Le tableau, entré dans les collections civiques grâce à une donation en 1936, représente une jeune femme à la robe sombre et aux épaules couvertes d'un voile transparent retenu par une broche en or ; dépourvu de décor, le portrait montre un ton direct, intimiste et familier, la jeune femme fixant le spectateur dans les yeux avec un soupçon de sourire. La peinture, d'une qualité remarquable, a été comparée à la production du grand Francesco Hayez : l'orchestration savante des couleurs et le ton intimiste et sentimental sont bien placés dans la production vénitienne vers 1825-35. Concernant la jeune femme dépeinte, il pourrait s'agir de Carolina Zucchi, la femme avec qui Hayez a noué une relation amoureuse passionnée et que le peintre a pu dépeindre dans de nombreux tableaux entre 1825 et 1835, également sous les traits de personnages historiques dans les peintures du artiste, dont Le dernier baiser que Juliette donna à Roméo (1823).

Il s'agit d'une composition de nature morte traditionnelle du XVIIe siècle : sujet très en vogue à l'époque, le thème de la nature morte se prête à d'infinies variations destinées à enrichir la technicité de l'artiste dans le rendu mimétique du réel. Dans le tableau de Monza, arrivé au musée grâce à un important héritage de 1923, la figure du canard versant est frappante, à côté d'une bécasse et d'autres oiseaux et fruits disposés sur un panier en osier. L'œuvre a été exposée à la Pinacothèque en 1935 en tant que production de l'école crémonaise du XVIIe siècle ; en vue de la réouverture au public des Musées Civiques en 2014, il a fait l'objet d'une importante restauration qui a permis de retrouver une lisibilité totale.

Le tableau interprète l'histoire évangélique de la montée au Calvaire, avec Jésus couronné d'épines chargé de la croix par un groupe de serviteurs qui se pressent autour de lui, occupant presque toute la surface du tableau. Federico Zeri proposa en 1984 d'attribuer l'œuvre, datant de la fin du XVIe siècle, à Giovanni Battista Cremonini, peintre de Cento et propriétaire d'une école. C'est un sujet très répandu dans la peinture entre les XVe et XVIe siècles avec une intonation purement dévotionnelle : le Christ portant la croix fixe intensément le spectateur, l'impliquant émotionnellement, tandis que les soldats qui se pressent autour de Jésus manifestent un style maniériste qui s'accentue à travers le diagonales et un rythme presque rotatif la dimension dramatique de l'épisode.

L'œuvre fait partie du grand groupe de peintures réalisées par Mosè Bianchi, le plus important peintre monzais du XIXe siècle, sur le thème des femmes priant à l'intérieur d'une église. Le sujet offre au peintre l'occasion de saisir à la fois des aspects de genre - l'enfant de chœur qui éteint les lampes, les attitudes et les vêtements des nobles dames - et des allusions aux thèmes du Risorgimento, dépourvus de tonalités piétistes ou sourdes grâce à la la solidité du système, la savante modulation des lumières et des touches de couleur qui animent la pénombre de l'intérieur. Le tableau se déroule dans une église qui rappelle par certains détails le Duomo de Monza, bien qu'il ne s'agisse pas d'une reproduction fidèle de celui-ci mais plutôt de la libre refonte d'un lieu chargé de souvenirs, évidemment fréquenté par l'auteur depuis longtemps.

L'œuvre est entrée dans les collections civiques de Monza grâce à l'important héritage de la famille en 1992 : Guido Cinotti était un peintre toscan valide actif à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, auteur principalement de paysages et de natures mortes. Il a adhéré au divisionnisme pendant un certain temps, comme le montre la peinture de Monza : le sujet alpin - un col rendu avec une perspective centrale sur la route enneigée - permet à Cinotti d'appliquer la technique du dessin filamenteux de la couleur, avec de courtes touches juxtaposées qui subliment la lumière et les couleurs avec une très haute qualité technique. Le thème a également été abordé par Cinotti dans les années suivantes, comme en témoigne la version conservée à la galerie Ricci Oddi de Plaisance.

L'œuvre est entrée dans les collections civiques de Monza grâce à l'important héritage de la famille en 1992 : Guido Cinotti était un peintre toscan valide actif à la fin du XIXe et au début du XXe siècle, auteur principalement de paysages et de natures mortes. Il a adhéré au divisionnisme pendant un certain temps, comme le montre la peinture de Monza : le sujet alpin - un col rendu avec une perspective centrale sur la route enneigée - permet à Cinotti d'appliquer la technique du dessin filamenteux de la couleur, avec de courtes touches juxtaposées qui subliment la lumière et les couleurs avec une très haute qualité technique. Le thème a également été abordé par Cinotti dans les années suivantes, comme en témoigne la version conservée à la galerie Ricci Oddi de Plaisance.

