Wolfgang Lettl pintó la serie "13 intentos de convertirse en gallo" en 1977/1978. La serie puede verse como un currículo surrealista. Al final de esta serie hay un autorretrato, no porque a Lettl le gustara verse o incluso pintar: solo necesitaba verse en el espejo cada mañana para afeitarse; en sus más de 60 años de trabajo ha creado sólo seis autorretratos, en su interior con una obra pictórica compuesta por 500-600 obras. El autorretrato con pico de gallo surge de una interpretación que surgió en esta serie de obras. Al fin y al cabo está la conciencia de que no importa convertirse en gallo, sino demostrar que eres Persona en las más variadas situaciones de la vida y esto, como se ve en el ejemplo del gallo, no siempre se logra de la mejor manera. . Los nuevos desafíos en la vida requieren que intentemos una y otra vez tratarnos humanamente. Como humanos, nunca hemos terminado.

"Nunca he visto a René Magritte.

Quizá me equivoque, pero siempre he tenido la impresión de que para reír había que bajar al sótano. ¿Estaba sufriendo de una gran soledad o de frialdad interior? Tampoco soy de los más sociables, pero en su ser y en sus pinturas veo algo repulsivo, o por lo menos ajeno a mí. Para ser más claro: percibo la elegante y trágica impotencia de su ateísmo. Quizás (y digo "quizás" sólo porque no quiero pretender expresar un juicio claro) hizo lo mejor que podía lograr el "Surrealismo Clásico" de la época. Sus descarrilamientos, pienso sobre todo (pero no sólo) en su “fase impresionista”, muestran la tragedia de quien nunca recorre un camino y necesariamente se pierde en el proceso. Pero los artistas tienen derecho a ser juzgados por su mejor trabajo. Cualquiera que quiera pintar y, lógicamente, todavía no puede, se fascina con los modelos a seguir e intentará imitarlos. Pero no debe identificarse con el modelo a seguir respectivo sino tomar pronto otros caminos, porque cada uno tiene su propia vida interior, su propio más allá, y sólo eso le pertenece. Ningún surrealista puede copiar de otro. Lo que pinta se convierte necesariamente en algo previamente desconocido, incluso incomprensible. Si esto debería llamarse "surrealismo" o no, es irrelevante. Me preguntas hasta qué punto René Magritte me ha influido en mi trabajo. Bueno, miré sus fotos y lo pensé. A veces he citado deliberadamente motivos suyos o los he desarrollado más. Hice algo así con Miguel Ángel y Tiziano, por admiración, por así decirlo. Y tal vez algo se deslizó dentro de mí por pereza o inconsciencia.

Pero no todas las manzanas se roban en alguna parte".

Texto de Wolfang Lettl

En su discurso en la inauguración de la exposición: "Ser humano: un intento" el 15 de diciembre de 2006, Wolfgang Lettl hizo las siguientes observaciones sobre la imagen: "Sin embargo, ella no desaparece":

No esperéis que os cuente mucho sobre la Marchesa de la Solana de Goya. Lo copié porque me gustó mucho.

Puedo hacerlo.

Luego lo liberé de su fondo marrón de retrato, lo saqué un poco del centro de la imagen y lo coloqué en un paisaje abierto. No, no un hermoso paisaje del sur, sino un pedazo del valle del Po con una fea arquitectura industrial y, en contraste con el orgulloso español, tres cabezas huecas y arrogantes en una máquina voladora imposible.

Eso sí, con los zapatos recién lustrados.

Laberinto (texto: Wolfgang Lettl)

En mi imaginación, un laberinto es una estructura tan compleja e intrincada que una vez que entras, difícilmente puedes encontrar el camino de regreso, excepto con el hilo de Ariadne. Perderse en tal laberinto es una de las experiencias fundamentales del hombre moderno. El surrealismo en su conjunto puede describirse como laberíntico: muchos acertijos, muchas preguntas, sin respuestas, sin salida. Quería abordar el tema de frente: pintar un laberinto. Pero sin edificios antiguos ni jardines rococó lúdicos; más como un armario con espejos, pero no pude encontrar una manera de representarlo de manera convincente. Me refugié en una construcción clara pero irreal, abierta para poder mirar hacia adentro, pero sin salida, donde ni siquiera el hilo de Ariadna puede ayudar. ¿Quizás puedas imaginar algo similar, gracias a tus sueños? Con Kafka se convirtió en "El Juicio".

Wolfgang Lettl pintó el cuadro "El grito" en junio de 1989, en su segunda casa en Puglia. Este es un desarrollo adicional de la imagen "Prometeo" de la "Serie gris".

En primer lugar, golpea el enorme torso de color arcilla, con manos torpes que se alzan en busca de ayuda y su expresión facial se retuerce de dolor. Se partió en el área del pecho y un pájaro blanco salió volando. Las tres barras en el interior del torso todavía dan la impresión de una jaula o de estar encerrado.

