"A Kergoat une impression profonde vous prend entièrement..." Breton, natif du Pas-de-Calais, raconte le pardon dont il a été témoin en 1890 à Quéménéven, près de Locronan. De retour à Paris, dans son atelier, il peint cette grande composition. C'est la célébration annuelle de la chapelle, l'une des plus importantes de Cornwall. La foule se précipite pour obtenir l'absolution des péchés. Au son des tambours, le cortège attend pour entrer par le portique. La variété des costumes brodés étonne. Breton dépeint la piété collective. Il détaille la scène : des hommes puis des femmes au visage abattu, une multitude de cierges allumés, des bannières resplendissantes, des statues vénérées. Le rouge des robes de Ploaré éclate au centre de la verdure du sanctuaire.

La toile a été présentée aux expositions universelles de Chicago et de Paris de 1893 et 1900. Propriété d'un collectionneur américain, cette toile a été acquise en 1994. Outre les subventions publiques, 1 177 abonnés locaux ont contribué à cet achat, symbole de l'attachement d'un région à son patrimoine.

Comme Jules Breton, les artistes présentés dans cette salle ont pour la plupart découvert le Finistère dans la seconde moitié du XIXe siècle. Ils sont fascinés par la profonde pitié des habitants. La vie religieuse comprend des thèmes variés : grâces, messes, prières… où ferveur et coutumes se disputent la vedette.

© Musée des beaux-arts de Quimper.

Brrr, la mort guette... Crains Ankou un soir de pleine lune. Dans une atmosphère brumeuse, les arbres sont menaçants. Les fantômes des lavandières agitent leurs linceuls blancs. Du dos du tableau, ils s'envolent vers le premier étage pour encercler Wilherm Postic. C'est la Toussaint et ce mécréant n'a pas honoré ses morts. Cheveux raides, bouche grande ouverte, paniqué, la mort à sa gauche l'avertit "j'attrape et je surprends". Il sera bientôt arraché au monde des vivants et gisant dans les fourrés car le linceul n'a pas à être tordu en direction de la lavandière au risque de lui briser les os. Yan'Dargent se remémore les légendes fantastiques de son enfance. Le thème est tiré du recueil d'Émile Souvestre, Le Foyer breton, publié en 1844.

En Finistère, l'Ankou est la personnification de la mort ou de son serviteur. Il est une figure de proue de la tradition orale et des contes bretons.

Selon la volonté de l'artiste et selon la coutume, son fils demande que son corps soit exhumé en 1907 et que sa tête soit placée dans l'ossuaire avec sa famille. C'est le dernier détachement de chef connu en Bretagne.

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Un port dans la ville ! Le "Roi des Ciels" (surnom que Boudin avait autrefois reçu de Corot), offre une vue sur l'Odet. Depuis le quartier du Cap Horn, il est possible de contempler l'eau calme à marée haute qui s'étend jusqu'à la cathédrale. Ce paysage urbain est animé : des promeneurs sur les quais, des lavandières au travail et même le passeur attendant le passage du client. Le peintre propose des éléments traditionnels de la représentation : composition équilibrée par des arbres sur les flancs de la courbe des quais, profondeur du tableau sculpté par le contraste des ombres et des lumières, jeu de lignes de poteaux et de flèches. . Cependant, un nouvel esprit se dégage : le vaste ciel d'été aux effets atmosphériques fugaces, les reflets dans l'eau et la touche fragmentée autour du bateau font de Boudin un précurseur de l'impressionnisme.

La cathédrale Saint-Corentin est l'un des sujets de prédilection des peintres venus à Quimper. Cette vue de Boudin est inestimable car c'est la première flèche documentaire réalisée l'année précédente. Conçues par Joseph Bigot, également architecte du musée ouvert en 1872, elles sont le symbole de la ville.

