Gio Carlo Doria fue un noble genovés con una gran pasión por las artes. En su casa se guardaban cientos de lienzos, incluido este cuadro. Pintado en 1606 por el joven Pieter Paul Rubens, padre del barroco y uno de los pintores europeos más cotizados, el retrato representa al noble a caballo: un honor digno de un soberano. La extraña calma de Gio Carlo quizás represente su dominio sobre las fuerzas de la naturaleza. Durante la Segunda Guerra Mundial, antes de formar parte de las colecciones del museo, la obra había sido robada por los nazis.

La escultura formaba parte del monumento a Margarita de Brabante, esposa del emperador Enrique VII. Murió en Génova en 1311, tuvo el honor de ser inmortalizada en la única tumba jamás esculpida por Giovanni Pisano, el más grande escultor del gótico italiano. Los diversos elementos que lo componían se dispersaron cuando San Francesco, la iglesia genovesa donde se guardaba, fue destruida a finales del siglo XVIII. En 1960, Justice , una obra maestra de la expresividad medieval, fue encontrada en un jardín genovés, reutilizada como adorno para una fuente. Junto con el grupo escultórico de la Elevatio Animae , ahora en el museo de Sant'Agostino, constituye uno de los únicos elementos supervivientes del monumento.

La plaquita tiene una película pictórica muy desgastada, y lamentablemente se han perdido varios detalles. Sin embargo, los extractos supervivientes permiten acercar la pintura al catálogo de Fra Bartolomeo, fraile dominico y pintor activo en Florencia entre los siglos XV y XVI. La escena representa el momento en que Cristo resucitado es reconocido por su seguidora Magdalena, que se arroja a sus pies. Sin embargo, Jesús ahora es parte del reino de los cielos y la amonesta con el grito de "Noli me tangere", no me toques. Fra Bartolomeo se desafió varias veces con este tema, del que se conservan otras versiones y algunos dibujos.

El panel es una copia con variantes de una pintura de Andrea del Sarto, uno de los principales artistas florentinos de principios del siglo XVI. Fue interpretada por Pier Francesco di Jacopo Foschi, su alumno. En comparación con el original, aquí hay un ambiente más clásico y tranquilo, donde las figuras emergen de la oscuridad del fondo. Además, a diferencia de la obra del maestro Pier Francesco, inserta detalles como la cruz de San Giovannino y el lienzo sobre el que está tendido el Niño Jesús, elementos que aluden a la Pasión de Cristo.

Para probar su fe, Dios le pidió al patriarca Abraham que sacrificara a Isaac, su único hijo. La pintura representa el momento en que un ángel enviado por Dios detiene el brazo del anciano antes de que complete su gesto. Todas las características del arte de Orazio Gentileschi están presentes aquí, un pintor pisano capaz de transformar el lenguaje de Caravaggio en una sinfonía de luces cristalinas y colores muy vivos. El pintor fue muy apreciado en Génova, donde residió unos años y donde está documentada esta pintura al menos desde el siglo XVIII.

Scipione Clusone fue un líder al servicio de la República de Venecia y aquí se le representa mientras se viste con la ayuda de un paje enano. Una presencia constante en las cortes de la época, donde trabajaban como sirvientes, los enanos a menudo se incluían en las pinturas que retrataban la sociedad veneciana de la época. En el siglo XX, el cuadro fue robado por soldados alemanes con el objetivo de exhibirlo en un museo buscado por Hitler. Cuando regresó a Italia en 1988, fue destinado a este museo.

La pintura dinámica del napolitano Luca Giordano fascinó a los genoveses, que coleccionaron varios de sus cuadros. Este lienzo fue propiedad del noble Costantino Balbi, de cuyas colecciones muchas obras llegaron al Palacio Spinola por herencia. Solo en los últimos años el lienzo, no incluido en estos pasajes hereditarios, ha sido comprado por el museo. Representa un episodio de la leyenda de Roma: la ciudad acababa de ser fundada y el rey Rómulo decidió poblarla secuestrando a las mujeres de un pueblo rival, los sabinos.

La pintura, junto con la de Giaele y Sisara , proviene de una villa ubicada en Génova Cornigliano, que anteriormente perteneció a los Spinola y luego fue vendida a la familia Dufour en el siglo XIX. Varios documentos del archivo histórico conservado en el Palacio Spinola nos informan de numerosas reformas en esa residencia de vacaciones, sobre todo por parte de Paolo Francesco Spinola, propietario del Palacio Spinola entre los siglos XVIII y XIX.

