Die Arbeit besteht aus einer bemalten und vergoldeten Holzkiste, die eine Skulptur des Schutzengels enthält, der ein Kind beschützt. Bei dem Objekt handelt es sich um einen Hausaltar, der in den Häusern der Marken sehr häufig vorkam.

Die Arbeit der lokalen Produktion der zweiten Hälfte des Jahrhunderts. XVIII hat den Vorteil, dass es in seiner formalen Gesamtheit erhalten geblieben ist und ein Beispiel für hohe künstlerische Handwerkskunst darstellt, in der Elemente der plastischen Verarbeitung mit anderen von ausgeprägterem Interesse für die Kunsttischlerei verbunden sind. Das Niveau, das die örtlichen Werkstätten auf der Schnitz- und Modellierfront erreicht haben, wird durch die Eleganz des Gehäuses gut dokumentiert, das dekorative Elemente im Relief verschiedener formaler Qualifikationen mit einer Rankenentwicklung in der Kappe und einem Band in den Pfosten mit dem Motiv der präsentiert umgekehrter Tannenzapfen und der eichelförmigen Quaste. Die gleiche raffinierte Eleganz manifestiert die Engelsfigur.

Das Werk ist eine antike Nachbildung des ähnlichen Gemäldes von Guercino, das heute in England am Corsham Court aufbewahrt wird. Die Leinwand von ausgezeichneter Qualität behandelt ein ziemlich weit verbreitetes Andachtsthema im Klima der späten Gegenreformation, das darauf abzielt, zur Meditation über das Thema der Leidenschaft anzuregen, die von exzessivem Pathetik befreit ist. Die kulturelle Seite ist die klassizistische der Bologneser Schule der zweiten Hälfte des Jahrhunderts.

Im Jesi-Gemälde wird die Konzentration der kompositorischen Elemente durch die stark kontrastierende Verwendung der heute nicht vollständig sichtbaren Leuchtelemente unterstützt, die die Helligkeit des sehr weißen Fleisches des Kindes verstärken, das aus einem dunklen und dramatischen Hintergrund hervortritt. Während das Licht im Vordergrund die Hauptfigur quer von oben schneidet, trifft ein Polarlicht auf die Hintergrundlandschaft und definiert die Konturen der mit Türmen versehenen Stadt, die einen Wasserabschnitt überblickt, der sein rötliches Leuchten widerspiegelt.

Auf der linken Seite des Gemäldes verdeutlicht eine ungewöhnliche Darstellung der Erdkugel die theologische Annahme des Bildes, die darauf abzielt, die regenerierende Wirkung der beiden sakramentalen Handlungen der Passion, auf die das Kreuz und die Nägel anspielen, und der von ihr überschatteten Taufe anzudeuten im Hintergrund der Flusslauf.

Das Kind mit einem intensiven und meditativen Ausdruck erscheint triumphierend in der Ausstellung der Instrumente der Passion und mildert ihre emotionale Wirkung mit einer offenen und prallen Körperlichkeit.

Das hier präsentierte Gemälde gehört zu dem Moment der größten Berühmtheit von Amorosi, der, nachdem er Giuseppe Ghezzis Werkstatt in Rom verlassen hat, um auf seinen eigenen Beinen zu gehen, zu einem Bezugspunkt in der Hauptstadt für diejenigen wird, die ihre Galerie mit kuriosen und ungewöhnlichen Motiven bereichern möchten . . Tatsächlich erkannte der aus den Marken stammende Antonio Mercurio Amorosi nicht lange, dass er eine besondere Vorliebe für Genreszenen hatte, die Bambocciate, wie sie nicht ohne Verachtung von denen definiert wurden, die nur große und tiefe Motive abfragten Malerei. Im Gegensatz zur Darstellung religiöser Themen, der antiken Geschichte und sogar der Mythologie wählten die Bamboccianti für ihre Gemälde elende Protagonisten, die in den Gesten eines armen und gemeinen Alltags mit schmutzigen und beengten Umgebungen als Hintergrund gefangen waren. Sie weckten die Neugier und zogen die Aufmerksamkeit reicher und kultivierter Menschen auf sich, die von der fremden Welt der Armut und des Bettelns fasziniert waren.

Das hier präsentierte Gemälde gehört zu dem Moment der größten Berühmtheit von Amorosi, der, nachdem er Giuseppe Ghezzis Werkstatt in Rom verlassen hat, um auf seinen eigenen Beinen zu gehen, zu einem Bezugspunkt in der Hauptstadt für diejenigen wird, die ihre Galerie mit kuriosen und ungewöhnlichen Motiven bereichern möchten . . . Tatsächlich erkannte der aus den Marken stammende Antonio Mercurio Amorosi nicht lange, dass er eine besondere Vorliebe für Genreszenen hatte, die Bambocciate, wie sie nicht ohne Verachtung von denen definiert wurden, die nur große und tiefe Motive abfragten Malerei. Im Gegensatz zur Darstellung religiöser Themen, der antiken Geschichte und sogar der Mythologie wählten die Bamboccianti für ihre Gemälde elende Protagonisten, die in den Gesten eines armen und gemeinen Alltags mit schmutzigen und beengten Umgebungen als Hintergrund gefangen waren. Sie weckten die Neugier und zogen die Aufmerksamkeit reicher und kultivierter Menschen auf sich, die von der fremden Welt der Armut und des Bettelns fasziniert waren.