Boudin choisit le point de vue pittoresque par excellence pour donner une image emblématique de Quimper. De nombreux artistes ont emboîté le pas. Aujourd'hui encore, cette représentation de carte postale séduit toujours. Le scénario a peu changé : une comparaison à faire sur place !

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"Celui qui voit Sein voit sa fin"... Sur cette île surnommée "l'île des morts", une veuve et son enfant méditent dignement sur la tombe de leur défunt. La jeune femme baisse les yeux, intériorise douloureusement son drame. Agenouillé sur la pierre, le garçon lève la tête et nous regarde tristement. Leurs silences s'opposent au vacarme de la mer scintillante en arrière-plan. Cette sombre scène de deuil se déroule dans un cimetière lavé par les vagues, sans fleurs ni couleurs. Renouf a passé l'hiver parmi les pêcheurs de cette île austère située dans une mer hostile. Pourtant cette scène poignante est fictive : le peintre a choisi ce lieu abandonné comme décor et y a placé ces personnages qui deviennent les archétypes de la veuve et de l'orpheline du marin.

Ce tableau, présenté au Salon de Paris, a fait la notoriété de son auteur, qui s'est vu décerner la médaille de la deuxième place. Il a été immédiatement acquis par le musée. A partir de cette oeuvre le thème de la veuve bretonne devient un lieu commun. A Sein, les veuves occupent une place à part, ont un caractère quasi sacré et ne se remarient pas.

La mer est particulièrement dangereuse dans le Raz de Sein et plus généralement en Bretagne. Les naufrages y sont fréquents. La piété bretonne se caractérise par sa fidélité aux morts. Les veuves des marins, vêtues de noir, étaient souvent représentées quotidiennement en prière sur les tombes de leurs hommes : pères, maris, enfants. Particularité de l'Ile de Sein : après l'épidémie de choléra de 1886, la coiffe de deuil est devenue celle de la vie quotidienne.

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L'enjeu fait rage. Sainte Lucie de Syracuse est martyrisée sous le règne de l'empereur romain Dioclétien pour sa conversion au christianisme, sa résistance irrite : un témoin saute sur la perche et lui tranche la gorge.

Les corps se tordent, se retournent dans tous les sens ; la fumée monte en spirales denses, emportant avec elle le tissu vaporeux de la robe. La violence de la scène éclate dans les effets d'aperçus et de perspectives, dans la virtuosité et dans les contrastes chromatiques.

Né de la Contre-Réforme, qui réaffirme l'importance du culte des saints, l'art baroque fait son apparition dans les milieux religieux. En 1621, Rubens réalisa le plafond de l'église des Jésuites d'Anvers, qui fut en grande partie détruite dans un incendie en 1718. Les croquis préparatoires nous permettent de l'imaginer aujourd'hui.

Cette œuvre sur bois est née d'une importante commande reçue par Rubens en 1620, dans laquelle le peintre s'engageait à réaliser en moins d'un an une série de tableaux destinés à orner le plafond de cette église, construite à partir de 1615. Le contrat précise que il devait "dessiner de sa propre main les dessins des 39 tableaux en petit format, puis laisser l'exécution finale à Van Dyck et à quelques autres élèves" depuis son atelier. Ce modèle, esquisse peinte à l'huile, prend toute sa valeur : de la main du maître lui-même, il illustre son génie et témoigne de ce que ses contemporains appelaient « l'agilité et la frénésie de son pinceau ».

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Le silence! Nous n'avons pas à la réveiller. Elle est allongée nue sur d'épais oreillers, abandonnée, offerte à l'émerveillement. Sa peau est d'un blanc marbré, sa tête et ses seins sont petits. Son corps idéalisé a des courbes sensuelles. Ce n'est pas une femme, mais une déesse que nous contemplons. Beauté troublante et parfaite.