Al igual que en el lienzo que hace de colgante , también en este cuadro se ha representado un episodio extraído del Libro de los Jueces con la intención de exaltar a dos heroínas del Antiguo Testamento: Dalila, contratada por los filisteos, consigue que Sansón se revele. que el secreto de su fuerza está en el cabello. La niña entonces le hace cortar el cabello mientras duerme, favoreciendo su captura.

El episodio aquí representado cuenta cómo Jael, esposa del cacique Eber, mató al general cananeo Sísara clavándole una estaca en la sien, después de persuadirlo de que descansara en su tienda.

La escena es presentada por Bartolomeo Guidobono con elocuente teatralidad. De hecho, el artista era famoso en ese momento por su fuerte gusto decorativo y, con gran versatilidad, realizó grandes ciclos de frescos, así como pinturas sobre cerámica.

El lienzo expuesto junto a este, que representa a Sansón y Dalila , se caracteriza por las mismas dimensiones y ha sido su colgante desde sus orígenes.

El lienzo forma parte de un núcleo de obras del Palacio Cattaneo Adorno adquirido por la Galería Nacional de Liguria. Al igual que las otras dos composiciones, del mismo formato monumental con Mercurio y Argos y Perseo y Andrómeda , el cuadro representa un episodio de las Metamorfosis del poeta latino Ovidio.

Aquí somos testigos de la huida desesperada de Siringa, perseguida por el dios Pan, poco antes de su transformación en juncos del pantano. La ninfa realizará su propia metamorfosis gracias a la intervención de las Náyades, representadas a la izquierda, que la salvarán así de las ansias de Pan. Se encontrará abrazado a un haz de cañas y, encantado por el sonido del viento que las atraviesa, inventará su flauta, también llamada jeringa en honor a la ninfa.

la pintura es resultado de la colaboración de Gregorio y Lorenzo De Ferrari. El primero fue uno de los protagonistas de la temporada barroca genovesa. Su hijo Lorenzo, aquí al comienzo de su carrera, estará en 1734-1736 el director de la campaña de redecoración que Maddalena Doria Spinola quería implementar en el segundo piso noble del Palazzo Spinola y que culminará con la creación de la Galería de los Espejos.

También en esta pintura es representaba una metamorfosis: la hermosa Io es Júpiter la transformó en una novilla blanca para esconderla de los celos de su esposa Juno. en el centro esta Argo, el pastor de los mil ojos -oculto por una venda- a quien Juno le había confiado el ternero porque la mantuvo alejada de su marido. Mercurio, a la derecha, a través de la melodía de la flauta y la historia del mito de Pan y Syringa , logra dormir al guardián para matarlo y liberar a Io de su control.

El joven con armadura de la derecha es Perseo, representado mientras se recupera tras haber salvado a Andrómeda, tumbado a la izquierda. La joven había sido sacrificada al monstruo marino representado, petrificado, debajo de ella, como castigo por el orgullo de su madre Casiopea. El cuadro narra también el origen mitológico del coral, nacido de algas empapadas en la sangre del monstruo y convertidas en piedra al contacto con la cabeza de Medusa, representada en el centro inferior. Las criaturas marinas que rodean a Perseo y Andrómeda juegan con los corales, alegremente asombradas por esta transformación.

El lienzo sanciona el traspaso de la generación de Gregorio, de impronta barroca, a la de su hijo Lorenzo, distinguida por más elegante y serena, típica del siglo XVIII.

El lienzo forma parte de una serie de pinturas dedicadas al célebre héroe mitológico. Junto con los otros tres expuestos a su lado, adornó en su día las salas del Palacio Cattaneo Adorno (hoy Via Garibaldi), casa donde también estaban las otras representaciones monumentales de las Metamorfosis , adquiridas al mismo tiempo por la Galería Nacional de Liguria. .

Hércules es en este caso representado mientras pasa la segunda de las doce pruebas a las que fue sometido para expiar la culpa de haber exterminado a su propia familia. El monstruo marino a punto de sucumbir a sus pies es la Hidra de Lerna, dotada de numerosas cabezas capaces de rebrotar. La piel que lleva el héroe es en cambio, la prueba de la superación del primer esfuerzo, o la lucha contra el león de Nemea.

