus immédiat des corps sont moins expressifs ou opulents, moins sensuels et finalement moins méditerranéens que dans d'autres nus antérieurs, qui ne pouvaient être complètement éludés de la réalité du corps. de son modèle.