"En Kergoat una profunda impresión te lleva por completo..." Breton, natural de Pas-de-Calais, cuenta el perdón que presenció en 1890 en Quéménéven, cerca de Locronan. De vuelta en París, en su estudio, pintó esta gran composición. Es la celebración anual de la capilla, una de las más grandes de Cornualles. La multitud se apresura a obtener la absolución de los pecados. Al son de los tambores, la procesión espera para entrar por el pórtico. La variedad de trajes bordados asombra. Breton retrata la piedad colectiva. Detalla la escena: hombres, luego mujeres con el rostro abatido, multitud de velas encendidas, estandartes resplandecientes, estatuas veneradas. El rojo de las túnicas de Ploaré irrumpe en el centro de la vegetación del santuario.

El lienzo se presentó en las Exposiciones Mundiales de Chicago y París de 1893 y 1900. Propiedad de un coleccionista estadounidense, este lienzo fue adquirido en 1994. Además de las subvenciones públicas, 1.177 suscriptores locales contribuyeron a esta compra, símbolo del apego de un región a su patrimonio.

Al igual que Jules Breton, los artistas presentados en esta sala descubrieron Finisterre en su mayoría en la segunda mitad del siglo XIX. Están fascinados por la profunda piedad de los habitantes. La vida religiosa incluye varios temas: gracias, misas, oraciones… donde el fervor y las costumbres compiten por el protagonismo.

© Musée des beaux-arts de Quimper.

Brrr, la muerte aguarda... Miedo a Ankou en una noche de luna llena. En una atmósfera de niebla, los árboles son amenazantes. Los fantasmas de las lavanderas agitan sus mortajas blancas. Desde la parte posterior de la pintura, vuelan al primer piso para rodear a Wilherm Postic. Es el día de Todos los Santos y este incrédulo no ha honrado a sus muertos. Pelo lacio, boca muy abierta, aterrado, la muerte a su izquierda le advierte "te atrapo y sorprenda". Pronto será arrebatado del mundo de los vivos y yacerá en la espesura porque no es necesario torcer el sudario en dirección a la lavandera a riesgo de que le rompan los huesos. Yan'Dargent recordó las leyendas fantásticas de su infancia. El tema está tomado de la colección de Émile Souvestre, Le Foyer breton, publicada en 1844.

En Finisterre, el Ankou es la personificación de la muerte o su sirviente. Es una figura destacada de la tradición oral y los cuentos bretones.

De acuerdo con los deseos del artista y según la costumbre, su hijo solicitó que su cuerpo fuera exhumado en 1907 y que su cabeza fuera colocada en el osario con su familia. Este es el último destacamento de cabeza conocido en Bretaña.

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¡Un puerto en la ciudad! El "Roi des Ciels" (apodo que Boudin recibió una vez de Corot), ofrece una vista del río Odet. Desde el distrito de Cabo de Hornos es posible observar las aguas tranquilas en marea alta extendiéndose hasta la catedral. Este paisaje urbano está animado: paseantes en los muelles, lavanderas en el trabajo e incluso el barquero esperando el paso del cliente. El pintor ofrece elementos tradicionales de la representación: composición equilibrada de árboles a los lados de la curva de los muelles, profundidad de la pintura tallada por el contraste de sombras y luces, juego de líneas de postes y flechas. . Sin embargo, emerge un nuevo espíritu: el vasto cielo de verano con efectos atmosféricos fugaces, los reflejos en el agua y el toque fragmentado alrededor del barco hacen de Boudin un precursor del impresionismo.

La catedral de Saint-Corentin es uno de los temas favoritos de los pintores que vinieron a Quimper. Esta vista de Boudin es invaluable porque es la primera flecha de documentación completada el año anterior. Diseñados por Joseph Bigot, también arquitecto del museo inaugurado en 1872, son el símbolo de la ciudad.

Boudin elige el punto de vista pintoresco por excelencia para dar una imagen emblemática de Quimper. Muchos artistas han seguido su ejemplo. Incluso hoy en día, esta representación de postal sigue seduciendo. El escenario ha cambiado poco: ¡una comparación para hacer en el acto!