En este lienzo Hércules es ocupado mientras enfrentaba el séptimo esfuerzo. Derrota a un enorme toro capaz de lanzar fuego por las fosas nasales que infestaba la isla de Creta. Gracias a su extraordinaria fuerza, el semidiós tendrá éxito. en la empresa de domar al animal mítico.

Al igual que las otras pinturas de la misma serie, este tema también es fue creada por Gregorio De Ferrari en la fase de madurez de su actividad, iniciada en el taller de Domenico Fiasella, uno de los más maestros genoveses representativos del siglo XVII, y luego enriquecido por el conocimiento directo de la pintura de Correggio. sugerencias emilianas en este caso se adornaron con referencias a las costumbres de Giovanni Benedetto Castiglione conocido como il Grechetto, otro célebre protagonista de la época barroca genovesa.

Además de superar los doce trabajos, Hércules tuvo que afrontar más pruebas, incluida la lucha contra el gigante Anteo. Estos, hijo de Gea, diosa de la tierra, era prácticamente invulnerable al contacto con el suelo. Por lo tanto, el semidiós antes de derrotarlo se vio obligado a levantarlo del origen de su fuerza y luego aplastarlo.

Todo el esfuerzo de los dos gigantes que luchan es plasmado por Gregorio De Ferrari a través del muy elaborado uso de la luz con posturas fuertemente escorzadas construidas a través de pinceladas rápidas e incisivas.

Esta escena concluye la historia terrenal de Hércules: tras una intensa existencia salpicada de pruebas y penurias, el héroe muere a causa de los celos de su esposa Dejanira. Envidiosa de la atención que su consorte había prestado a la bella Iole, de hecho, roció el vestido del semidiós con un poderoso veneno obtenido de la sangre del centauro Nessus. Tan pronto como se puso la túnica, le causó a Hércules un dolor tan intenso que quiso morir. Este es el momento representado por Gregorio De Ferrari: Hércules acaba de arrojarse sobre la pira funeraria que ha construido, mientras, a la izquierda, Filoctetes, a quien el semidiós había pedido que encendiera el fuego, huye asustado.

Las menores dimensiones en comparación con los otros cuatro lienzos dedicados a Hércules han hecho dudar de si esta obra pertenece a la serie dedicada a los trabajos, aunque iconográficamente constituye su conclusión ideal. De hecho, el lienzo representa el feliz epílogo de la historia del héroe, salvado por su padre Júpiter del fuego de la hoguera y acogido en el Olimpo. Hércules está a punto de casarse con la diosa de la eterna juventud Hebe, vestida de azul, y unirse a los dioses inmortales. En la parte superior izquierda, Júpiter, con la corona, parece dirigirse al personaje del sombrero de plumas representado en la esquina: es quizás el autorretrato del pintor, que quería incluir en la composición rasgos juveniles.

La escena muestra el fondo a la derecha: Hércules huyendo desgarrado por su túnica envenenada y las tres Horas esperando para darle la bienvenida al Olimpo.

La pintura pasó a formar parte del patrimonio de la Galleria Nazionale della Liguria gracias a la generosa donación de un coleccionista privado.

El dibujo hace referencia a una conocida pintura, hoy conservada en Gran Bretaña (National Trust of Wilthshire Wilthshire, National Trust), en la que se representa a Carlo Maratti, célebre exponente del barroco romano, en el acto de dibujar el retrato del noble Nicolò Maria Pallavicino . Este último, un rico banquero genovés afincado en Roma, está representado entrando en Arcadia, recibido por Apolo y esperado por las personificaciones de las Virtudes. De esta forma, el cliente quería celebrar su nombramiento como Académico de Honor en la prestigiosa Accademia di San Luca, una histórica institución artística. Era primo de los Pallavicino propietarios del Palacio a finales del siglo XVII, a quienes pertenecía el dibujo. Documentado por las fuentes en este edificio, fue vendido en el siglo XIX, pero la compra de la chapa por parte del Estado en el año 2000 permitió volver a exponerlo en la casa donde históricamente estuvo.

Pintor de origen calabrés, Mattia Preti trabajó principalmente en Nápoles y Roma y terminó su vida en Malta.

