Wolfgang Lettl malte 1977/1978 die Serie „13 Versuche, ein Hahn zu werden“. Die Serie kann als surrealistischer Lehrplan angesehen werden. Am Ende dieser Serie steht ein Selbstporträt, nicht weil Lettl sich gern gesehen oder gar gemalt hätte: Er musste sich nur jeden Morgen zum Rasieren im Spiegel sehen; in seiner über 60-jährigen arbeit hat er nur sechs selbstporträts geschaffen, innen mit einem bildwerk bestehend aus 500-600 werken. Das Selbstbildnis mit dem Schnabel des Hahns entstammt einer Interpretation, die in dieser Werkserie auftaucht. Am Ende des Tages steht das Bewusstsein, dass es nicht darauf ankommt, ein Hahn zu werden, sondern sich in den unterschiedlichsten Lebenslagen als Mensch zu zeigen und dies, wie man am Beispiel des Hahns sehen kann, gelingt nicht immer optimal. . Neue Herausforderungen im Leben verlangen von uns, immer wieder zu versuchen, menschlich miteinander umzugehen. Als Menschen sind wir nie fertig.

„Ich habe René Magritte noch nie gesehen.

Vielleicht irre ich mich, aber ich hatte immer den Eindruck, dass er zum Lachen in den Keller gehen musste. Leidete er unter großer Einsamkeit oder unter innerer Kälte? Ich bin auch nicht der Geselligste, aber in seinem Wesen und in seinen Bildern sehe ich etwas Abstoßendes oder zumindest mir Fremdes. Um es klarer zu sagen: Ich erkenne die elegante, tragische Hilflosigkeit seines Atheismus. Vielleicht (und ich sage "vielleicht" nur, weil ich kein klares Urteil vorgeben will) hat er das Beste getan, was der damalige "Klassische Surrealismus" erreichen konnte. Seine Entgleisungen, ich denke vor allem (aber nicht nur) an seine „impressionistische Phase“, zeigen die Tragik derer, die nie einen Weg gehen und dabei zwangsläufig verloren gehen. Aber Künstler haben das Recht, für ihre beste Arbeit beurteilt zu werden. Wer malen will und es logischerweise noch nicht kann, ist fasziniert von Vorbildern und wird versuchen, diese nachzuahmen. Aber er soll sich nicht mit dem jeweiligen Vorbild identifizieren, sondern bald andere Wege einschlagen, denn jeder hat sein eigenes Innenleben, sein eigenes Jenseits, und nur das gehört ihm. Kein Surrealist kann von einem anderen kopieren. Was er malt, wird zwangsläufig zu etwas bisher Unbekanntem, ja Unbegreiflichem. Ob man das "Surrealismus" nennen soll oder nicht, ist unerheblich. Sie fragen mich, inwieweit mich René Magritte in meiner Arbeit beeinflusst hat. Nun, ich habe mir ihre Fotos angesehen und darüber nachgedacht. Manchmal habe ich bewusst Motive von ihm zitiert oder weiterentwickelt. Ich habe so etwas bei Michelangelo und Tizian gemacht, sozusagen aus Bewunderung. Und vielleicht ist etwas aus Faulheit oder Unbewusstem in mich hineingerutscht.

Aber nicht alle Äpfel werden irgendwo gestohlen.“

Text von Wolfang Lettl

In seiner Eröffnungsrede zur Ausstellung: „Mensch sein – ein Versuch“ am 15.12.2006 bemerkte Wolfgang Lettl zum Bild: „Sie geht doch nicht“:

Erwarten Sie nicht, dass ich Ihnen viel über Goyas Marchesa de la Solana erzähle. Ich habe es kopiert, weil es mir so gut gefallen hat.

Ich kann es tun.

Dann habe ich es von seinem braunen Hochformat-Hintergrund befreit, etwas aus der Bildmitte genommen und in eine offene Landschaft gestellt. Nein, keine schöne Landschaft aus dem Süden, sondern ein Stück Poebene mit hässlicher Industriearchitektur und im Gegensatz zum stolzen Spanier drei arrogante Hohlköpfe in einer unmöglichen Flugmaschine.

Allerdings mit frisch geputzten Schuhen.