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“Quien ve a Sein ve su final”… En esta isla apodada “la isla de los muertos”, una viuda y su hijo meditan con dignidad sobre la tumba de sus difuntos. La joven mira hacia abajo, interioriza dolorosamente su drama. Arrodillado sobre la piedra, el niño levanta la cabeza y nos mira con tristeza. Sus silencios se oponen al estruendo del mar chispeante de fondo. Esta oscura escena de luto tiene lugar en un cementerio bañado por las olas, sin flores ni colores. Renouf pasó el invierno entre los pescadores de esta austera isla situada en un mar hostil. Sin embargo, esta conmovedora escena es ficticia: el pintor ha elegido este lugar abandonado como escenario y ha colocado estas figuras que se convierten en los arquetipos de la viuda y huérfana del marinero.

Este cuadro, presentado en el Salón de París, trajo notoriedad a su autor, quien obtuvo la medalla del segundo lugar. Inmediatamente fue adquirida por el museo. A partir de esta obra el tema de la viuda bretona se convierte en un lugar común. En Sein, las viudas ocupan un lugar especial, tienen un carácter casi sagrado y no se vuelven a casar.

El mar es particularmente peligroso en la Raz de Sein y más generalmente en Bretaña. Los naufragios son comunes allí. La piedad bretona se caracteriza por su lealtad a los muertos. Las viudas de los marineros, vestidas de negro, a menudo eran representadas diariamente en oración ante las tumbas de sus hombres: padres, maridos, hijos. Particularidad de la Ile de Sein: después de la epidemia de cólera de 1886, el tocado de luto se convirtió en el de la vida cotidiana.

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La apuesta está furiosa. Santa Lucía de Siracusa es martirizada bajo el reinado del emperador romano Diocleciano por su conversión al cristianismo, su resistencia irrita: un testigo salta al poste y le corta el cuello.

Los cuerpos se retuercen, dan vueltas en todas direcciones; el humo sube en densas espirales, llevándose consigo la vaporosa tela del vestido. La violencia de la escena estalla en los efectos de vislumbres y perspectivas, en el virtuosismo y en los contrastes cromáticos.

Nacido de la Contrarreforma, que reafirmó la importancia del culto a los santos, el arte barroco mostró su esplendor en los ambientes religiosos. En 1621, Rubens hizo el techo de la iglesia de los jesuitas en Amberes, que se perdió en gran parte en un incendio en 1718. Los bocetos preparatorios nos permiten imaginarlo hoy.

Esta obra sobre madera nació de un importante encargo recibido por Rubens en 1620, en el que el pintor se comprometía a realizar en menos de un año una serie de pinturas para adornar el techo de esta iglesia, construida a partir de 1615. El contrato especifica que tuvo que "dibujar los dibujos de las 39 pinturas en pequeño formato con su propia mano, dejando luego la ejecución final a Van Dyck y algunos otros estudiantes" desde su estudio. Este modelo, un boceto pintado al óleo, asume todo su valor: de la mano del propio maestro, ilustra su genialidad y testimonia lo que sus contemporáneos llamaron "la agilidad y el frenesí de su pincel".

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¡Silencio! No tenemos que despertarla. Ella yace desnuda sobre gruesos almohadones, abandonada, ofrecida al asombro. Su piel es de color blanco mármol, su cabeza y pechos son pequeños. Su cuerpo idealizado tiene curvas sensuales. No es una mujer, sino una diosa lo que contemplamos. Inquietante y perfecta belleza.

Pero, ¿por qué esta mano izquierda cortó la muñeca y las piernas brutalmente cortadas al nivel de los muslos? Esta obra es el fragmento de una composición mayor: el ágil arabesco del cuerpo ondulante de Venus sobre un lecho cubierto con una sábana florida, al final del cual dos ángeles observan una pareja de pájaros. En la esquina superior derecha, un paisaje daba profundidad al conjunto. No sabemos cuándo se redujo a este llamativo óvalo.

¿Por qué exhibir una obra trunca? Dell'Abate se hizo famoso en Italia a principios del siglo XVI por su sentido del paisaje, las escenas de género y los tipos femeninos. Llamado a la corte del rey de Francia en 1552, destaca Le Primatice para la decoración del castillo de Fontainebleau. Introdujo el gusto por el paisaje y las escenas pastoriles en el arte bellifontana.

El tema de la Venus dormida rodeada de amores es un clásico del arte renacentista. Nicolò pudo estudiarlo en Italia y en la colección real francesa. Le da vida y púlpito, con la flexibilidad de su pincel y sus colores nacarados. Muchas de sus obras fueron destruidas o retocadas en el siglo XVII, su encanto voluptuoso golpeó la sensibilidad más puritana. Esta Venus es uno de los raros ejemplos de su delicado talento.

