Prüfung der Meisterschaft

Die Kartoffelesser ist das ehrgeizigste Gemälde aus Van Goghs niederländischer Zeit. Bevor er mit der Malerei beginnt, fertigt er über hundert Porträtstudien von Landarbeitern, verschiedene Zeichnungen und zwei gemalte Studien an. So bereitet er sich auf sein erstes großes Gemälde zum Thema bäuerliches Leben in Brabant vor, das er als eine Art Prüfung seiner Meisterschaft betrachtet. Er will beweisen, dass er auf dem besten Weg ist, ein versierter Figurenmaler zu werden. Dieses Gemälde geht der endgültigen Version voraus und hat praktisch die gleiche Komposition, aber das Layout ist skizzenhafter.

Beschwerliches Bauernleben

Van Gogh fertigt die Zeichnungen und Studien im Haus der Bauernfamilie De Groot-van Rooij an. Es ist nicht seine Absicht, genaue Porträts dieser Menschen zu machen. Er versucht, die Atmosphäre und die Ursprünglichkeit des beschwerlichen Bauernlebens darzustellen.

"Ehrlich verdient"

Später schreibt er an Theo: Siehst du, ich wollte es wirklich so machen, dass die Leute auf die Idee kommen, dass diese Leute, die beim Licht ihrer kleinen Lampe ihre Kartoffeln essen, mit diesen Händen, die sie legen, selbst die Erde bestellt haben in der Schüssel, und (…) dass sie sich damit ihr Essen redlich verdient haben“.

Nächtliche Malerei

Van Gogh hatte schon seit einiger Zeit vor, ein nächtliches Gemälde zu malen. Und zwar nicht in herkömmlicher Manier in Schwarz-Grau-Tönen, sondern tatsächlich in einer Fülle von Farben. Ebenso unkonventionell ist, dass er diese gasbeleuchtete Terrasse eines Cafés in Arles in situ und im Dunkeln malt, weil Farben tagsüber anders wirken als nachts.

Scharfer Kontrast

Der auffälligste Aspekt ist der scharfe Kontrast zwischen den warmen Farben Gelb, Grün und Orange unter der Marquise und dem tiefen Blau des Sternenhimmels, der durch das Dunkelblau der Häuser im Hintergrund verstärkt wird. Van Gogh war mit der Wirkung zufrieden: „Ich glaube, dass eine Fülle von Gaslicht, das schließlich gelb und orange ist, Blau intensiviert.“

Konstellationen

An seine Schwester Wil schreibt er: „Es macht mir unheimlich viel Spaß, nachts an Ort und Stelle zu malen.“ Die Tatsache, dass er scharf beobachtet, wird durch spätere astronomische Forschungen bestätigt. Er malte die Sternbilder genau so, wie sie in der Nacht vom 16. auf den 17. September 1888 erschienen.

Berühren

Ein Kunstwerk zum Anfassen, zum Begehen, in dem man sogar spielen darf! Der weltberühmte Jardin d'émail von Jean Dubuffet hinterlässt bei vielen Besuchern, jung und alt, einen unauslöschlichen Eindruck.

Andere Welt

Der künstliche, ummauerte „Garten“ wurde eigens für das Kröller-Müller-Museum gestaltet. Der Kontrast zwischen dem strahlenden Weiß mit gezackten schwarzen Linien und der natürlichen Umgebung ist besonders stark. Einmal in diesem Kunstgarten angekommen, können sich die Besucher in eine völlig andere Welt hineinversetzen.

Charakteristisch

Die Atmosphäre dieser monumentalen Skulptur ist charakteristisch für das Werk von Dubuffet. Alle seine Arbeiten bringen seine Faszination für das Ungewöhnliche, das Spontane, das Unterbewusste und das Chaotische zum Ausdruck, die typisch für die Malerei und Zeichnung von Kindern und psychisch Kranken sind. „Art brut“ nennt er diese von ihm bewunderten Ausdrucksformen, die nicht als offizielle Kunst gelten.

Analytischer Kubismus

Pablo Picasso und Georges Braque entwickelten den Kubismus in den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. Die Bewegung durchlief mehrere Phasen. Violine ist ein Beispiel für analytischen Kubismus. Während dieser Phase wird die Figur oder das Objekt seziert, in Fragmente zerlegt und aus mehreren Blickwinkeln dargestellt.