Anselmo Bucci est l'un des peintres les plus importants représentés dans les collections du musée : originaire de Fossombrone, il a vécu la majeure partie de sa vie à Monza, où il a fait ses premiers pas de peintre et où il est mort en 1955. Le peintre a joué un rôle clé rôle dans l'expérience de Novecento Italiano, qu'il fonda avec Dudreville, Funi, Sironi, Oppi, Malerba et Marussig mais dont il quitta en 1929, poursuivant ses recherches de manière indépendante. Le tableau représente un Anselmo Bucci mature et pleinement conscient du rôle désormais assumé dans le panorama de l'art italien de ces années : il se représente dans un ovale de trois quarts, comme un artiste, avec un regard déterminé et confiant. En arrière-plan, indéfini mais éclairé à gauche par une fenêtre, on reconnaît une figure féminine.

En 1881, Pompeo Mariani effectue un voyage en Égypte au cours duquel il est fasciné par les couleurs et les traditions de la culture nord-africaine, comme en témoigne cette vue de la campagne aux abords du Caire, le long du Nil : le chemin de terre que les vents prospectifs en profondeur sont traversés par des femmes portant des amphores pour l'eau, tandis que sur la rivière, vous pouvez voir les traditionnels bateaux à voiles blanches. Comme dans de nombreux autres cas liés au voyage en Afrique, ce tableau a également été réalisé au retour en Italie, retravaillant les croquis dessinés sur le lieu et les suggestions de souvenirs personnels. La peinture dénote la connaissance des œuvres et des coupes de composition de De Nittis, centrées sur le motif de la route en perspective et les éléments qui relient habilement le premier plan et le paysage en arrière-plan, unifiés par l'utilisation sûre des lumières et des couleurs.

La grande toile représente l'une des œuvres les plus exigeantes d'Emilio Borsa, observateur attentif de la réalité rurale encore présente à la fin du XIXe siècle en bordure du centre-ville historique. Dans ce cas, la Borsa capte un moment de la vie quotidienne des moulins qui existaient alors le long du Lambro dans la zone du couvent des Grazie Vecchie, une zone alors complètement bouleversée par les colonies après la fin de la Seconde Guerre mondiale. L'œuvre bénéficie, grâce également à une restauration récente, d'une très haute qualité chromatique rehaussée par l'utilisation judicieuse des lumières et des reflets sur l'eau, tandis que l'investigation de figures féminines prises dans l'accomplissement d'activités quotidiennes tranquilles se place dans la veine du naturalisme. XIXe siècle bien présent dans la production artistique de Monza de l'époque.

La grande toile est l'un des chefs-d'œuvre du peintre de Monza Eugenio Spreafico : le long d'un chemin de terre dans la campagne, marqué par les sillons des roues des wagons, un groupe de jeunes femmes s'avance vers l'observateur qui, ayant terminé l'œuvre , rentrent chez eux au coucher du soleil . Souvent considéré comme une sorte de "Quatrième État" féminin, le tableau évoque la réalité de Monza de la fin du XIXe siècle, immergé dans le climat d'attention aux données réelles et au dynamisme social de l'époque, sans toutefois les implications polémiques ou dénonciatrices comme toujours dans le production dello Spreafico, un observateur attentif au regard participatif. L'œuvre fut exposée pour la première fois en 1895 à Gênes où elle fut mise en vente pour la somme de 3000 lires ; D'après les commentaires de l'époque, c'est un sujet déjà traité par Spreafico - mais pas seulement - dans des compositions similaires des années 1880, repris par la suite comme témoignage du succès iconographique du modèle des ouvrières qui avancent en chantant.

La fresque, déchirée et remise en toile, représente le moment où Marie tient dans ses bras le corps sans vie de son Fils descendu de la croix, tandis que Madeleine pleure en tenant les jambes de Jésus et Joseph d'Arimathie apporte la main du mort à son visage. A côté du groupe de personnes en deuil apparaît la figure - incongrue selon le récit évangélique - de saint Jean-Baptiste, reconnaissable à la robe de poil de chameau. Au pied du groupe, en particulier, un clou et la couronne d'épines qui, avec la présence du Baptiste, font référence à l'emplacement du tableau à Monza : le Baptiste est en fait le saint patron de la ville, tandis que le les instruments de la Passion font allusion aux reliques vénérées dans la Cathédrale, en particulier au Santo Chiodo conservé dans la Couronne de Fer. La fresque provient de la Casa degli Umiliati - qui abrite aujourd'hui le musée - d'où elle a été arrachée en 1932 lorsque le bâtiment a été utilisé comme siège de la Royal Magistrate's Court ; au moment de la publication, la paternité était attribuée à Simone Peterzano, mais après des recherches ultérieures et des comparaisons stylistiques, il est beaucoup plus plausible que l'auteur de la fresque soit Giuseppe Meda, actif ces mêmes années dans la cathédrale voisine de Monza. La peinture se caractérise par les manières élégantes d'un dessin de style maniériste, avec des preuves calibrées de gestes et d'expressions et des références aux modèles de Michel-Ange.