Mais pourquoi cette main gauche coupée au poignet, et les jambes brutalement coupées au niveau des cuisses ? Cette œuvre est le fragment d'une composition plus vaste : l'agile arabesque du corps ondulant de Vénus sur un lit recouvert d'un drap fleuri, au bout duquel deux anges observent un couple d'oiseaux. Dans le coin supérieur droit, un paysage donnait de la profondeur à l'ensemble. Nous ne savons pas quand il a été réduit à cet ovale saisissant.

Pourquoi exposer une œuvre tronquée ? Dell'Abate est devenu célèbre en Italie au début du XVIe siècle pour son sens du paysage, des scènes de genre et des types féminins. Appelé à la cour du roi de France en 1552, il met en valeur Le Primatice pour la décoration du château de Fontainebleau. Il introduit le goût du paysage et des scènes pastorales dans l'art bellifontane.

Le thème de la Vénus endormie entourée d'amours est un classique de l'art de la Renaissance. Nicolò a pu l'étudier en Italie et dans la collection royale française. Il lui donne vie et chaire, avec la souplesse de son pinceau et ses couleurs nacrées. Nombre de ses œuvres furent détruites ou retouchées au XVIIe siècle, leur charme voluptueux frappa la sensibilité la plus puritaine. Cette Vénus est l'un des rares exemples de son talent délicat.

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Imaginez Saint-Paul à la lueur vacillante des bougies : hiératique, s'anime, devient irréel. Son visage émerge, vif et coloré, du fond d'or, lumière divine. Debout, de face, sa figure appartient au monde céleste. L'épée de son martyre est aussi le symbole de sa carrière de soldat. En main, ses épîtres, lettres adressées aux premières communautés chrétiennes.

Au début de la Renaissance, le XIVe siècle siennois mêle les influences : de l'art des mosaïques byzantines pour l'attitude et le regard statiques, et de l'art gothique pour son format ogival ou ses motifs ajourés. Le sol évoque déjà la perspective et les ombres le modelé du corps.

Peinte sur bois, l'œuvre la plus ancienne des collections est un fragment du retable de l'église San Domenico de Sienne.

A la fin du XIVe siècle, la peinture de chevalet n'existe pas. L'Église est le principal client artistique. Vasari dans ses Vies juge Bartolo di Fredi comme un "peintre médiocre à son époque", mais il a eu un certain succès et a réalisé ce retable. Utilisez la technique du fond or : sur un support collé puis enduit d'une préparation rouge, appliquez des feuilles d'or, symboles du monde sacré. Ce polyptyque, en cinq panneaux, présentait la Vierge des Evangélistes dans un cadre au centre. Saint Paul était à sa gauche. Les quelques objets connus sont éparpillés dans les musées et collections du monde entier.

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Les amours des dieux ne sont pas un long fleuve tranquille ! Pour preuve, cette esquisse virtuose dans les tons bruns présente l'enlèvement voluptueux de Proserpine, la figure centrale. En le dominant, son oncle Pluton, le dieu romain des Enfers, est touché par la flèche de Cupidon. Le dieu est reconnaissable grâce à son bident et à la torche portée par le chérubin. Ci-dessous, la nymphe Cyané assiste au drame. Ses larmes inépuisables sont symbolisées par le vase renversé.

Cette scène enflammée puise son sujet mythologique dans les Métamorphoses d'Ovide.

Le format ovale est typique des sujets populaires en médaillon. Sans résultat identifiable, la présence de la signature et de la date, rare pour une esquisse, en ferait-elle une œuvre indépendante ?

Boucher, grand artiste rococo français sous Louis XV, démontre ici sa maîtrise, un an avant sa mort.

L'œuvre de Boucher bénéficie de la liberté de toucher procurée par l'exercice préparatoire. Une esquisse laisse place au mouvement impétueux et n'est pas chargée de détails. Le peintre applique la technique monochrome, qui consiste à utiliser des dégradés d'une seule teinte.