Netzwerk von Oberflächen

Die Illusion einer natürlichen Perspektive verschwindet vollständig. Stattdessen entsteht ein Netz aus neben- und hintereinander gesetzten Flächen, getrennt durch Linien und Schatten. Typisch für den analytischen Kubismus ist, dass die Komposition von der Mitte aus aufgebaut wird und zu den Rändern hin „ausblendet“. Auffallend ist auch die ovale Form des Gemäldes.

Experiment traf die Form

Der Ausgangspunkt, die Geige, ist in diesem Gemälde nur noch an wenigen Stellen erkennbar: Halswirbel, Saiten, Steg, Korpuswölbung und Form der f-Löcher. Die Farben sind gedeckt und beschränken sich auf Ocker, Braun und Grau. Die ganze Aufmerksamkeit gilt dem Experimentieren mit der Form.

Helle, helle Farben

Im Februar 1886 zieht Vincent van Gogh zu seinem Bruder Theo nach Paris. Dort lernt er die Maler Pissarro, Toulouse-Lautrec, Signac, Gauguin, Seurat und Bernard kennen. Inspiriert von ihrer Arbeit beginnt er mit verschiedenen Stilen und mit hellen, hellen Farben zu experimentieren.

Selbstporträts

In dieser Zeit hat er den Ehrgeiz, Porträtmaler zu werden und damit seinen Lebensunterhalt zu verdienen. In Ermangelung von Modellen malt er zahlreiche Selbstporträts, „denn wenn ich es schaffe, die Färbung meines eigenen Kopfes zu malen, was nicht ohne Schwierigkeiten ist, werde ich sicherlich in der Lage sein, die Köpfe der anderen Burschen zu malen und Frauen auch'.

Dynamischer Charakter

Van Gogh interessiert sich nicht für fotografische Porträts. Ein Porträt muss auch etwas von der emotionalen Verfassung des Porträtierten ausdrücken. Die Farben sind bei diesem Selbstporträt noch recht gedämpft. Sanfte Blau- und Grüntöne dominieren die Malerei. Überschwänglich wirken dagegen die schnellen Pinselstriche, besonders im Hintergrund. Diese verleihen dem Werk einen lebendigen und dynamischen Charakter.

Sonsbeek

Mit diesem Pavillon überraschte Rietveld Mitte der 50er Jahre die internationale Kunst- und Architekturwelt. Er entwarf es für die Internationale beeldententoonstelling in de open lucht Sonsbeek '55 in Arnhem, wo es zur Ausstellung kleinerer Skulpturen verwendet wurde. Seine Kreation zog sofort alle Aufmerksamkeit auf sich.

Raum und Licht

Die horizontalen und vertikalen Elemente des Pavillons bestehen aus einfachen Materialien. Die Elemente sind so platziert, dass sich die Architektur und die Skulpturen gegenseitig verstärken. „Der leere Raum und das Licht bestimmen den Wert der Architektur in, um und zwischen den Grenzen, die nur dazu da sind, den Raum zu definieren“, schrieb Rietveld später.

Wieder aufgebaut

Das Gebäude war temporär und wurde daher nach der Ausstellung abgerissen. Dank einer privaten Initiative wurde der heute legendäre Pavillon 1964 im Skulpturengarten des Kröller-Müller-Museums wieder aufgebaut. Von diesem Moment an hieß er nicht mehr Sonsbeek-Pavillon, sondern Rietveld-Pavillon.

Im Freien

1841 tauchten erstmals Farbtuben aus Zink auf, die das Malen im Freien erheblich vereinfachten. Die Farbe trocknete nicht mehr so schnell und war leichter zu tragen. Die Impressionisten nutzten dies voll aus. Sie verließen ihre Ateliers und malten im Freien, „en plein air“.

Von auf dem Wasser

Von 1871 bis 1878 lebte Claude Monet in Argenteuil, einem Dorf an der Seine vor den Toren von Paris. Nach dem Vorbild des Malers Charles-François Daubigny ließ er ein Boot bauen, mit dem er vom Wasser aus die Umgebung malen konnte. So konnte er die Wirkung des Lichts auf dem Wasser und in der Landschaft von jedem beliebigen Ort aus darstellen.

