El enorme lienzo fue encargado al artista en 1844 por el Ayuntamiento de Ancona, a petición del Marqués Carlo Bourbon del Monte, Confaloniero de la ciudad, amigo y protector del pintor.

Es un episodio inspirado en la heroica resistencia de la ciudad en el asedio de 1173 por parte de Cristiano di Magonza, canciller de Federico Barbarroja.

Tras unas semanas de asedio, los imperiales enviaron una embajada a la ciudad pidiendo la rendición, el reconocimiento del poder imperial y la entrega del cónsul del Imperio bizantino. Los anconitanos rechazaron la oferta y, por el contrario, enviaron emisarios que, atravesando las filas enemigas, fueron a pedir ayuda en las ciudades amigas de Romaña y Emilia.

El artista inmortaliza el momento en que el anciano senador Bonifacio Faziolo, ciego y apoyado por dos jóvenes, insta a los concejales, a los soldados y al pueblo de Ancona a jurar resistir el asedio hasta la muerte.

La obra, construida teatralmente, exalta las virtudes cívicas del coraje y la unidad y actualiza los conceptos de resistencia e implicación patriótica en el período de ocupación austríaca que atravesaba el pueblo de Ancona cuando en 1856 llegó a la ciudad.

Firmada OPUS CAROLI CRIVELLI VENETI en el parapeto de piedra en mármol rosa, la obra fue creada por Carlo Crivelli, un pintor veneciano entre los artistas más importantes del siglo XV.

Una pequeña joya de arte con extraordinarios detalles, reproducida con maestría en miniatura de los diversos elementos y llena de una particular simbología mariana y cristológica de referencias vinculadas a la Pasión de Cristo. Las manzanas del festón aluden al pecado original, el pepino a la resurrección de Jesús, la concha abierta con un molusco en la mano derecha, es una alegoría de la encarnación de Cristo en el vientre de María, el jilguero atado al hilo es un símbolo de la Pasión.

El vestido de la Virgen es suntuoso, compuesto por un manto de damasco dorado, realizado por Crivelli con hojas de oro auténtico y decorado con flores de acanto, cuyas espinas recuerdan el dolor de la pasión del hijo. Finalmente, el Libro de la Sabiduría, colocado sobre el parapeto, abierto y abandonado al soplo del viento, connota a la Virgen como Mater Sapientiae.

La extrema elegancia del diseño de la escena se revela en el rostro de la Virgen, caracterizado por una expresión cariñosa pero a la vez melancólica; refinada es la forma en que agarra el pie de su hijo con la punta de los dedos; como se pretendía es su intercambio de miradas.

El Retablo es la primera obra de Tiziano fechada en 1520. Del cartucho colocado en la base de la obra: "ALOYXIUS GOTIUS RAGOSINUS / FECIT FIERI / MDXX / TITIANUS CADORINUS PINSIT" sabemos que fue encargado por el noble comerciante dálmata Luigi Gozzi, activo en Ancona, para el altar mayor de la Iglesia de San Francesco ad Alto.

La representación ve la aparición de la Virgen y el Niño rodeada de ángeles, mientras que en la parte inferior están, además del Gozzi retratado a la derecha arrodillado con las manos juntas, los Santos Francisco, dueño de la iglesia homónima y San Biagio, protector de Dubrovnik, quien a través del dedo índice de su mano derecha, dirige la atención de todos hacia la visión celestial.

El evento tiene lugar en la más cálida luz del crepúsculo en un lugar indefinido pero no lejos de Venecia, la ciudad reconocible al fondo, testimoniando también las intensas relaciones entre Ancona, Dalmacia y la Serenissima. La representación de la esbelta higuera es portadora de un fuerte valor simbólico, de redención y salvación.

El reverso de la mesa presenta unos carboncillos preparatorios, entre ellos un boceto para el Niño, de mano del propio Tiziano. Una pintura magistral que representa un paso fundamental en su evolución estilística.

La obra es del pintor anconense Giovanni Andrea Lilli, artista formado en el ambiente romano en torno a Sixto V cuyo estilo está influido tanto por la pintura de Barocci como por el manierismo tardorromano y toscano.

La Vista de Ancona es uno de los cuatro fragmentos conservados del gran retablo La Virgen que corona a San Nicolás de Tolentino, originalmente ubicado en el ábside de la iglesia de Sant'Agostino (transformado en cuartel después de 1860). Aunque no se conoce toda la disposición iconográfica del retablo, este fragmento se ubicaba con certeza en la parte inferior, ya que en la parte inferior derecha aparece la inscripción con la firma del artista y la datación de la obra, en la que se encuentra cincelada la última figura.

La vista de Ancona es especialmente sugerente ya que su condición de fragmento le confiere una fijeza arcaica, de ciudad del siglo XIV. Esta impresión, a la que contribuye la antinatural coloración rosa y lila y la simplificación geométrica de los volúmenes de las casas, puertas y torres de la ciudad. La obra es una pieza de gran interés vista con el propósito de reconstruir la forma urbis de la ciudad dórica del siglo XVI.

En el gran retablo encargado para la Iglesia de S. Agostino de Ancona, destaca en el primer escalón la firma del veneciano Lorenzo Lotto. La disposición monumental muestra a la Virgen y el Niño sobre un alto trono, a cuyos pies se encuentran los santos Esteban, Juan Evangelista, Simón Judas y Lorenzo, todos reconocibles por la presencia de sus respectivos atributos.

El más raro Simone Giuda, epónimo del cliente Simone di Giovannino de 'Pizoni, porta una insólita alabarda sobre la que se apoya con fuerza, volviéndose con aire resuelto y elocuente hacia el observador. El cuadro fue encargado a Lotto en agosto de 1538, año en que acabó en la ciudad la tiranía ejercida por el cardenal legado Benedetto Accolti y los lansquenetes alemanes armados con alabardas. El arma, volteada y rota, simbolizaría la derrota del usurpador y el fin de la tiranía. Como en otras obras de Lotto, la simetría de la composición se rompe por la variedad de actitudes, miradas y la figura agitada del Niño, hacia el que convergen las líneas de fuerza. La atmósfera enrarecida y la luz de un atardecer son el resultado del uso de colores más apagados y de los contrastes entre las áreas iluminadas y sombreadas.

Pintor, escultor, escenógrafo, figurinista, artista completo y ecléctico de la segunda posguerra, el arte de Corrado Cagli es conocido en toda Europa. Una personalidad artística, caracterizada por una versatilidad de estilos y un dominio en los más diversos campos de la expresión artística, han hecho de Cagli objeto de estudio y análisis crítico de renombrados historiadores, estudiosos, poetas y ensayistas.

La obra Buglione de 1971 recuerda el concepto de figuración abstracta, a la que el artista se dedicó después de la guerra, compuesta por repeticiones modulares y matemáticas, de corpúsculos que desafían la bidimensionalidad del cuadro. Las estructuras geométricas se extienden en el espacio en un juego continuo de cóncavo y convexo, dando la ilusión de una figura tridimensional. Los círculos que componen la figura recuerdan a la armadura legendaria de una Edad Media caballeresca a la mente del observador y remiten a la cota de malla, la firme estructura de una malla metálica, propia de los guerreros medievales.

El propio título de la obra, de hecho, evoca la figura legendaria de Godofredo de Bouillon, personaje fundamental de la primera cruzada, reduciéndola a una máscara deformada.