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C'est une grande nuit à Versailles... Les vues sur le parc du Petit Trianon s'illuminent pour une nuit exceptionnelle. Les feux des fagots dans les fossés et les lanternes accrochées aux arbres ou dissimulées dans les parterres de fleurs permettent d'apercevoir de nombreuses petites silhouettes dans l'obscurité. La foule se presse pour découvrir le spectacle de la rotonde du Temple de l'Amour, magistralement illuminée. Dans cette rare reconstitution de ce jardin dans l'art du XVIIIe siècle, le peintre joue avec les clairs-obscurs et les reflets dans l'eau. Dans le jardin du Petit Trianon de somptueuses fêtes étaient organisées sous l'égide de Marie-Antoinette. Ici, il aurait été représenté nul autre que la réception du 6 juin 1782 en l'honneur du comte du Nord, fils de Catherine II, futur Paul Ier de Russie.

Ce tableau illustre Hubert Robert, l'inépuisable chroniqueur des événements de la vie parisienne : fêtes, travaux urbains, incendies. Aujourd'hui, cet artiste, à la carrière officielle remarquée, est surtout connu pour ses représentations de ruines à contenu sentimental.

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Une femme de son temps. La femme élégante, assise chez elle, écrit à ses enfants à la veille de la Révolution française. La belle inconnue nous dévisage, toujours absorbée par sa tâche. Ses vêtements reflètent une nouvelle mode qui tend vers la simplicité : une redingote blanc perle, un voile transparent sur le cou et la charlotte sur ses cheveux poudrés naturels. Elle incarne, en ce siècle des Lumières, la femme de salon moderne, libérée et cultivée. Ce portrait est réalisé par une artiste féminine, Adélaïde Labille-Guiard. Il déploie dans cette œuvre une prodigieuse capacité à rendre les matières : les reflets du satin et l'opacité du bois du bureau recouvert de feutre vert contrastent avec un fond neutre.

Adélaïde Labille-Guiard est l'une des plus célèbres portraitistes de la fin du XVIIIe siècle. Miniaturiste et pastelliste de renom après un apprentissage chez le grand maître Quentin de La Tour, elle est admise à l'Académie de Saint-Luc, académie de peinture, alors qu'elle n'a que vingt ans. Elle entre ensuite à l'Académie Royale de peinture et de sculpture en même temps que sa rivale Élisabeth Vigée Le Brun, à qui elle est souvent comparée. Il acquiert sa renommée grâce aux portraits qu'il réalise d'abord pour les filles de Louis XV puis, après la Révolution, pour ceux de quatorze députés de l'Assemblée nationale, dont celui de Robespierre. De plus, l'artiste s'est battue pour améliorer le statut des peintres en créant sa propre école d'art pour les filles.

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Exposons-nous une toile inachevée ? Ce paysage offre une vue panoramique sur la vallée de Pierrefonds, dans l'Oise. A l'horizon on aperçoit le bois de Compiègne. Les ruines lumineuses du château médiéval dominent la composition. Corot posa son chevalet au bord de l'allée pour peindre le paysage. La gratuité des cours de peinture lui était reprochée. L'œuvre donne l'effet d'une étude et non d'une œuvre achevée. Le premier étage est une construction solide et ignore la ligne. La terre, l'herbe et la silhouette sont rapidement anéanties. Les deuxièmes étages sont plus détaillés : arbres, champs, architecture, nuages. Mais tout est basé sur une utilisation moderne de la couleur, avec une palette étroite, au détriment du détail. Corot a été l'un des premiers à étudier en plein air, ce qui est surprenant pour l'époque.

Le "pleinairisme" fait référence à l'acte de travailler en dehors de l'atelier. Cela a été rendu possible par l'invention industrielle en 1841 de tuyaux métalliques colorés qui évitaient de broyer et de mélanger les pigments. Très souvent l'artiste crée sur place des dessins ou des gouaches pour fixer des motifs et des lumières qu'il utilise ensuite dans les peintures de l'atelier.