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Imagina a San Pablo a la luz vacilante de las velas: hierático, cobra vida, se vuelve irreal. Su rostro emerge, vivo y colorido, del fondo dorado, luz divina. De pie, de frente, su figura pertenece al mundo celestial. La espada de su martirio es también el símbolo de su carrera como soldado. En mano, sus epístolas, cartas dirigidas a las primeras comunidades cristianas.

A principios del Renacimiento, el siglo XIV sienés mezcla influencias: del arte del mosaico bizantino por la actitud estática y la mirada, y del arte gótico por su formato ojival o motivos punzonados. El suelo ya evoca la perspectiva y las sombras el modelado del cuerpo.

Pintado sobre madera, la obra más antigua de las colecciones es un fragmento del retablo de la Iglesia de San Domenico en Siena.

A finales del siglo XIV no existía la pintura de caballete. La Iglesia es el principal cliente artístico. Vasari en sus Vidas juzga a Bartolo di Fredi como un "pintor mediocre en su época", pero tuvo cierto éxito y realizó este retablo. Utilice la técnica del fondo de oro: sobre un soporte encolado y luego cubierto con una preparación roja, aplique hojas de oro, símbolos del mundo sagrado. Este políptico, en cinco paneles, presentaba a la Virgen de los Evangelistas en un marco en el centro. St. Paul estaba a su izquierda. Los pocos objetos conocidos se encuentran dispersos en museos y colecciones de todo el mundo.

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¡Los amores de los dioses no son un largo río tranquilo! Como prueba, este virtuoso boceto en tonos marrones presenta el voluptuoso rapto de Proserpina, la figura central. Al dominarlo, su tío Plutón, el dios romano del Inframundo, es alcanzado por la flecha de Cupido. El dios es reconocible gracias a su bidente ya la antorcha que porta el querubín. Abajo, la ninfa Cyané observa el drama. Sus lágrimas inagotables están simbolizadas por el jarrón volcado.

Esta escena de fuego extrae su tema mitológico de las Metamorfosis de Ovidio.

El formato ovalado es típico de los temas populares de medallón. Sin un resultado identificable, ¿la presencia de la firma y la fecha, algo raro en un boceto, lo convertiría en una obra independiente?

Boucher, un notable artista rococó francés bajo Luis XV, demuestra aquí su maestría, un año antes de su muerte.

La obra de Boucher disfruta de la libertad de tacto que proporciona el ejercicio preparatorio. Un boceto deja espacio para el movimiento impetuoso y no está cargado de detalles. El pintor aplica la técnica monocromática, que consiste en utilizar degradados de un solo tono.

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Es una gran noche en Versalles... Las vistas del parque Petit Trianon se iluminan para una noche excepcional. Los fuegos de los fardos en las acequias y los farolillos colgados de los árboles o escondidos en los macizos de flores permiten ver muchas siluetas pequeñas en la oscuridad. La multitud se precipita a descubrir el espectáculo de la rotonda del Templo del Amor, magistralmente iluminada. En esta rara recreación de este jardín en el arte del siglo XVIII, el pintor juega con el claroscuro y los reflejos en el agua. En el jardín del Petit Trianon se organizaban suntuosas fiestas bajo la égida de María Antonieta. Aquí se habría representado nada menos que la recepción del 6 de junio de 1782 en honor del Conde del Norte, hijo de Catalina II, futuro Pablo I de Rusia.

Este cuadro ilustra a Hubert Robert, el cronista inagotable de los acontecimientos de la vida parisina: fiestas, obras urbanas, incendios. Hoy este artista, de notable trayectoria oficial, es más conocido por sus representaciones de ruinas con contenido sentimental.

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Una mujer de su tiempo. La mujer elegante, sentada en su casa, escribe a sus hijos en vísperas de la Revolución Francesa. La bella desconocida nos mira fijamente, todavía absorta en su tarea. Su vestimenta refleja una nueva moda que tiende a la sencillez: una levita blanca perla, un velo transparente en el cuello y la charlotte sobre su cabello natural empolvado. Encarna, en este Siglo de las Luces, a la mujer de salón moderna, liberada y culta. Este retrato está hecho por una artista, Adélaïde Labille-Guiard. En esta obra despliega una prodigiosa capacidad de materialización: los reflejos del raso y la opacidad de la madera del escritorio revestido de fieltro verde contrastan con un fondo neutro.

