Escultura de hierro, apoyada sobre una base rectangular, con forma de torso humano. Las formas son toscas y están formadas por fragmentos atados entre sí para que se puedan ver los agujeros.   Castelli trabaja sobre la idea de una figura de torso. En este caso, el cuerpo humano es sometido a un violento proceso de erosión: de sus formas sólo queda un eco lejano, una losa delgada e imperfecta, cubierta de cicatrices y calcificaciones, de heridas que ya no cicatrizan. La escultura fue premiada en la 7ª edición del Premio Modigliani en Livorno.

Pintura que representa una banda alta en monocromo rojo bajo la que se pinta una inscripción en cursiva. Isgrò es uno de los artistas más significativos del grupo de los poetas visuales; su investigación, de hecho, se dirige a un arte no ligado sólo a la visualidad sino también determinado por intervenciones conceptuales. Entre finales de los años sesenta y principios de los setenta, el autor realizó un ciclo de obras titulado “Los cuentos rojos”, donde a menudo encontramos referencias a Marx oa otros exponentes de la política comunista. La obra, también conocida simplemente como "Alma", representa un lienzo iluminado y de largas ramas, donde el rectángulo rojo supone una negación total de la imagen, dejando que el espectador la complete, liberando la imaginación sin control, guiada únicamente por el "trazo "letrista que la caracteriza. El lienzo se exhibió en la primera Bienal del Museo Progresista de Arte Contemporáneo de Livorno.

Pintura que representa un torbellino de signos diminutos entre los que se agitan muchos esqueletos deformados.

Tancredi Parmeggiani debutó como poscubista y luego pasó a una producción informal. La crítica de Tancredi a la sociedad hacia el conformismo y la desigualdad social, que anticipa las reivindicaciones de 1968, así como su profundo malestar interior, se encuentra en las fluidas pinceladas en colores pastel de la serie Hiroshima, compuesta por tres grandes lienzos que ilustran, en términos de macabra protesta, los devastadores efectos de la bomba atómica sobre la población civil. La obra, anteriormente 7. Premio Modigliani 1963, forma parte de una serie de tres dedicadas a Hiroshima.

Estuche de madera con fondo azul que contiene doce cuadrados de guata.

Después de un comienzo con la investigación espacial o nuclear, Manzoni se volcó a lo informal y luego se dedicó a trabajar en los Achromes que comenzó en 1957. En 1959 fue uno de los fundadores de Azimuth y comenzó su etapa más provocadora, de desmitificación del arte: de 'aliento' a 'mierda' de artista, a huevos duros firmados con el pulgar, a modelos de carne y hueso firmados por Manzoni. Achrome es una obra de arte conceptual que surge de una intención provocadora que tiene sus raíces en la reflexión dadaísta de desmitificar el objeto artístico. Aquí los cuadrados de guata de la obra, tal como sugiere el título, aparecen blancos porque son naturalmente acromáticos, desprovistos de color. Achrome se exhibió en la 1ª Bienal del Museo Progresivo de Arte Contemporáneo de Livorno junto con las dos Assessment Tables.

Pintado con un fondo negro sobre el que se aplican cintas de nylon negro y beige para formar intersecciones.

Biasi fue uno de los fundadores en 1959 del Paduan Group N, pionero de la investigación cinética, siempre interesado en los estudios visuales y perceptivos, participó en el grupo internacional New Trends en 1961 y desde 1968 realiza investigaciones visuales mediante el uso de computadora. La obra está compuesta por una caja de madera con pintura en su interior y láminas de PVC, la superposición de estas estructuras laminares y fotorreflectoras en PVC crea un efecto vibratorio y conmovedor que estimula al visitante a observar la obra desde múltiples puntos de vista. La pintura se exhibió en la 1ª Bienal del museo progresista de arte contemporáneo en Livorno.

Estructura de aluminio natural, anodizado natural y negro formada por una serie de módulos cúbicos con fondo angulado y de diferentes colores. Al dorso un escrito del autor. Etiqueta con firma y fecha en la parte superior derecha.