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Dépôt de l'Etat en 1896, transfert de propriété de l'Etat à la Commune de Quimper en 2013

Vite, regardez la ville d'Ys plonger dans l'horizon avant qu'elle ne disparaisse ! La colère divine s'est exprimée, tout comme ce ciel menaçant. Poursuivis dans leur fuite par une déferlante, le roi Gradlon et saint Guénolé semblent fuir le tableau, tandis que la princesse Dahut lutte pour sa survie. Par une succession de courbes et de couleurs chaudes qui suggèrent l'action, l'artiste attire le regard au centre de la toile. Le cheval du roi se cabre sous le poids des péchés de la belle Dahut, responsable de sa vie frivole de la destruction de l'Atlantide bretonne. La condamnation vient du moine à l'auréole. Qu'est-ce que ce doigt pointé vers le ciel évoque ? Sûrement la voix de Dieu ordonnant au roi de noyer sa fille.

Cette légende est issue du recueil de chansons folkloriques Le Barzaz-Breiz du folkloriste La Villemarqué.

En abordant cette légende, Luminais s'associe au mouvement celtique de la fin du XIXe siècle. Le musée conserve également l'esquisse préparatoire de l'œuvre, de taille plus modeste. Il n'a pas la même force évocatrice que cet immense tableau, destiné au Salon. A Paris, au sein d'une exposition dense, seuls les grands formats ont été distingués.

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Une des plus belles femmes de Paris est à Quimper ! Marie-Thérèse de Cabarrus a 23 ans. Elle vient d'épouser le comte Claude de Saint-Amand Matignon. La couleur blanche de la robe (boule ?) et la couronne de fleurs d'oranger symbolisent sa pureté et le bouquet de violettes sa pudeur. La posture statique semi-assise contre l'accoudoir du canapé, le galbe de l'épaule et la pureté du visage rappellent le dessin d'Ingres (dont Chassériau est issu). La sensualité du regard et les lèvres entrouvertes témoignent de l'influence de Delacroix. Malgré sa mort prématurée à l'âge de 37 ans, Chassériau est l'un des célèbres portraitistes du XIXe siècle. Ce portrait a été légué au musée par le même modèle, en signe de l'attachement du couple à la région dans laquelle ils ont passé leurs vacances.

Exposée au Salon de 1848, voici la description donnée par l'écrivain Théophile Gautier, ami du peintre : « La jeune fille vêtue d'une robe de soie blanche glacée aux reflets irisés, le manteau replié sur le bras, se tient debout appuyée sur un matelassé canapé bouton d'or à boutons ; d'une main pend un bouquet de violettes de Parme, l'autre pend nonchalamment sur le côté […] ; entre la pourpre de sa bouche aux dents de nacre un sourire explose comme un éclair. »

© Musée des beaux-arts de Quimper.

Voici une femme en odeur de sainteté. Immobile et silencieuse, sainte Elisabeth de Hongrie, canonisée au XIIIe siècle, se détache pâle sur un fond plus sombre composé de traits fins. La lueur de l'or rose l'illumine. Intervention divine! Les fleurs remplacent les pains qu'elle distribuait aux pauvres contre l'avis de son mari.

Après des études à l'Académie, d'abord à Vienne puis à Paris, List se lie d'amitié avec Gustave Klimt. En 1905, ils fondent la Seconde Sécession viennoise qui se soulève contre un art sclérosé. Sa peinture se caractérise également par ses figures féminines, inspirées de la poésie nordique, de l'histoire médiévale et de la mythologie. En 1907, il participe à l'exposition du groupe, pour laquelle il peint un triptyque dédié à Sainte Elisabeth dont ce panneau est tiré.

Exposé à Vienne, le triptyque est immédiatement dispersé. Le musée conserve les deux panneaux latéraux. L'élément central et horizontal est conservé dans une autre collection.

List s'est inspiré des peintres du début de la Renaissance avec son choix de détrempe, une peinture liée à l'œuf, une technique utilisée dans la création d'icônes et de fresques. L'utilisation de l'or contribue également à cette approche, comme dans les œuvres des siennois Bartolo di Fredi et Sano Di Pietro.