Eindruck

In diesem Gemälde ist das Boot zwischen zwei Stangen festgemacht, bewegungslos auf dem Wasser. In der Kabine ist vage eine Figur zu erkennen, wahrscheinlich Monet selbst. Den Großteil der Leinwand nimmt der ruhig fließende Fluss ein, in dem sich das Bootsatelier und die Bäume, aber auch der Himmel spiegeln. In diesem Gemälde gibt Claude Monet einen Eindruck von der Ruhe auf dem Wasser an einem Sommertag.

Blühende Obstbäume

Als im Frühjahr 1888 die Obstbäume in Arles blühen, malt Van Gogh sie fast täglich. So entstehen in kurzer Zeit vierzehn Gemälde und mehrere Zeichnungen und Skizzen der blühenden Bäume. Er hält Pink Peach Trees für einen der erfolgreichsten in der Serie.

Anton Lila

Am Abend des Tages, an dem Van Gogh dieses Gemälde malt, findet er einen Brief seiner Schwester, die ihm schreibt, dass Anton Mauve gestorben ist. Dieser Maler war nicht nur sein angeheirateter Cousin; er brachte ihm auch bei, in Öl und Aquarell zu malen. Van Gogh beschließt, ihm das Werk zu widmen.

Zärtlich und fröhlich

Er schreibt seinem Bruder Theo, dass er von der Nachricht bewegt und betroffen war, „und ich habe auf mein Gemälde Souvenir de Mauve Vincent & Theo geschrieben, und wenn Sie es für gut halten, so wie es aussieht, werden wir es in unseren beiden Namen an Frau Mauve schicken . (...) Es schien mir, dass wir in Erinnerung an Mauve etwas Zärtliches und sehr Fröhliches brauchten und keine Studie in einer ernsteren Tonart als dieser.

Objekte für den Innenraum

Der italienische Künstler Giacomo Balla ist einer der ersten, der sich dem Futurismus verschrieben hat, der Kunstrichtung, die versucht, die Dynamik der Moderne, das Gefühl von Geschwindigkeit und ständiger Veränderung auszudrücken. Neben der Malerei widmet er sich auch der futuristischen Gestaltung des Alltags und frönt unzähligen Entwürfen von Objekten für die Inneneinrichtung, von Decken, Lampen, Geschirr und Klappmöbeln bis hin zu kompletten Interieurs.

Auto bewegen

In Paravento con linea di velocità verwendet Balla das Thema eines fahrenden Autos, um mit der Darstellung von Bewegung zu experimentieren. Das Auto selbst ist nicht erkennbar, aber Bewegung und Geschwindigkeit werden in einer abstrakten, energischen Arabeske, der linea di velocità, dargestellt.

Geformte Leinwand

Durch das Medium des beidseitig bemalten Paravents besetzt Balla buchstäblich den Raum und erweitert die Grenzen der zweidimensionalen Malerei. Auch durch die frischen, kontrastierenden Farben ist dieser Paravent eine bemerkenswert modern wirkende Formleinwand, bei der Licht, Geschwindigkeit und Dynamik auf eine Synthese aus Linie und Farbe reduziert sind.

Zylinder

Unter dem Einfluss von Cézanne und später von Picasso und Braque beginnt Fernand Léger im kubistischen Stil zu arbeiten. Wesentlich eindringlicher als seine Vorbilder stellt er jedoch Figuren und Gegenstände in Volumen dar, wie den Kegel, die Kugel und den Zylinder. Der Zylinder taucht so oft in seinem Werk auf, dass ein französischer Kritiker ihn sogar einen „Tubisten“ anstelle eines Kubisten nannte.

Erster Weltkrieg

Im August 1914, zu Beginn des Ersten Weltkriegs, wird Léger eingezogen und an der Front zum Bau von Schützengräben eingesetzt. Während seiner Zeit an der Front fertigt er viele Zeichnungen an, die er später zu Gemälden verarbeitet. Soldiers Spielkarten entstand während seiner Rekonvaleszenz in Paris nach einem Giftgasangriff.

