El cuadro, que ingresó a las colecciones cívicas gracias a una donación en 1936, representa a una mujer joven con un vestido oscuro y los hombros cubiertos por un velo transparente sostenido por un broche de oro; desprovisto de escenario, el retrato muestra un tono directo, íntimo y familiar, con la joven mirando a los ojos al espectador con un asomo de sonrisa. La pintura, de notable calidad, ha sido comparada con la producción del gran Francesco Hayez: la hábil orquestación de colores y el tono intimista y sentimental están bien situados en la producción del veneciano hacia 1825-35. En cuanto a la joven retratada, podría tratarse de Carolina Zucchi, la mujer con la que Hayez entabló una apasionada relación amorosa y a la que el pintor supo retratar en numerosos cuadros entre 1825 y 1835, también bajo la forma de personajes históricos de los cuadros. artista, incluyendo El último beso que Julieta le dio a Romeo (1823).

Se trata de una composición de naturaleza muerta tradicional del siglo XVII: tema muy en boga en la época, el tema de la naturaleza muerta se presta a infinitas variaciones destinadas a potenciar las habilidades técnicas del artista en la representación mimética de la realidad. En el cuadro de Monza, que llegó al museo gracias a una importante herencia de 1923, llama la atención la figura del pato vertedor, junto a una becada y otras aves y frutas dispuestas sobre un cesto de mimbre. La obra fue expuesta en la Pinacoteca en 1935 como producción de la escuela cremonesa del siglo XVII; con motivo de la reapertura al público de los Museos Cívicos en 2014, ha sido objeto de una importante restauración que ha permitido recuperar su plena legibilidad.

El cuadro interpreta el relato evangélico de la subida al Calvario, con Jesús coronado de espinas cargado con la cruz por un grupo de esbirros que se arremolinan a su alrededor, ocupando casi toda la superficie del cuadro. Federico Zeri propuso en 1984 asignar la obra, datando de finales del siglo XVI, a Giovanni Battista Cremonini, pintor de Cento y propietario de una escuela. Es un tema muy difundido en la pintura entre los siglos XV y XVI con una entonación puramente devocional: el Cristo portando la cruz mira fijamente al espectador, envolviéndolo emocionalmente, mientras los soldados que se arremolinan alrededor de Jesús manifiestan un estilo manierista que se acentúa a través de la diagonales y un ritmo casi rotatorio la dimensión dramática del episodio.

La obra forma parte del nutrido grupo de pinturas realizadas por Mosè Bianchi, el pintor monzese más importante del siglo XIX, sobre el tema de las mujeres rezando en el interior de una iglesia. El tema ofrece al pintor la oportunidad de captar tanto los aspectos del género -el monaguillo que apaga las lámparas, las actitudes y vestimentas de las damas nobles- como las alusiones a los temas del Risorgimento, desprovistos de tonos pietistas o apagados gracias a la solidez del sistema, la hábil modulación de las luces y toques de color que animan la penumbra del interior. El cuadro está ambientado en una iglesia que recuerda en ciertos detalles al Duomo de Monza, aunque no se trata de una reproducción fiel del mismo sino de la libre reelaboración de un lugar lleno de recuerdos, evidentemente frecuentado por el autor durante mucho tiempo.

La obra entró en las colecciones cívicas de Monza gracias al importante legado de la familia en 1992: Guido Cinotti fue un válido pintor toscano activo a finales del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX, autor principalmente de paisajes y naturalezas muertas. Se adhirió durante un tiempo al divisionismo, como lo demuestra la pintura de Monza: el tema alpino -un pase representado con una perspectiva central de la carretera cubierta de nieve- permite a Cinotti aplicar la técnica del dibujo filamentoso del color, con breves toques yuxtapuestos. que potencian la luz y los colores con una altísima calidad técnica. El tema también fue abordado por Cinotti en los años siguientes, como lo demuestra la versión conservada en la Galería Ricci Oddi de Piacenza.

La obra entró en las colecciones cívicas de Monza gracias al importante legado de la familia en 1992: Guido Cinotti fue un válido pintor toscano activo a finales del siglo XIX y primeras décadas del siglo XX, autor principalmente de paisajes y naturalezas muertas. Se adhirió durante un tiempo al divisionismo, como lo demuestra la pintura de Monza: el tema alpino -un pase representado con una perspectiva central de la carretera cubierta de nieve- permite a Cinotti aplicar la técnica del dibujo filamentoso del color, con breves toques yuxtapuestos. que potencian la luz y los colores con una altísima calidad técnica. El tema también fue abordado por Cinotti en los años siguientes, como lo demuestra la versión conservada en la Galería Ricci Oddi de Piacenza.

