Sculpture en fer, reposant sur une base rectangulaire, en forme de torse humain. Les formes sont rugueuses et composées de fragments liés entre eux de manière à voir les trous.   Castelli travaille sur l'idée d'une figure de torse. Dans ce cas, le corps humain est soumis à un violent processus d'érosion : de ses formes il ne reste qu'un écho lointain, une dalle mince et imparfaite, couverte de cicatrices et de calcifications, de blessures qui ne peuvent plus cicatriser. La sculpture a été récompensée lors de la 7ème édition du Prix Modigliani à Livourne.

Tableau représentant une bande haute en camaïeu rouge sous laquelle est peinte une inscription en italique. Isgrò est l'un des artistes les plus significatifs du groupe des poètes visuels ; sa recherche, en effet, s'oriente vers un art non seulement lié à la visualité mais aussi déterminé par des interventions conceptuelles. Entre la fin des années soixante et le début des années soixante-dix, l'auteur a réalisé un cycle d'œuvres intitulé "Les histoires rouges", où l'on trouve souvent des références à Marx ou à d'autres représentants de la politique communiste. L'œuvre, également connue simplement sous le nom d'"Alma", représente une toile éclairée et allongée, où le rectangle rouge implique une négation totale de l'image, laissant le spectateur la compléter, libérant l'imagination de manière incontrôlable, guidée uniquement par la "trace " parolier qui le caractérise. La toile a été exposée à la première Biennale du Musée Progressiste d'Art Contemporain de Livourne.

Tableau représentant un tourbillon de signes minute parmi lesquels s'agitent de nombreux squelettes déformés.

Tancredi Parmeggiani fait ses débuts comme post-cubiste puis s'oriente vers une production informelle. La critique de la société par Tancredi vis-à-vis du conformisme et des inégalités sociales, qui anticipe les revendications de 1968, ainsi que son profond malaise intérieur, se retrouvent dans les coups de pinceau fluides aux couleurs pastel de la série Hiroshima, composée de trois grandes toiles qui illustrent, en termes de contestation macabre, les effets dévastateurs de la bombe atomique sur les civils. L'œuvre, anciennement 7. Prix Modigliani 1963, fait partie d'une série de trois consacrées à Hiroshima.

Caisse en bois à fond bleu contenant douze carrés de ouate.

Après un début de recherche spatiale ou nucléaire, Manzoni se tourne vers l'informel puis se tourne vers le travail sur les Achromes qui débute en 1957. En 1959 il est l'un des fondateurs d'Azimuth et entame sa phase la plus provocatrice, de démystification de l'art : de 'souffle' aux 'merdes' d'artistes, aux œufs durs signés du pouce, aux modèles en chair et en os signés Manzoni. Achrome est une œuvre d'art conceptuelle qui découle d'une intention provocatrice qui trouve ses racines dans la réflexion dadaïste de démystification de l'objet artistique. Ici les carrés de ouate de l'oeuvre, comme le titre l'indique, apparaissent blancs car naturellement achromatiques, dépourvus de couleur. Achrome a été exposé à la 1ère Biennale du Musée Progressif d'Art Contemporain de Livourne avec les deux Tables d'évaluation.

Peint avec un fond noir sur lequel des bandes de nylon noir et beige sont appliquées pour former des intersections.

Biasi a été l'un des fondateurs en 1959 du groupe padouan N, pionnier de la recherche cinétique, toujours intéressé par les études visuelles et perceptives, il a participé au groupe international New Trends en 1961 et depuis 1968, il a entrepris des recherches visuelles à travers l'utilisation de l'ordinateur. L'œuvre est composée d'une boîte en bois avec de la peinture à l'intérieur et des lamelles en PVC, la superposition de ces structures lamellaires et photo-réfléchissantes en PVC crée un effet vibrant et mouvant qui incite le visiteur à observer l'œuvre sous de multiples points de vue. Le tableau a été exposé à la 1ère Biennale du musée progressiste d'art contemporain de Livourne.

Structure en aluminium naturel, anodisé naturel et noir formé par une série de modules cubiques avec un fond de couleur différente et incliné. Au dos un écrit par l'auteur. Étiquette avec signature et date en haut à droite.