Labyrinth (Text: Wolfgang Lettl)

In meiner Vorstellung ist ein Labyrinth ein so komplexes und kompliziertes Gebilde, dass man, wenn man es einmal betritt, kaum wieder zurückfindet, außer mit Ariadne-Faden. Sich in einem solchen Labyrinth zu verlieren, gehört zu den Grunderfahrungen des modernen Menschen. Der Surrealismus insgesamt kann als labyrinthisch bezeichnet werden: viele Rätsel, viele Fragen, keine Antworten, kein Ausweg. Ich wollte das Thema direkt angehen: ein Labyrinth malen. Aber ohne alte Gebäude oder verspielte Rokokogärten; eher wie ein Spiegelschrank, aber ich konnte keine Möglichkeit finden, es überzeugend darzustellen. Ich flüchtete mich in eine klare, aber unwirkliche Konstruktion, offen, um hineinschauen zu können, aber ohne Ausgang, wo nicht einmal der Faden der Ariadne helfen kann. Vielleicht können Sie sich dank Ihrer Träume etwas Ähnliches vorstellen? Bei Kafka wurde es „Der Prozess“.

Wolfgang Lettl malte das Bild „Der Schrei“ im Juni 1989 in seiner zweiten Heimat in Apulien. Dies ist eine Weiterentwicklung des "Prometheus"-Images der "Gray Series".

Zuerst schlägt er auf den massiven lehmfarbenen Torso ein, mit ungeschickten Händen, die sich hilfesuchend ausstrecken, und seinem schmerzverzerrten Gesichtsausdruck. Es platzte im Brustbereich und ein weißer Vogel flog heraus. Die drei Stäbe im Inneren des Torsos vermitteln immer noch den Eindruck eines Käfigs oder eines Eingesperrtseins.

Der männliche Torso befindet sich am Ufer eines Gewässers, auf dem sich mehrere Boote befinden, in denen sich jeweils eine Figur befindet. Menschen, die in Booten knien oder sitzen, werden mit schwarzen Tüchern die Augen verbunden und sind darauf bedacht, sich mit der Wasseroberfläche zu beruhigen. Am Himmel herrscht eine bedrohliche und dunkle Atmosphäre.

Dies ist für die Beschreibung des Bildes.

Vor dem Hintergrund der Zeitgeschichte kann dieses Bild als Wende, friedliche Revolution und das Ende der DDR gesehen werden.

Die Büste wurde von innen heraus zerbrechlich, weil die Menschen Freiheit wollten. Mit der symbolischen Durchtrennung des ungarischen Stacheldrahtzauns durch den ungarischen Außenminister Gyula Horn und seinen österreichischen Amtskollegen Alois Mock am 27. Juni wurde die Mauer plötzlich durchlässig. Anfang Juli kam es zu einer massiven Auswanderung von Bürgern aus der DDR über Ungarn und die Tschechoslowakei.

Wie realitätsblind die SED-Führung war und wie sie versuchte, die Wellen nicht zu hoch schlagen zu lassen, wird am 7. Oktober 1989, dem "Tag der Republik" anlässlich der Feierlichkeiten zum 40. Jahrestag der Gründung der DDR, noch deutlicher.

Erich Honecker veranstaltete zum letzten Mal die üblichen Jubiläen und Volksfeste in Berlin, doch die Bürger identifizierten sich nicht mehr mit der Parteiideologie. Es gab zahlreiche Gegendemonstrationen, die versucht wurden, mit Gewalt zu unterdrücken.

Die letzten Gitterstäbe brachen schließlich am 9. November 1989, als die Berliner Mauer fiel.

Die 1981 vollendete „Einladung zum Putsch“ ist wohl eines der verwirrendsten Gemälde von Wolfgang Lettl.

Alles wird noch surrealer, wenn man den Zeitungsartikel mit surrealistischen Farbtönen liest, den Dr. Giacomino Vascello, inspiriert von dem Gemälde, einer italienischen Zeitung berichtete. Nachfolgend eine kurze Zusammenfassung des Artikels:

„UNGLAUBLICH: Ein Fogiano leistete seinen Beitrag zum Fall der Berliner Mauer.

Dr. Vascello aus Foggia und Wolfgang Lettl, Professor an der Akademie der Bildenden Künste in München, sind seit vielen Jahren gute Freunde, sie treffen sich bei Wein, gutem Essen und klassischer Musik, um über die Welt der Kunst, Recht und Ethik zu sprechen . Wolfgang Lettl verwendete die Figur des Dr. Vascello für sein Gemälde „Einladung zum Staatsstreich“.