Adélaïde Labille-Guiard es una de las retratistas más famosas de finales del siglo XVIII. También es una reconocida miniaturista y pastelista después de un aprendizaje con el gran maestro Quentin de La Tour. Fue admitida en la Académie de Saint-Luc, una academia de pintura, cuando tenía solo veinte años. Luego ingresó en la Académie Royale de peinture et de sculpture al mismo tiempo que su rival Élisabeth Vigée Le Brun, con quien a menudo se la compara. Adquirió su fama gracias a los retratos que hizo primero para las hijas de Luis XV y luego, después de la Revolución, para los de catorce diputados de la Asamblea Nacional, incluido el de Robespierre. Además, la artista luchó para mejorar el estatus de los pintores creando su propia escuela de arte para niñas.

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¿Estamos exhibiendo un lienzo inacabado? Este paisaje ofrece una vista panorámica sobre el valle de Pierrefonds, en la región de Oise. En el horizonte se divisa el bosque de Compiègne. Las ruinas luminosas del castillo medieval dominan la composición. Corot colocó su caballete al costado del camino para pintar el paisaje. Se le reprochó el libre curso de pintura. La obra da el efecto de un estudio y no de una obra completa. El primer piso es una construcción sólida e ignora la línea. La tierra, la hierba y la figura desaparecen rápidamente. Los segundos pisos son más detallados: árboles, campos, arquitectura, nubes. Pero todo se basa en un uso moderno del color, con una paleta estrecha, a expensas del detalle. Corot fue uno de los primeros en estudiar al aire libre, lo cual es sorprendente para la época.

"Pleinairismo" se refiere al acto de trabajar fuera del estudio. Esto fue posible gracias a la invención industrial en 1841 de las mangueras metálicas de colores que evitaban la necesidad de moler y mezclar pigmentos. Muy a menudo, el artista crea dibujos o gouaches in situ para fijar motivos y luces que luego utiliza en las pinturas en el estudio.

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Depósito estatal en 1896, transferencia de propiedad del Estado al Municipio de Quimper en 2013

¡Rápido, observa cómo la ciudad de Ys se sumerge en el horizonte antes de que desaparezca! La ira divina se expresó, al igual que ese cielo amenazante. Perseguidos en su huida por una ola rompiente, el rey Gradlon y santa Guénolé parecen huir del cuadro, mientras la princesa Dahut lucha por su supervivencia. Con una sucesión de curvas y colores cálidos que sugieren acción, el artista atrae la atención hacia el centro del lienzo. El caballo del rey se encabrita bajo el peso de los pecados de la bella Dahut, responsable con su vida frívola de la destrucción de la Atlántida bretona. La condena viene del monje con el halo. ¿Qué invoca ese dedo apuntando al cielo? Seguramente la voz de Dios ordenando al rey que ahogue a su hija.

Esta leyenda proviene de la colección de canciones populares Le Barzaz-Breiz del folclorista La Villemarqué.

Al abordar esta leyenda, Luminais se asocia con el movimiento celta de finales del siglo XIX. El museo conserva también el boceto preparatorio de la obra, de tamaño más modesto. No tiene la misma fuerza evocadora que este inmenso cuadro, destinado al Salón. En París, dentro de una exposición densa, sólo se distinguieron los grandes formatos.

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¡Una de las mujeres más bellas de París está en Quimper! Marie-Thérèse de Cabarrus tiene 23 años. Se acaba de casar con el conde Claude de Saint-Amand Matignon. El color blanco del Vestido (¿bola?) y la corona de flores de naranja simbolizan su pureza y el ramo de violetas su modestia. La postura estática semisentada contra el reposabrazos del sofá, la curva del hombro y la pureza del rostro recuerdan el dibujo de Ingres (del que se formó Chassériau). La sensualidad de la mirada y los labios entreabiertos atestiguan la influencia de Delacroix. A pesar de su prematura muerte a la edad de 37 años, Chassériau fue uno de los famosos retratistas del siglo XIX. Este retrato fue legado al museo por la misma modelo, como muestra del apego de la pareja a la región en la que pasaban sus vacaciones.

Expuesta en el Salón de 1848, aquí está la descripción del escritor Théophile Gautier, amigo del pintor: "La muchacha vestida con un vestido de seda blanco hielo con reflejos tornasolados, la capa doblada sobre el brazo, está de pie, apoyada en un acolchado sofá ranúnculo con botones; de una mano cuelga un ramo de violetas de Parma, la otra cuelga despreocupadamente a lo largo del costado […]; entre el púrpura de su boca con dientes de perla una sonrisa estalla como un relámpago.”