L'artiste, formé à Milan, commence par des œuvres informelles mais se consacre ensuite exclusivement à l'étude des ambiguïtés perceptives, créant des structures - strictement numérotées en progression - qui impliquent le spectateur avec leurs variations de profondeur, leur alternance de couleurs et leurs déformations axonométriques. L'œuvre en question est un travail joué sur cette profondeur, sur ces ombres qui agissent aussi à l'intérieur de l'objet qu'il faut voir de face. Elle s'inscrit dans cet ensemble d'oeuvres en équilibre entre peinture et sculpture, qui fait du tromperie optique l'un des éléments fondamentaux. L'œuvre a été exposée à la première Biennale du Musée Progressiste d'Art Contemporain de Livourne.

L'œuvre est constituée d'une toile peinte en blanc appliquée sur un cadre en bois et de clous qui l'étirent, formant des reliefs disposés de manière régulière.

Castellani, après avoir fait ses débuts dans les années 1950 avec des œuvres informelles, se rapproche de Fontana, créant alors des surfaces monochromes animées de renflements et de plis obtenus en façonnant le cadre ou en soutenant la toile avec des nervures ou des clous qui étirent la surface. L'œuvre en question, datée de 1970, se place à mi-chemin entre une toile peinte et un bas-relief sculptural. L'artiste offre la preuve de ses recherches optiques-perceptives sur un fond monochrome avec la toile renversée et renversée au moyen de clous qui en modifient la surface. Cette recherche visuelle et matérielle menée à travers la tension de la toile provoque chez le spectateur une sensation de mouvement de la surface, qui apparaît modulée par un jeu d'ombre et de lumière. L'un des caractères fondamentaux des œuvres de Castellani est précisément le sens vibratoire, rendu à travers le sens rythmique et plastique des surfaces.

Tableau représentant une série de motifs carrés disposés sur diverses figures entrecroisées ou superposées. Couleurs : bleu, noir, vert, jaune, rouge.

Mario Nigro, Pistoia de naissance, Livourne d'adoption, rejoint le MAC en 1949 et commence sa recherche d'un "espace total", caractérisé par des réseaux simultanés. L'art abstrait de la toile est ponctué avec rythme et précision par une grille géométrique profonde qui surmonte la bidimensionnalité euclidienne, rendue possible par une savante alternance de couleurs vives et brillantes, comme le jaune et le vert, en contraste avec le bleu nuit et le noir. .des lignes présentes, d'épaisseur variable. Dans ces grilles optiques-perceptives on s'abstrait dans une autre dimension et, où les lignes géométriques s'entremêlent dans une intrigue articulée, la recherche de Nigro devient non seulement artistique mais aussi éthique et philosophique, une transposition dynamique sur toile de la fugacité de la vie humaine. L'œuvre a été exposée à la 1ère Biennale du musée d'art contemporain progressiste de Livourne.

Peinture à fond blanc sur laquelle sont disposés de minuscules figures et écritures.

Baruchello vient à la peinture après avoir été formé à Paris dans les années 1950 et avoir été en contact avec Man Ray, Max Ernst et Marcel Duchamp. Ses œuvres, généralement de grands panneaux 2x2, se caractérisent par un encombrement d'images minuscules, par une hétérogénéité de matériaux et de mots. L'œuvre représente une narration multidirectionnelle : de loin on perçoit la vision globale de l'œuvre, de près on distingue même le moindre détail. L'observation de cette œuvre devient ainsi une action performative, où le spectateur est impliqué et appelé à voir, retenir, questionner et assembler les pièces disposées par l'auteur sur la toile. Un fruit qui ne s'épuise jamais. L'œuvre, exposée à la 1ère Biennale du Musée Progressif d'Art Contemporain de Livourne avec quelques données à introduire dans l'ordinateur du cœur (1974) du même auteur, a été donnée en 1976 par l'artiste à sa ville natale (de Baruchello est également présent au Bottini dell'Olio en fait froid).

Panneau de forme hexagonale avec des segments en aluminium placés pour former un cube vu du bord. Le panneau est en stratifié noir mat.

L'auteur, particulièrement intéressé par les vibrations lumineuses, se consacre depuis les années 1950 aux surfaces à texture vibrante qui représentent ses recherches fondamentales. L'œuvre en question explore la forme et les matériaux à travers les vibrations lumineuses sur la surface réfléchissante et tente de tromper l'œil du spectateur en minant le sens formel de l'objet et sa dimensionnalité effective. L'œuvre en question a été exposée à la 1ère Biennale du Musée Progressiste d'Art Contemporain de Livourne.