El torso masculino está en la orilla de un cuerpo de agua, sobre el cual hay varios botes, cada uno con una figura en su interior. Las personas arrodilladas o sentadas en botes tienen los ojos vendados con telas negras y tratan de calmarse con la superficie del agua. Hay una atmósfera amenazadora y oscura en el cielo.

Esto es para la descripción de la imagen.

En el contexto de la historia contemporánea, esta imagen puede verse como un cambio de rumbo, una revolución pacífica y el fin de la RDA.

El busto se volvió frágil de adentro hacia afuera debido a que la gente quería libertad. Con el corte simbólico de la cerca de alambre de púas húngaro por parte del Ministro de Asuntos Exteriores húngaro, Gyula Horn, y su homólogo austriaco, Alois Mock, el 27 de junio, el muro se volvió permeable de repente. A principios de julio, hubo un movimiento de salida masivo de ciudadanos de la RDA a través de Hungría y Checoslovaquia.

La ceguera de la dirección del SED ante la realidad y cómo trató de no dejar que las olas batieran demasiado alto será más evidente el 7 de octubre de 1989, "Día de la República", con motivo de la celebración del 40 aniversario de la fundación de la RDA.

Erich Honecker organizó por última vez los habituales jubileos y celebraciones populares en Berlín, pero los ciudadanos ya no se identificaban con la ideología del partido. Ha habido numerosas contramanifestaciones que se han intentado reprimir por la fuerza.

Los últimos barrotes finalmente se rompieron el 9 de noviembre de 1989, cuando cayó el Muro de Berlín.

"Invitación al golpe", completada en 1981, es probablemente una de las pinturas más confusas de Wolfgang Lettl.

Todo se vuelve aún más surrealista al leer el artículo periodístico con tintes surrealistas que el Dr. Giacomino Vascello, inspirado en la pintura, informó a un periódico italiano. A continuación se muestra un breve resumen del artículo:

"INCREÍBLE: Un foggiano hizo su contribución a la caída del muro de Berlín.

El Dr. Vascello de Foggia y Wolfgang Lettl, profesor de la Academia de Bellas Artes de Munich, son buenos amigos desde hace muchos años, se encuentran frente al vino, la buena comida y la música clásica para hablar sobre el mundo del arte, el derecho y la ética. . Wolfgang Lettl utilizó la figura del Dr. Vascello para su cuadro "Invitación al golpe".

Pasan unos años y sucede algo extraordinario: en Alemania, donde las campañas electorales se basan mucho más en carteles y postales que en Italia, un inexplicable capricho del destino hace que este cuadro sea elegido para la Campaña por la unificación de las dos Alemanias. .

Desde entonces, todas las paredes de Alemania se han cubierto con esta imagen, y cientos de millones de reproducciones de postales pasan por las manos de millones de alemanes. Tanto por broma como por coincidencia, el Dr. Vascello se convirtió así en el símbolo del espíritu de la nación alemana.

Todo esto sin duda nació entre una copa de vino, la música de Mozart y un plato de espaguetis humeantes pero sobre todo, por supuesto, durante discusiones sobre la ética del Estado.

Con ojos de artista, el pintor alemán vio en el oscuro funcionario del sur de Italia el verdadero espíritu del Estado y quiso transmitir el fruto de su descubrimiento a sus compatriotas y descendientes.

Y así un artista de Foggia se ha convertido en parte imborrable de uno de los momentos más dramáticos de la historia reciente.

La "Venus Sipontina" es una de las 26 imágenes de la "Serie gris" de Wolfgang Lettl (1985-88)

El tema de la pintura se muestra respectivamente a través de una placa en el marco. En el reverso se adjunta una imagen, presumiblemente pintada sobre papel. Hay objetos en el marco.

En varias variaciones de esta serie se emplea experimentalmente un elemento clásico del estilo del surrealismo: pintar cosas que no encajan en un espacio irreal y resultarán composiciones sorprendentes, más o menos significativas.

En esta imagen, Wolfgang Lettl utiliza un desnudo de su esposa y amante Franziska, que pintó en estilo impresionista como imagen de fondo.

Al respecto pensó: “Tu esposa como modelo es el caso ideal, siempre está disponible y si todavía falta algo en un cuadro, se puede acostar, siempre está bien. A medida que pasa el tiempo, te lo sabes de memoria, entonces ya no necesitas un modelo, o muy rara vez un detalle. Incluso las pinzas para la ropa están siempre a mi disposición, incluso si están bellamente coloreadas y están tan maravillosamente quietas que no pueden competir con mi Venus ".