Ein paar Jahre vergehen und etwas Außergewöhnliches passiert: In Deutschland, wo Wahlkämpfe viel mehr auf Plakaten und Postkarten basieren als in Italien, macht eine unerklärliche Laune des Schicksals dieses Gemälde zur Wahl für die Kampagne zur Vereinigung der beiden Deutschlands. .

Seitdem sind alle Wände Deutschlands mit diesem Bild bedeckt und hunderte Millionen Postkartenreproduktionen gehen durch die Hände von Millionen Deutschen. Sowohl aus Spaß als auch durch Zufall wurde Dr. Vascello so zum Symbol des deutschen Volksgeistes.

All dies entstand zweifellos zwischen einem Glas Wein, Mozarts Musik und einer Schüssel dampfender Spaghetti, aber vor allem natürlich während der Diskussionen über die Ethik des Staates.

Der deutsche Maler sah mit seinen Künstleraugen den wahren Staatsgeist in den obskuren Beamten Süditaliens und wollte die Früchte seiner Entdeckung an seine Landsleute und Nachkommen weitergeben.

Und so ist ein Foggia-Künstler zu einem unauslöschlichen Teil eines der dramatischsten Momente der jüngeren Geschichte geworden.

Die „Venus Sipontina“ ist eines der 26 Bilder in Wolfgang Lettls „Graue Serie“ (1985-88)

Das Thema des Gemäldes wird jeweils durch eine Platte auf dem Rahmen dargestellt. Auf der Rückseite ist ein vermutlich auf Papier gemaltes Bild angebracht. Es befinden sich Gegenstände auf dem Rahmen.

In mehreren Variationen dieser Serie wird ein klassisches Stilelement des Surrealismus experimentell eingesetzt: Malen Sie Dinge, die nicht in einen unwirklichen Raum passen, und es entstehen überraschende, mehr oder weniger bedeutsame Kompositionen.

Als Hintergrundbild verwendet Wolfgang Lettl in diesem Bild einen Akt seiner Frau und Geliebten Franziska, den er im impressionistischen Stil gemalt hat.

Er dachte sich diesbezüglich: „Deine Frau als Model ist der Idealfall, sie ist immer erreichbar und wenn doch mal was fehlt in einem Gemälde, kann sie hingelegt werden, ihr geht es immer gut. Mit der Zeit kennt man es auswendig, dann braucht man kein Modell mehr, oder nur noch ganz selten ein Detail. Sogar die Wäscheklammern stehen mir immer zur Verfügung, auch wenn sie schön gefärbt sind und so wunderbar still liegen, dass sie mit meiner Venus nicht mithalten können.“

In dem. In den letzten 10 Jahren seines Lebens arbeitete Wolfgang Lettl intensiv mit seinem Sohn Florian zusammen. So konnten zwischen 1998 und 2007 trotz schwerer Krankheit und nachlassender körperlicher und geistiger Fähigkeiten über 100 surreale Gemälde entstehen. Wie beim letzten hier gezeigten Gemälde hat Florian Lettl nicht nur intensiv an der Entwicklung des Themas mitgearbeitet, sondern das Gemälde auch fertiggestellt, um es für die Ausstellung zur Verfügung zu stellen. Nachdem Wolfgang Lettl die Kraft verlor und feststellte, dass er nicht mehr malen konnte, beschloss er zu sterben. Er starb am 10. Februar 2008 in den Armen seines Sohnes Florian, umgeben von seinen Gemälden.

Dieses letzte Gemälde zeigt einerseits den Dirigenten und sein Orchester in einer Aufwärtsbewegung. Kunst kommt aus dem Unbewussten, sie ist in diesem Gemälde in den Tiefen des Wassers verborgen. Es ist der kreative Akt des Künstlers, der es ans Tageslicht hebt und sichtbar macht.

Im Gegensatz zum schwarz gekleideten Dirigenten, der mit beiden Armen ausstreckt, wobei der Stab die Aufwärtsbewegung betont, ist die weiße Marmorskulptur von San Bruno von René-Michel Slodtz, bekannt als Michel-Ange Slodtz (1705-1764), schon auf seinem Sockel stehen. Die Skulptur wurde 1744 für den Petersdom in Rom angefertigt.

Eine Hand des Heiligen macht eine ablehnende Geste, die andere zeigt nach unten. Aus kompositorischen Gründen fehlen dem Gemälde sowohl der Putto, der dem Heiligen die Bischofsinsignien überreichen möchte, als auch die Attribute des Heiligen (Totenkopf, Kette und Buch), auf die die Hand zeigt.