Expression plastique de la littérature symboliste, cette peinture se veut à contre-courant de la réalité visible et du naturalisme. Cultivez le goût de l'étrange et du mystère en faisant appel à l'imagination. Les artistes de ce courant illustrent un idéal perdu, s'inspirant du passé, des mythologies, des contes et légendes.

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Je ne boirai jamais ton eau. Cette petite sculpture en forme de sacoche, modelée par Paul Gauguin en 1887, ne semble pas avoir une vocation fonctionnelle mais décorative. L'artiste vient de passer son premier séjour breton à Pont-Aven en 1886. A son retour à Paris, tout en essayant de se renouveler et d'exploiter ses créations, il rencontre Ernest Chaplet, l'un des potiers les plus créatifs de son temps. Il est initié à sa technique. Gauguin y projette son héritage péruvien. La pièce présentée est une céramique partiellement émaillée à décor de motifs de jeunes bretons en costumes traditionnels. Il y a aussi des oies, motif récurrent chez Gauguin. L'inspiration vient des cahiers fabriqués en Bretagne.

Plus que la ligne de l'objet, l'artiste s'intéresse à la matière et à son modelé. Au grès brun, Gauguin associe un vernis partiel brun cuivré rappelant les sacoches en cuir des pèlerins de Compostelle. On pense qu'il a produit une centaine de ces poteries, dont très peu ont survécu. Il n'y a pas eu de succès. Gauguin écrivait à sa femme : "Je fais des sculptures en céramique, Schuffenecker dit que ce sont des chefs-d'œuvre et que le créateur l'est aussi, mais elles sont probablement trop artistiques pour être vendues". Paul Gauguin est connu pour ses peintures, mais il est aussi sculpteur, graveur et a su multiplier ses expériences artistiques.

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Le feu crépite, la fumée monte, des taches de couleurs complémentaires sont en mouvement. Au centre d'une vue panoramique, un bateau de pêche est échoué à marée basse. Certains hommes font fondre le goudron pour renforcer l'étanchéité de la coque. L'anse s'étend jusqu'à l'entrée de Pont-Aven, où l'on aperçoit sur la gauche un moulin sur la rivière et le clocher du village. Le peintre, en effet, agrandit la scène en modifiant la réalité. Pour développer une zone de végétation plate, la colline devient une masse en surplomb. Maufra rejoint ainsi l'école de Pont-Aven par l'extrême simplification des formes et l'utilisation de l'anneau sombre qui les sépare. Mais son art est hybride et original : de l'impressionnisme il retient la touche et l'intérêt des reflets sur l'eau.

En 1888, Pont Aven est le théâtre d'importantes innovations plastiques. Simplification radicale des formes, utilisation de couleurs pures disposées sur des surfaces planes, étrangères à la perception ordinaire, abandon du cadrage et de la perspective classiques, à la manière des estampes japonaises : tout cela caractérise la révolution formelle qui s'opéra plus tard et dont chaque artiste s'est approprié à sa manière. Le terme "synthèse" définit cette nouvelle approche qui remplace l'observation par sa recréation par l'imaginaire. Cette libération de l'emprise académique, ce "droit à tout oser" prôné par Gauguin, emmènent la peinture vers d'autres territoires, vers d'autres expérimentations.

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C'est jour de fête à Perros-Guirec ! Maurice Denis observe l'agitation du port. Les bateaux sont partis pour les régates. Des enfants jouent à la course de canards et s'enfuient de la toile, à droite. Au premier plan, trois femmes en costume : l'artiste a utilisé des surfaces noires pour leur donner forme. Devant eux, le grand mât, traité comme un tronc d'arbre, qui traverse la toile dans sa hauteur. Son décor sinueux répond aux arabesques à la surface de l'eau. Ces différents éléments témoignent de l'influence de l'art des estampes japonaises dans l'œuvre du peintre.