El lienzo, junto con el de la Resurrección de Lázaro , probablemente fue pintado en la séptima década del siglo XVII, durante la prolongada estancia del pintor en la isla mediterránea. Realizadas en colgante , las pinturas muestran un profundo conocimiento tanto de la cultura pictórica romana entre las décadas de 1630 y 1640, en la que se formó el artista, como de las nuevas sugerencias asimiladas por Preti a raíz de su actividad. en Nápoles.

Pintor de origen calabrés, Mattia Preti trabajó principalmente en Nápoles y Roma y terminó su vida en Malta.

El lienzo, junto con el del Encuentro de san Francisco y santo Domingo , probablemente fue pintado en la séptima década del siglo XVII, durante la prolongada estancia del pintor en la isla mediterránea. Realizadas en colgante , las pinturas muestran un profundo conocimiento tanto de la cultura pictórica romana entre las décadas de 1630 y 1640, en la que se formó el artista, como de las nuevas sugerencias asimiladas por Preti a raíz de su actividad en Nápoles.

Llamado a principios del siglo XIX “Les grandes têtes d'hommes coëffées à l'Orientale”, estas composiciones documentan la atención del pintor genovés a los grabados de Rembrandt van Rijn, que estudió en Roma durante una estancia en la década de 1730.

Se trata de obras que surgen de una profunda reflexión del autor sobre las imágenes grabadas por el maestro holandés, desde sus numerosos autorretratos hasta la serie de bustos masculinos ataviados con ropas orientales, realizados según una moda que alcanzó un notable éxito en Ámsterdam, donde estos imaginativos retratos, conocidos con el término tronie , fueron ampliamente difundidos.

La serie fue donada a la Galleria Nazionale della Liguria en memoria de la historiadora del arte y profesora Anna De Floriani.

Perteneciente a una familia noble El genovés Giovanni Battista Paggi se vio obligado a exiliarse en 1581 porque culpable de asesinato, aunque en defensa propia Tras una estancia en Aulla y Pisa, llega a Florencia a la corte de Francesco I de Medici. A finales de 1590 el pintor tuvo la oportunidad regresar a Génova, pero sólo dentro de las residencias del Príncipe Giovanni Andrea I Doria, su protector, ya que estaban excluidas de la jurisdicción de la República.

La Flagelación, firmada y fechada en 1591, proviene de la villa construida por Andrea Doria en las afueras de la ciudad. de edad, donde probablemente decoraba una de las capillas construidas por Giovanni Andrea y su esposa Zenobia Del Carretto. La obra revela la asimilación por parte del artista genovés de algunas de las características y métodos de la pintura florentina de finales del siglo XVI.

La refinada composición, pintada hacia 1615, representa un episodio de la Gerusalemme liberata de Torquato Tasso, composición que tuvo un éxito extraordinario en el campo de la producción pictórica y cuyas primeras ediciones fueron ilustradas con imágenes concebidas por el genovés Bernardo Castello. Incluso en la biblioteca de Paggi, un artista culto y actualizado, había una copia del poema de Tasso.

En el trabajo, entre los más primeras representaciones del sujeto literario hechas localmente, el guerrero Rinaldo es representado sujetando el espejo a la bella Armida, atenta a peinarse, acompañada de un putto con un ramo de flores. Entre los arbustos de la izquierda emergen los caballeros cruzados Guelfo y Ubaldo, enviados a la Isola della Fortuna para hacer que Rinaldo entre en razón del hechizo de amor de la hechicera Armida.

El papel de Cornelis de Wael en el entorno cultural de la Génova de principios del siglo XVII no se limitó únicamente a la producción de pinturas. De hecho, fue el punto de referencia para el nutrido grupo de artistas flamencos que querían vender sus obras en la ciudad. Son los años en los que estuvo activo Antoon van Dyck, pero también Jan Wildens y Jan Roos, maestros dedicados a la llamada “pintura de género”. Es en este tipo de obras en las que sobresalió Cornelis, es decir, en las que los escritores de la época definieron como "de figuras pequeñas" y en las que se representaban escenas abarrotadas de nobles o plebeyos.

El lienzo está conectado con otra composición que representa la celebración eucarística de los peregrinos , en la que, en correspondencia con el paisaje, se ha hipotetizado la presencia de la mano del hermano mayor de Cornelis, Lucas de Wael. Las dos representaciones formaban parte de una serie de Ejemplos de virtud capuchina creados por Cornelis durante su actividad en Génova, probablemente durante la década de 1640.