El artista, formado en Milán, comienza con trabajos informales para luego dedicarse exclusivamente al estudio de las ambigüedades perceptivas, creando estructuras -estrictamente numeradas en progresión- que involucran al espectador con sus variaciones de profundidad, su alternancia de color y sus deformaciones axonométricas. La obra en cuestión es una obra jugada sobre esa profundidad, sobre esas sombras que actúan también en el interior del objeto que debe ser visto de frente. Forma parte de ese conjunto de obras en equilibrio entre pintura y escultura, que hacen del engaño óptico uno de los elementos fundamentales. La obra se exhibió en la primera Bienal del Museo Progresista de Arte Contemporáneo de Livorno.

La obra consiste en un lienzo pintado de blanco aplicado a un marco de madera y clavos que lo estiran, formando relieves dispuestos de forma regular.

Castellani, después de haber debutado en la década de 1950 con obras informales, se acerca a Fontana, creando entonces superficies monocromáticas animadas por protuberancias y pliegues obtenidos dando forma al marco o sosteniendo el lienzo con nervaduras o clavos que estiran la superficie. La obra en cuestión, fechada en 1970, se sitúa a medio camino entre un lienzo pintado y un bajorrelieve escultórico. El artista ofrece prueba de sus investigaciones óptico-perceptivas sobre un fondo monocromático con el lienzo evertido e invertido por medio de clavos que modifican su superficie. Esta investigación visual y matérica realizada a través de la tensión del lienzo provoca en el espectador una sensación de movimiento de la superficie, que aparece modulada a través de un juego de luces y sombras. Uno de los personajes fundamentales en la obra de Castellani es precisamente el sentido vibratorio, plasmado a través del sentido rítmico y plástico de las superficies.

Pintura que representa una serie de motivos cuadrados dispuestos sobre varias figuras que se cruzan o se superponen. Colores: azul, negro, verde, amarillo, rojo.

Mario Nigro de Pistoia de nacimiento, Livorno de adopción, se unió al MAC en 1949 y comenzó su búsqueda de un "espacio total", caracterizado por redes simultáneas. El arte abstracto del lienzo está puntuado con ritmo y precisión por una cuadrícula geométrica profunda que supera la bidimensionalidad euclidiana, posible gracias a una hábil alternancia de colores brillantes y brillantes, como el amarillo y el verde, en contraste con el azul medianoche y el negro. .de las líneas presentes, de espesor variable. En estas cuadrículas óptico-perceptivas uno se abstrae a otra dimensión y, donde las líneas geométricas se entrelazan en una trama articulada, la investigación de Nigro se vuelve no solo artística sino también ética y filosófica, una transposición dinámica sobre el lienzo de la fugacidad de la vida humana. La obra fue expuesta en la 1ª Bienal del museo de arte contemporáneo progresista de Livorno.

Cuadro de fondo blanco sobre el que se disponen minúsculas figuras y escritos.

Baruchello llega a la pintura después de haberse formado en París en la década de 1950 y haber estado en contacto con Man Ray, Max Ernst y Marcel Duchamp. Sus obras, generalmente grandes paneles de 2x2, se caracterizan por una aglomeración de imágenes minúsculas, por una heterogeneidad de materiales y de palabras. La obra representa una narración multidireccional: de lejos se percibe la visión de conjunto de la obra, de cerca se distingue hasta el más mínimo detalle. La observación de esta obra se convierte así en una acción performativa, donde el espectador se ve involucrado y llamado a ver, recordar, cuestionar y ensamblar las piezas dispuestas por el autor sobre el lienzo. Un fruto que nunca se acaba. La obra, expuesta en la 1ª Bienal del Museo Progresista de Arte Contemporáneo de Livorno junto con algunos datos para ser introducidos en la computadora del corazón (1974) por el mismo autor, fue donada en 1976 por el artista a su ciudad natal (de Baruchello es también presente en Bottini dell'Olio en frío hecho).

Panel de forma hexagonal con dovelas de aluminio colocadas formando un cubo visto de canto. El panel es de laminado negro mate.

El autor, particularmente interesado en las vibraciones luminosas, se ha dedicado desde la década de 1950 a las superficies con textura vibrante que representan su investigación básica. La obra en cuestión investiga la forma y los materiales a través de las vibraciones luminosas sobre la superficie reflectante y trata de engañar al ojo del espectador socavando el sentido formal del objeto y su dimensionalidad efectiva. La obra en cuestión fue expuesta en la 1ª Bienal del Museo Progresista de Arte Contemporáneo de Livorno.