Denis fait partie du mouvement artistique nabi. Ce courant veut libérer la peinture du réalisme et lui trouver un caractère spirituel et sacré.

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Au cœur d'une forêt dense se dépeint une scène étrange : que font ces trois femmes au regard impassible ? Ils sont engagés dans une curieuse cérémonie. Agenouillé au centre, l'un d'eux semble faire une offrande devant une flamme brûlante sur un rocher. Serait-ce un autel de formes surnaturelles ? On peut voir un animal endormi paisiblement. La couleur vert ocre lui permet de se fondre dans le reste du sous-bois. Paul Sérusier applique ici les principes picturaux du synthésisme, hérités de l'Ecole de Pont-Aven et de Paul Gauguin. Les troncs soignés ne laissent pas voir leurs branches, ce qui donne à cette forêt un aspect démesuré. La perspective a été bannie, comme dans l'art des estampes japonaises, qui a influencé les artistes occidentaux.

Le mouvement nabi, héritier des principes de l'école de Pont-Aven, s'éloigne de la réalité en simplifiant les formes et en réduisant la palette de couleurs. Pour ces artistes "toute oeuvre d'art est une transposition, une caricature, l'équivalent passionnel d'une sensation reçue". Puisant son inspiration dans la forêt de Huelgoat, région sauvage, l'art de Sérusier s'inscrit également dans la mouvance symboliste : il y trouve matière à créer une œuvre mystique et intemporelle.

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Twilight Conflagration... Cinq pins maritimes occupent toute la hauteur de la toile. Je suis le sujet de la composition. Le reste est peu détaillé, le sol au premier plan est plongé dans l'obscurité. Comme dans l'art des estampes japonaises, les formes sont synthétiques, il y a l'essentiel. Dans son Journal de 1916, Vallotton s'exprime ainsi, voulant évoquer l'émotion que lui procure le paysage par "quelques traits évocateurs, un ou deux détails, choisis, sans superstition de minutage ni d'éclairage".

Le rouge des malles s'affranchit du réalisme comme le souhaite l'esthétique du groupe Nabi auquel il appartient. Né en Suisse, il est surnommé "Le Nabi étranger". Peintre, graveur, illustrateur de magazines, c'est un artiste complet.

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"Abandonnez tout espoir ou vous qui entrez". C'est l'avertissement que nous donne ce plâtre de Rodin. Les trois hommes sont, les regardant, tous dans la même position déprimée : dos courbé, tête baissée, un bras en avant et une jambe repliée. Comment venir? Le bras tendu vers le sol, les ombres blanches semblent aspirées par une force souterraine obscure. Et pour cause, ils rejoignent les damnés de Hell's Gate.

Partie d'un travail beaucoup plus ambitieux, les silhouettes dominent la composition.

La sculpture est inspirée de la Divine Comédie de Dante. Après un travail de modelage de l'argile, un plâtre est coulé, premières étapes du modelage de la sculpture avant la coulée du bronze.

L'État a commandé Rodin's Gate to Hell en 1880 pour accueillir les visiteurs du Musée des Arts Décoratifs de Paris, que le gouvernement avait l'intention de créer. Il devait réunir ses sculptures les plus célèbres telles que Le Penseur ou Le Baiser. L'œuvre n'a jamais été achevée, mais l'artiste en a présenté une version en plâtre lors d'une exposition personnelle en 1900.

Les Ombres sont entrées dans la collection du musée en 1914, du vivant de Rodin. Oubliés dans les réserves des dépôts de l'Etat depuis de nombreuses années, ils se sont détériorés. L'inventaire national a permis de redécouvrir la pièce. En 2006 une restauration est entreprise pour l'oeuvre : les bras gauches de deux personnages sont refaits et le tout est stabilisé sur un support en bois.

© Musée des beaux-arts de Quimper.