Die Gesten des Gemäldes verweisen daher auf den Dirigenten und sein Werk; sie ermahnen den Künstler zur Bescheidenheit und erinnern ihn dezent an seine Vergänglichkeit.

Als Wolfgang Lettl 1972 auf eine Kleinanzeige in der Süddeutschen Zeitung reagierte, in der ein Baugrundstück in der Nähe von Manfredonia zum Verkauf angeboten wurde, ahnte er sicherlich nicht, dass er die dortige Zeit mit seiner Frau Francesca von 1973 bis 2005 verbringen würde für ihn zu einem der glücklichsten seines Lebens werden würde.

Hier entstanden in den Jahren 1975-1995 nicht nur die impressionistischen Gemälde, sondern ab 1986 auch viele seiner surrealistischen Gemälde.

Wolfgang Lettl: „Wir haben ein Stück Land in Siponto gekauft, im Golf von Manfredonia, direkt am Meer, weil es laut meinem alten geografischen Atlas weniger regnet als anderswo, und wir haben dort ein Haus gebaut Arbeit im Garten, denn anfangs gab es nur Disteln und andere Dornen, im Haus waren die Wände noch leer, also nahm ich meine tragbare Staffelei und ging nach draußen, malte die Landschaft: Häuser, Bäume, Berge, Wolken, Schiffe und das Meer. Das macht Spaß und ist wirklich anstrengend.“

Die Skulptur stellt zwei Personen dar, die jeweils mit ihrer schweren Kugel nach oben getragen werden. Sie scheinen zwei Sisyphos zu sein. Der Mythos von Sisyphos erzählt, dass Zeus entschied, dass Sisyphos einen Felsbrocken von der Basis auf die Spitze eines Berges hätte schieben sollen, um die Klugheit des Mannes zu bestrafen, der es gewagt hatte, die Götter herauszufordern. Doch jedes Mal, wenn Sisyphus den Gipfel erreichte, rollte der Felsbrocken zurück zum Fuß des Berges und jedes Mal und für die Ewigkeit musste Sisyphus seinen Aufstieg von vorne beginnen und es nie schaffen.

Albert Camus sah in seinem Aufsatz The Myth of Sisyphos von 1942 in Sisyphos die Personifizierung der Absurdität des menschlichen Lebens, die den Selbstmord als Lösung übrig lassen würde, auch wenn der "physische" das Sinnproblem nicht löst; aber Camus schließt seine philosophischen Gedanken mit der Feststellung ab: "Wir müssen uns Sisyphos glücklich und frei vorstellen, während wir das Gewicht erklimmen, das herunterrollt." Hier in der Skulptur hat sich der Sisyphos verdoppelt, aber sie werden niemals die Spitze erreichen, da die beiden Figuren einander im Weg stehen. Aber das Absurde ist, dass sie den Grund nicht verstehen können, der sie daran hindert, sich vorwärts zu bewegen. Wir, die wir das sehen können Situation aus der Ferne, objektiv wissen wir, dass man, wenn man den Kopf unter der schweren Last beugt, nicht sieht, was der andere tut, da der Blick nur auf die eigenen Füße gerichtet ist und man nur das Gefühl hat, dass nichts passiert .dass wir von einem Gott geliebt und nicht als Sisyphos dazu verdammt sind, diese Verpflichtung einzugehen Die Kugel ist das Symbol unserer irdischen Sendung, sie ist das Gewicht, das wir täglich mit unserem Können und unserem Willen tragen, das ist uns wichtig, denn unser Leben, für unsere Mission. Wir arbeiten täglich daran, diese Sphäre zu unterstützen, im Privatleben wie im politischen Leben. Aber wenn die Sphären zu Lasten, Gewichten werden, wie es in dieser Skulptur erscheinen würde, hindern sie uns am Sehen einander und uns nicht erlauben, an die Spitze zu gelangen, um dann glücklich und frei zu sein, während wir das Gewicht erklimmen, das herunterrollt, müssen wir unsere Mission überdenken, unsere Lehren korrigieren, unseren Egoismus überwinden. Wir müssen die Sphären trennen, um unserem Nächsten zu helfen, uns gegenseitig zu helfen, gemeinsam zum Ziel zu kommen, und uns nicht gegenseitig Hindernisse und Hindernisse aufzuerlegen.