En el. últimos 10 años de su vida, Wolfang Lettl colaboró intensamente con su hijo, Florian. Esto hizo posible la creación de más de 100 pinturas surrealistas entre 1998 y 2007, a pesar de una grave enfermedad y el deterioro de sus capacidades físicas y mentales. En cuanto a la última pintura que se muestra aquí, Florian Lettl no solo colaboró intensamente en el desarrollo del tema, sino que también terminó la pintura para ponerla a disposición para su exhibición. Después de que Wolfgang Lettl perdiera sus fuerzas y se diera cuenta de que ya no podía pintar, decidió morir. Murió el 10 de febrero de 2008 en los brazos de su hijo Florian, rodeado de sus cuadros.

Por un lado, esta pintura final muestra al director y su orquesta en un movimiento ascendente. El arte viene del inconsciente, está escondido en esta pintura en las profundidades del agua. Es el acto creativo del artista lo que lo eleva a la luz del día y lo hace visible.

En contraste con el director vestido de negro que extiende los dos brazos, con la varita enfatizando el movimiento hacia arriba, la escultura de mármol blanco de San Bruno de René-Michel Slodtz, conocido como Michel-Ange Slodtz (1705-1764), ya es de pie sobre su pedestal. La escultura fue realizada en 1744 para la Basílica de San Pedro en Roma.

Una mano del Santo hace un gesto de rechazo, la otra apunta hacia abajo. Por motivos compositivos, el cuadro carece tanto del putto que quiere presentar la insignia del obispo al santo, como de los atributos del santo (calavera, cadena y libro) al que apunta la mano.

Los gestos del cuadro remiten, por tanto, al director de orquesta ya su obra; advierten al artista sobre la modestia y le recuerdan discretamente su fugacidad.

Cuando Wolfgang Lettl, en 1972, respondió a un pequeño anuncio en el Süddeutsche Zeitung en el que se ofrecía a la venta un terreno edificable cerca de Manfredonia, ciertamente no imaginó que el período que pasaría allí con su esposa Francesca desde 1973 hasta 2005, él se convertiría en uno de los más felices de su vida para él.

Aquí, en los años 1975-1995, no solo nacieron las pinturas impresionistas, sino, a partir de 1986, también muchas de sus pinturas surrealistas.

Wolfgang Lettl: "Compramos un terreno en Siponto, en el Golfo de Manfredonia, directamente sobre el mar, porque según mi antiguo atlas geográfico llueve menos que en cualquier otro lugar, y construimos una casa allí. Había mucho trabajo que hacer en el jardín, porque al principio solo había cardos y otras cosas espinosas, en la casa las paredes aún estaban vacías, así que tomé mi caballete portátil y salí afuera, pintando el paisaje: casas, árboles, montañas, nubes, barcos y el mar. Hacerlo es divertido y realmente agotador".

La escultura representa a dos personas, cada una con su pesada esfera, para ser transportadas hacia arriba. Parecen ser dos Sísifo. El mito de Sísifo cuenta que para castigar la sagacidad del hombre que se había atrevido a desafiar a los dioses, Zeus decidió que Sísifo debía haber empujado una roca desde la base hasta la cima de una montaña. Sin embargo, cada vez que Sísifo llegaba a la cima, la roca rodaba hacia la base de la montaña y cada vez, y por toda la eternidad, Sísifo tendría que comenzar su ascenso de nuevo y nunca tener éxito.

Albert Camus, en su ensayo El mito de Sísifo de 1942, vio en Sísifo la personificación del absurdo de la vida humana, que dejaría como solución el suicidio, aunque el “físico” no solucione el problema del sentido; pero Camus concluye sus pensamientos filosóficos afirmando: "Debemos imaginar a Sísifo feliz y libre mientras sube el peso que rueda hacia abajo". Aquí en la escultura Sísifo se ha doblado, pero nunca llegarán a la cima ya que los dos personajes se estorban entre sí, pero lo absurdo es que no pueden entender la razón que les impide avanzar. situación desde lejos, de manera objetiva, sabemos que si inclinas la cabeza bajo la pesada carga no puedes ver lo que hace el otro, ya que tu mirada se dirige solo hacia tus propios pies y solo sientes que no pasa nada .que somos amados por un Dios y no condenados a asumir este compromiso como Sísifo.La esfera es el símbolo de nuestra misión terrena, es el peso que soportamos cada día con nuestra capacidad y nuestra voluntad, esto es importante para nosotros, para nuestra vida, para nuestra misión. Trabajamos apoyando esta esfera todos los días, tanto en la vida privada como en la vida política. Pero si las esferas se vuelven cargas, pesos, como aparecería en esta escultura, nos impiden ver unos a otros y no nos permiten llegar a la cima, para luego ser felices y libres mientras subimos el peso que rueda hacia abajo, necesitamos repensar nuestra misión, rectificar nuestras doctrinas, vencer nuestro egoísmo. Debemos apartar las esferas para dar una mano al prójimo, para ayudarnos a llegar juntos a la meta y no poner trabas y estorbos entre unos y otros.