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He aquí una mujer en olor de santidad. Quieta y silenciosa, santa Isabel de Hungría, canonizada en el siglo XIII, se destaca pálida sobre un fondo más oscuro compuesto de finas líneas. El brillo del oro rosa lo ilumina. ¡Intervención divina! Las flores reemplazan los panes que distribuyó a los pobres en contra del consejo de su esposo.

Después de estudiar en la Academia, primero en Viena y luego en París, List se hizo amigo de Gustave Klimt. En 1905 fundaron la Segunda Secesión Vienesa, que se levantó contra un arte esclerótico. Su pintura también se caracteriza por sus figuras femeninas, inspiradas en la poesía nórdica, la historia medieval y la mitología. En 1907 participó en la exposición del grupo, para la que pintó un tríptico dedicado a Santa Isabel del que se extrae esta tabla.

Expuesto en Viena, el tríptico se dispersó de inmediato. El museo conserva los dos paneles laterales. El elemento central, horizontal, se conserva en otra colección.

List se inspiró en los primeros pintores del Renacimiento con su elección del temple, una pintura vinculada al huevo, técnica utilizada en la creación de iconos y frescos. El uso del oro también contribuye a este enfoque, como en las obras de los sieneses Bartolo di Fredi y Sano Di Pietro.

Expresión plástica de la literatura simbolista, esta pintura quiere ser contraria a la realidad visible y al naturalismo. Cultiva el gusto por lo bizarro y el misterio apelando a la imaginación. Los artistas de esta corriente ilustran un ideal perdido, inspirándose en el pasado, mitologías, cuentos y leyendas.

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Nunca beberé tu agua. Esta pequeña escultura en forma de alforja, modelada por Paul Gauguin en 1887, no parece tener una vocación funcional sino decorativa. El artista acababa de pasar su primera estancia bretona en Pont-Aven en 1886. A su regreso a París, mientras intentaba renovarse y explotar sus creaciones, conoció a Ernest Chaplet, uno de los ceramistas más creativos de su tiempo. Se inicia en su técnica. Gauguin proyecta allí su herencia peruana. La pieza que se presenta es una cerámica parcialmente vidriada con una decoración de motivos de jóvenes bretones con trajes tradicionales. También hay gansos, un motivo recurrente en Gauguin. La inspiración viene de los cuadernos hechos en Bretaña.

Más que la línea del objeto, el interés del artista está en el material y en su modelado. Con la piedra arenisca marrón, Gauguin asocia un barniz parcial de color marrón cobrizo que recuerda a las alforjas de cuero de los peregrinos en Compostela. Se cree que produjo alrededor de un centenar de estas cerámicas, de las cuales muy pocas han sobrevivido. No hubo éxito. Gauguin le escribió a su esposa: "Hago esculturas de cerámica, Schuffenecker dice que son obras maestras y que el creador también lo es, pero probablemente sean demasiado artísticas para venderlas". Paul Gauguin es conocido por sus pinturas, pero también es escultor, grabador y ha sabido multiplicar sus experiencias artísticas.

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El fuego crepita, el humo sube, motas de colores complementarios se mueven. En el centro de una vista panorámica, un barco de pesca está varado durante la marea baja. Algunos hombres derriten el alquitrán para fortalecer la impermeabilidad del casco. La cala se prolonga hasta la entrada de Pont-Aven, donde a la izquierda se puede ver un molino sobre el río y el campanario del pueblo. El pintor, en efecto, amplía la escena modificando la realidad. Para desarrollar una zona plana de vegetación, el cerro se convierte en una masa en voladizo. Maufra se une así a la escuela de Pont-Aven mediante la extrema simplificación de las formas y el uso del anillo oscuro que las separa. Pero su arte es híbrido y original: del impresionismo conserva el toque y el interés por los reflejos en el agua.

En 1888 Pont Aven fue escenario de importantes innovaciones plásticas. Simplificación radical de las formas, uso de colores puros dispuestos sobre superficies planas, ajenos a la percepción ordinaria, abandono del encuadre y la perspectiva clásicos, de forma similar a las estampas japonesas: todo ello caracteriza la revolución formal que se produjo posteriormente y de la que todo artista se ha apropiado de sí mismo a su manera. El término "síntesis" define este nuevo enfoque que reemplaza la observación por su recreación en el imaginario. Esta liberación de las ataduras académicas, este "derecho a atreverse a todo" que preconiza Gauguin, lleva la pintura a otros territorios, a otros experimentos.