Anselmo Bucci es uno de los pintores más importantes representados en las colecciones del museo: natural de Fossombrone, vivió la mayor parte de su vida en Monza, donde dio sus primeros pasos como pintor y donde murió en 1955. El pintor tocaba una tecla protagonismo en la experiencia del Novecento Italiano, que fundó junto con Dudreville, Funi, Sironi, Oppi, Malerba y Marussig pero de la que salió en 1929, continuando sus investigaciones de forma independiente. El cuadro representa a un Anselmo Bucci maduro y plenamente consciente del papel que ahora asume en el panorama del arte italiano de aquellos años: se representa a sí mismo dentro de un óvalo de tres cuartos, como artista, con una mirada decidida y confiada. Al fondo, indefinido pero iluminado a la izquierda por una ventana, se reconoce una figura femenina.

En 1881 Pompeo Mariani realizó un viaje a Egipto en el que quedó fascinado por los colores y las tradiciones de la cultura norteafricana, como se puede apreciar en esta vista del campo a las afueras de El Cairo, a lo largo del curso del Nilo: el camino de tierra que prospectivamente serpentea en profundidad es atravesado por unas mujeres cargando ánforas para el agua, mientras en el río se pueden ver las tradicionales barcas de velas blancas. Como en muchos otros casos relacionados con el viaje a África, esta pintura también fue realizada al regresar a Italia, reelaborando los bocetos dibujados en el lugar y las sugerencias de recuerdos personales. La pintura denota el conocimiento de las obras y cortes compositivos de De Nittis, centrados en el motivo del camino en perspectiva y los elementos que conectan hábilmente el primer plano y el paisaje de fondo, unificados por el uso seguro de luces y colores.

El gran lienzo representa una de las obras más exigentes de Emilio Borsa, atento observador de la realidad rural aún presente a finales del siglo XIX en las afueras del centro histórico de la ciudad. En este caso, la Borsa captura un momento de la vida cotidiana en los molinos que existían entonces a lo largo del Lambro en el área del convento de Grazie Vecchie, un área entonces completamente interrumpida por los asentamientos posteriores al final de la Segunda Guerra Mundial. La obra goza, gracias también a una reciente restauración, de una altísima calidad cromática realzada por el sabio uso de las luces y los reflejos en el agua, mientras que la investigación de figuras femeninas captadas en el desempeño de tranquilas actividades cotidianas se sitúa en la línea del naturalismo. del siglo XIX bien presente en la producción artística de Monza de la época.

El gran lienzo es una de las obras maestras del pintor de Monza Eugenio Spreafico: por un camino de tierra en el campo, marcado por los surcos de las ruedas de los vagones, un grupo de mujeres jóvenes avanza hacia el observador que, habiendo terminado la obra , regresan a sus hogares al atardecer . Considerada a menudo como una especie de "Cuarto Poder" femenino, la pintura evoca la realidad de Monza de finales del siglo XIX, inmersa en el clima de atención a los datos reales y al dinamismo social de la época, sin por ello implicaciones polémicas o de denuncia como siempre en la production dello Spreafico, un observador atento con una mirada participante. La obra se exhibió por primera vez en 1895 en Génova donde estuvo a la venta por la suma de 3000 liras; Según los comentarios de la época, es un tema ya tratado por Spreafico -pero no solo- en composiciones similares de la década de 1880, retomada posteriormente como evidencia del éxito iconográfico del modelo de obreras que avanzan cantando.

El fresco, desgarrado y devuelto a la tela, representa el momento en que María sostiene en sus brazos el cuerpo sin vida de su Hijo bajado de la cruz, mientras Magdalena llora sosteniendo las piernas de Jesús y José de Arimatea trae la mano del difunto en su rostro. Junto al grupo de dolientes aparece la figura -incongruente según el relato evangélico- de San Juan Bautista, reconocible por la túnica de pelo de camello. Al pie del grupo, en particular, un clavo y la corona de espinas que, junto con la presencia del Bautista, remiten al lugar de Monza del cuadro: el Bautista es en realidad el patrón de la ciudad, mientras que el los instrumentos de la Pasión aluden a las reliquias veneradas en Catedral, en particular al Santo Chiodo guardado en la Corona de Hierro. El fresco proviene de la Casa degli Umiliati, que ahora alberga el museo, de donde fue arrancado en 1932 cuando el edificio se utilizó como sede de la Corte Real de Magistrados; en el momento de la publicación, la autoría se atribuía a Simone Peterzano, pero tras investigaciones posteriores y comparaciones estilísticas es mucho más plausible que el autor del fresco sea Giuseppe Meda, activo en esos mismos años en la cercana Catedral de Monza. La pintura se caracteriza por las formas elegantes de un dibujo de estilo manierista, con evidencia calibrada de gestos y expresiones y referencias a los modelos de Miguel Ángel.