Simone Pellegrini actualise dans son travail un langage expressif primordial, chargé d'une force ancestrale qui évoque la peinture rupestre dans une représentation fortement énigmatique. L'artiste d'Ancône élabore un alphabet de signes qui gardent intacte une charge presque magique et qui, en même temps, communiquent un dynamisme continu. Comme au milieu du XIXe siècle on assiste au retour d'un système figuratif lié aux fresques des primitifs italiens avec le primitivisme, ainsi Pellegrini redonne vie au XXIe siècle à un langage de mémoire paléolithique réinterprété dans une tonalité contemporaine, où des hommes stylisés et les animaux se mêlent aux effets d'un décoratisme graphique raffiné qui renonce au chromatisme vif, évoquant des murs nus de roche gravés de rainures claires. L'œuvre est un prix d'achat de l'exposition "SerrOne Biennale Giovani Monza 2005".

Signée du grand sculpteur lombard protagoniste de la scène artistique de la seconde moitié du XIXe siècle, la pièce représente une jeune femme noble, élégamment vêtue, les cheveux attachés et une robe en dentelle sur un corset moulant sur le buste et décorée de bouquets de fleurs. Sur l'épaule de la femme repose un oiseau tenant entre ses pattes un papier enroulé, d'où le nom de "messager de l'amour", puisque la jeune femme semble tourner la tête vers l'animal comme si elle écoutait, avec un regard pensif et mélancolique . La femme porte également un double tour de perles fermé par un camée avec un lys et des boucles d'oreilles en perles, selon la mode de l'époque. Pour le moment, il n'y a pas certains éléments permettant d'identifier le portrait : la pièce provient cependant d'un dépôt de la Villa Royale de Monza fréquentée, à partir de 1868, par le prince Umberto de Savoie et son épouse Margherita ; compte tenu de la haute qualité stylistique de l'œuvre et de sa provenance, il pourrait s'agir d'une réinterprétation romantique d'une image de la princesse Margherita ou d'un membre de la famille.

La grande toile représente une vue de Strada Ferdinandea (ainsi nommée à l'occasion de la visite à Monza de Ferdinand Ier de Habsbourg, rebaptisée plus tard Via Vittorio Emanuele en l'honneur du premier roi d'Italie), créée entre 1838 et 1847 par éviscération et rectification un tissu urbain médiéval dans le centre historique de la ville. La route, partie de la route militaire autrichienne vers le col de Spluga, apparaît flanquée d'un rideau de sobres bâtiments du XIXe siècle, dont certains sont encore en construction ; la vue est prise sous les arcades de l'Arengario, l'hôtel de ville médiéval de Monza, où le peintre immortalise dans les moindres détails une série de "tableaux" de la vie quotidienne, décrits avec ce ton élégant et mesuré qui a fait de la Déception l'un des auteurs les plus appréciés de vues urbaines en Lombardie au milieu du XIXe siècle.

Le groupe monumental représente le mythe de Jupiter qui, pour conquérir la jeune Léda, fille du roi de Sparte, se transforme en cygne. De l'union avec le dieu naissent deux œufs, d'où sont nés Castor et Pollùce, les Diòscuri, ainsi qu'Hélène de Troie, épouse de Ménélas, et Clytemnestre, épouse d'Agamemnon, frère de Ménélas. Arturo Martini - l'un des plus grands interprètes de la sculpture italienne du XXe siècle - a présenté le plâtre de Léda en 1926 à la 1ère Mostra del Novecento Italiano tenue à Milan ; de ce plâtre a ensuite été extraite la sculpture en grès exposée en 1930 à la IVe Exposition des Arts Décoratifs de Monza, à l'époque où (1929-1931) le sculpteur enseignait à l'Institut Supérieur d'Industrie d'Art (ISIA) local. L'œuvre se caractérise par une solide recherche volumétrique qui, grâce à la linéarité des scans et à la solidité de la construction géométrique, rendue lumineuse par les passages en clair-obscur, en fait d'emblée une icône, étudiée et reproduite à de nombreuses reprises. Bien insérée dans la production du maître des années vingt, à la lumière des recherches artistiques contemporaines en Italie, Leda se penche sur la sculpture primitive, sur la pureté romane des formes, sur la synthèse archaïque qui actualise la dimension féérique du mythe.