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¡Es un día de celebración en Perros-Guirec! Maurice Denis observa el ajetreo y el bullicio del puerto. Los barcos salen a competir. Los niños juegan a la carrera de patos y huyen de la lona, a la derecha. En primer plano, tres mujeres disfrazadas: el artista utilizó superficies negras para darles forma. Frente a ellos, el palo mayor, tratado como un tronco de árbol, que atraviesa la lona en su altura. Su sinuosa decoración responde a los arabescos de la superficie del agua. Estos diferentes elementos dan testimonio de la influencia del arte de las estampas japonesas en la obra del pintor.

Denis es parte del movimiento artístico Nabi. Esta corriente quiere liberar a la pintura del realismo y encontrar en ella un carácter espiritual y sagrado.

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En el corazón de un denso bosque se retrata una extraña escena: ¿qué hacen estas tres mujeres de mirada impasible? Están comprometidos en una curiosa ceremonia. Arrodillado en el centro, uno de ellos parece estar haciendo una ofrenda frente a una llama ardiente sobre una roca. ¿Será un altar de formas sobrenaturales? Podemos ver un animal dormido plácidamente. El color verde ocre le permite mimetizarse con el resto de la maleza. Paul Sérusier aplica aquí los principios pictóricos del sintesis, heredados de la Escuela de Pont-Aven y de Paul Gauguin. Los troncos pulcros no muestran sus ramas, lo que le da a este bosque un aspecto desproporcionado. La perspectiva fue prohibida, como en el arte de las estampas japonesas, que influenció a los artistas occidentales.

El movimiento Nabi, heredero de los principios de la Escuela de Pont-Aven, se aleja de la realidad simplificando las formas y reduciendo la paleta cromática. Para estos artistas “toda obra de arte es una transposición, una caricatura, el equivalente pasional de una sensación recibida”. Inspirándose en el bosque de Huelgoat, una región salvaje, el arte de Sérusier también forma parte del movimiento simbolista: allí encuentra material para crear una obra mística y atemporal.

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Conflagración crepuscular... Cinco pinos marítimos ocupan toda la altura del lienzo. Soy el sujeto de la composición. El resto está mal detallado, el suelo en primer plano está sumido en la oscuridad. Como en el arte de las estampas japonesas, las formas son sintéticas, ahí está lo esencial. En su Diario de 1916, Vallotton se expresaba así, queriendo evocar la emoción que le produce el paisaje a través de "algunos rasgos evocadores, uno o dos detalles, elegidos, sin superstición de tiempo exacto o iluminación".

El rojo de los baúles se libera del realismo como lo desea la estética del grupo Nabi al que pertenece. Nacido en Suiza, es apodado "El Nabi Extranjero". Pintor, grabador, ilustrador de revistas, es un artista completo.

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"Abandona toda esperanza o tú que entras". Esta es la advertencia que nos hace este molde de yeso de Rodin. Los tres hombres están, mirándolos, todos en la misma posición deprimida: la espalda doblada, la cabeza hacia abajo, un brazo hacia adelante y una pierna doblada. ¿Cómo? Con el brazo extendido hacia el suelo, las sombras blancas parecen ser absorbidas por una oscura fuerza subterránea. Y por una buena razón, se unen a los condenados de Hell's Gate.

Parte de un trabajo mucho más ambicioso, las siluetas dominan la composición.

La escultura está inspirada en la Divina Comedia de Dante. Tras un trabajo de modelado de la arcilla, se funde un yeso, primeros pasos en el modelado de la escultura antes de la fundición del bronce.

El estado encargó la Puerta del Infierno de Rodin en 1880 para recibir a los visitantes del Musée des Arts Décoratifs de París, que el gobierno pretendía crear. Tuvo que reunir sus esculturas más famosas como El Pensador o El Beso. La obra nunca se completó, sin embargo, el artista exhibió una versión en yeso de la misma en una exposición individual en 1900.

Las Sombras ingresaron a la colección del museo en 1914, cuando Rodin aún vivía. Olvidados en las reservas de depósitos estatales durante muchos años, se han deteriorado. El inventario nacional permitió redescubrir la pieza. En 2006 se realizó una restauración de la obra: se rehicieron los brazos izquierdos de dos figuras y se estabilizó todo sobre un soporte de madera.

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