Roboter

In diesem Gemälde verbindet Léger den Kubismus mit der Ästhetik der Maschine. Die Soldaten sind keine Menschen aus Fleisch und Blut, sondern sehen mit ihren robusten, geometrischen Formen und ihren Armen wie aus Stahl geschmiedete Rohre eher wie Roboter aus. Die wiederkehrenden Elemente erinnern an die Kriegsmaschinerie. Auch der Wechsel von kleinen und größeren Farbflächen verleiht der Malerei Dynamik.

Ein ganzes

Die schwimmende Skulptur Otterlo wurde als Auftrag für eine Skulptur geschaffen, die mit einem Teich und der Umgebung eine Einheit bilden würde. Marta Pan entwarf den Teich, ein geschwungenes Gewässer, in enger Beziehung zu einer schwimmenden, organischen Skulptur aus weißem Polyester, die einen starken Kontrast zum Grün der Umgebung bildet.

Tanzen

Die Skulptur besteht aus zwei organischen Formen, die sich unabhängig voneinander um einen zentralen Drehpunkt bewegen. Die konkave obere Form fungiert als Segel, das den Wind einfängt. Wind, Wasser und Spiegelung sind Bestandteile der Skulptur, die sich tanzend über den Teich bewegt.

Bewegung

Bewegung ist ein wesentliches Thema im Werk der in Ungarn geborenen Marta Pan. 1947 ließ sie sich in Paris nieder, wo sie viele Kontakte in die Welt des Theaters und des Tanzes hatte. Ihre Skulpturen, meist organische Formen aus Holz, die sich auf den menschlichen Maßstab beziehen und von den Themen „Drehpunkte“ und „Gleichgewicht“ inspiriert sind, sind eine Inspirationsquelle für Choreografen.

Beeinflussen

Piet Mondriaan malte zunächst im naturalistischen Stil der Haager Schule. Neugierig auf die neuesten Entwicklungen in der Kunst, wie den Kubismus von Picasso und Braque, geht Mondriaan 1911 nach Paris. Unter dem Einfluss der Kubisten reduziert er bald seine Farbe auf hauptsächlich Grau, Ocker und Braun und die erkennbare Realität verschwindet allmählich aus seinen Gemälden.

Analytischer Kubismus

Tableau Nr. 1 zeigt deutlich den Einfluss des analytischen Kubismus. Dabei wird ein Objekt oder eine Figur seziert, in Fragmente zerlegt und in ein komplexes Gebilde überführt. Die Komposition baut sich von der Mitte her auf und die Formen verschwimmen zu den Rändern hin. Tableau Nr. 1 hat eine Unterzeichnung eines Baumes, aber dieses Motiv ist kaum erkennbar.

Erste Schritte

Mondriaan zerlegt sein Thema in unzählige Segmente. So entsteht eine lebendige Struktur aus horizontalen und vertikalen, geraden und leicht geschwungenen Linien sowie grauen und ockerfarbenen Flächen. In diesem Gemälde und in anderen Werken aus demselben Jahr unternimmt Mondriaan seine ersten Schritte in Richtung „der unveränderlichen reinen Realität hinter den veränderlichen Formen der Natur“.

Neue Ästhetik

Geschwindigkeit und Bewegung sind die Hauptthemen der italienischen Futuristen. Sie halten die klassische Marmor- oder Bronzeskulptur für völlig ungeeignet, um die moderne Welt und ihre Dynamik auszudrücken. Daher muss die Ästhetik traditioneller Kunst und Kultur durch die „neue Schönheit“ der zeitgenössischen Dynamik und durch Sujets wie das Auto, den Zug, das Motorrad, aber auch die menschliche Figur in Bewegung ersetzt werden.

Geschwindigkeit und Bewegung

Umberto Boccioni ist sowohl Maler als auch Bildhauer. Mit den Skulpturen, die er in seinem kurzen Leben herstellt, erweist er sich als wahrer Futurist. In dieser kraftvollen Skulptur versucht er, die Geschwindigkeit und Bewegung einer menschlichen Figur in einer einzigen Skulptur einzufangen.

Aufbau der Handlung

Ihn interessiert nicht nur die Darstellung der vielen Stadien und Momente einer eilenden Figur, sondern vor allem die Idee der Bewegung einer Figur im Raum. 'Keine einzigartige Form, sondern ein einzigartiger skulpturaler Rhythmus, nicht die Struktur des Körpers, sondern die Struktur der Aktion des Körpers.'