Simone Pellegrini actualiza en su obra un lenguaje expresivo primordial, cargado de una fuerza ancestral que evoca la pintura rupestre en una representación fuertemente enigmática. El artista de Ancona elabora un alfabeto de signos que mantienen intacta una carga casi mágica y que, al mismo tiempo, comunican un dinamismo continuo. Así como a mediados del siglo XIX asistimos al retorno de un sistema figurativo ligado a los frescos de los primitivos italianos con el Primitivismo, así Pellegrini da nueva vida en el siglo XXI a un lenguaje de la memoria paleolítica reinterpretado en clave contemporánea, donde los hombres estilizados y animales se mezclan con efectos de refinado decorativismo gráfico que renuncia al cromatismo vivo, evocando paredes desnudas de roca grabadas por claros surcos. La obra surge como premio de compra de la exposición "SerrOne Biennale Giovani Monza 2005".

Firmada por el gran escultor lombardo protagonista del panorama artístico de la segunda mitad del siglo XIX, la pieza representa a una joven noble, elegantemente vestida, con el pelo recogido y un vestido de encaje sobre un ajustado corsé en el busto y decorado con ramos de flores. De flores. Sobre el hombro de la mujer descansa un pájaro que sostiene entre sus patas un papel enrollado, de ahí el nombre de "mensajero del amor", ya que la joven parece volver la cabeza hacia el animal como si escuchara, con una mirada pensativa y melancólica. . La mujer lleva también una doble vuelta de perlas cerrada por un camafeo con un lirio y pendientes de perlas, según la moda de la época. Por el momento no existen elementos ciertos que identifiquen al retratado: la pieza, sin embargo, proviene de un depósito en la Villa Real de Monza frecuentada, desde 1868, por el entonces príncipe Umberto de Saboya y su esposa Margherita; dada la alta calidad estilística de la obra y su procedencia, podría tratarse de una reinterpretación romántica de una imagen de la princesa Margarita o de un miembro de la familia.

El gran lienzo representa una vista de Strada Ferdinandea (llamada así con motivo de la visita a Monza de Fernando I de Habsburgo, más tarde rebautizada como Via Vittorio Emanuele en honor al primer rey de Italia), creada entre 1838 y 1847 mediante el destripado y rectificado un tejido urbano medieval en el centro histórico de la ciudad. El camino, parte de la ruta militar austriaca hacia el paso de Spluga, aparece flanqueado por una cortina de sobrios edificios del siglo XIX, algunos de los cuales aún están en construcción; la vista está tomada bajo los soportales del Arengario, el ayuntamiento medieval de Monza, donde el pintor inmortaliza con minucioso detalle una serie de "cuadros" de la vida cotidiana, descritos con ese tono elegante y mesurado que hizo del Engaño uno de los autores más apreciados de las vistas urbanas en Lombardía a mediados del siglo XIX.

El grupo monumental representa el mito de Júpiter que, para conquistar a la joven Leda, hija del rey de Esparta, se convierte en cisne. De la unión con el dios nacen dos huevos, de los que nacieron Castor y Pollùce, los Diòscuri, así como Helena de Troya, esposa de Menelao, y Clitemnestra, esposa de Agamenón, hermano de Menelao. Arturo Martini -uno de los más grandes intérpretes de la escultura italiana del siglo XX- presentó el yeso de Leda en 1926 en la 1ª Mostra del Novecento Italiano celebrada en Milán; de este yeso se extrajo luego la escultura de arenisca expuesta en 1930 en la IV Exposición de Artes Decorativas de Monza, en el período en que (1929-1931) el escultor impartía clases en el Instituto Superior de la Industria del Arte (ISIA) local. La obra se caracteriza por una sólida investigación volumétrica que, gracias a la linealidad de los escaneos y la solidez de la construcción geométrica, iluminada por los pasajes en claroscuro, la convierte inmediatamente en un icono, estudiado y reproducido en numerosas ocasiones. Bien insertada en la producción del maestro de los años veinte, a la luz de la investigación artística contemporánea en Italia, Leda mira la escultura primitiva, la pureza románica de las formas, la síntesis arcaica que actualiza la dimensión fabulosa del mito.