Die Allegorie der fünf Sinne entpuppt sich als eines der Lieblingsthemen von Carlo Cignani, dem berühmtesten Schüler von Francesco Albani und dem größten Vertreter der klassizistischen Strömung, die sich durch die Bologneser Kunstgeschichte der 2. Hälfte des Jahrhunderts zieht. XVIII.

Umgeben von der Wertschätzung der Intellektuellen seiner Zeit, die ihn für den einzig wahren Erben von Correggio hielten, leitete er ein florierendes Geschäft zunächst in Bologna und dann in Forlì, wohin er 1685 dauerhaft umzog.

Das Werk ist eine Werkstattreplik des Prototyps, den Carlo Cignani Ende des Jahrhunderts für Kardinal Lazzaro Pallavicini anfertigte. XVII.

In der hier dargestellten Version wird Charity als Mutter dargestellt, die von ihren 5 Kindern umgeben ist, die alle dazu berufen sind, die Allegorie des Hörens, Sehens, Riechens, Fühlens und Schmeckens mit wahrnehmbarer Unmittelbarkeit zu verkörpern, da einige wenige, bedeutsame narrative Elemente vorhanden sind: die Glocke, der Blumenstrauß, der Säugling an der Mutterbrust, ein Spiegel, eine Liebkosung.

Das Altarbild, das nach seiner Anschaffung Gegenstand einiger Restaurierungsarbeiten war, hat noch den ursprünglichen gewölbten Rahmen, der mit Kunstmarmor verziert und mit einem doppelten Kapitellsystem ausgestattet ist. Die Predella hat ein dekoratives Groteskenmotiv, das eine zentrale Kartusche mit der (heute unleserlichen) Widmungsinschrift umrahmt. In den Seitenwänden erscheint die Allegorie des Glaubens und der Nächstenliebe in Form von gefälschten Skulpturen, die in eine Marmorädikula mit einer muschelartigen Krone eingesetzt sind.

Raffaellino del Colle, ein Schüler von Raffaello Sanzio, ist der Autor dieses Altarbildes. Oben ist der Transport des Heiligen Hauses von Loreto dargestellt: ganz besonders ist die Art und Weise, wie der Künstler die Wolken und die Körper der kleinen Engel darstellt, ein typischer Ausdruck der Strömung, der er angehört, der des Manierismus. Im Vordergrund San Giacomo und San Filippo und im Hintergrund eine fantastische Landschaft. Dieses Gemälde wurde von einer Adelsfamilie für eine Kirche in Jesi in Auftrag gegeben.

Das an allen 4 Seiten geschnittene Werk entpuppt sich als Fragment einer größeren Leinwand, von der wir weder das Motiv noch die Gründe für die Verkleinerung kennen. Die aktuellen Dimensionen des Werks und seine Partikularität erfordern eine gewisse Vorsicht, um es dem großen Künstler aus Cento zuzuschreiben, auf den es mehr als ein Stilelement bezieht. Das Werk zeigt insbesondere die expressiven und bildnerischen Merkmale von Guercinos erster Manier.

Der Künstler ist im Grunde ein Autodidakt, der von einem außergewöhnlichen natürlichen Talent und einem Spontaneismus getragen wird, der von einer scharfen Beobachtungsgabe und der Disziplin des Zeichnens getragen wird. Alle Merkmale, die wir in dem Fragment von Jesi finden, das einen malerischen Duktus von großem Wert mit dünnen und nervösen Pinselstrichen ausdrückt, mit dem Licht, das die verdickte Maserung der Haut, den Turgor der Kopfadern, die wollige Dichte der Haut offenbart Bart und Haare; dagegen betont der dichte Schatten die scharfe Linie der Wangen, deutet die volumetrische Belastung der Schultern an, schiebt die Figur nach vorn und baut sie kontrastreich plastisch auf.

Bekanntlich war Giorgio Vasari der erste Kunsthistoriker, der vor allem als Autor der Lebensläufe der hervorragendsten Maler, Bildhauer und Architekten in Erinnerung bleibt, in denen er das Profil italienischer Künstler vom Mittelalter bis zu Michelangelo, der als Höhepunkt gilt, nachzeichnet aus jedermanns Kunstzeit. The Lives musste die Literatur der Branche für immer verändern und die Kunstgeschichte, wie wir sie heute verstehen, beginnen.

Als Maler ist Vasari der führende Vertreter des toskanischen Manierismus der Mitte des 15. Jahrhunderts, in dem Anmut das ästhetische Referenzideal ist, eine meisterhafte Mischung aus naturalistischer Wahrhaftigkeit und intellektueller Qualität der Schönheit.

Das hier präsentierte Bild zeigt alle Elemente der manieristischen und insbesondere der Vasari-Kompositionssyntax: diagonale Schnitte, verkürzte Figuren, anatomische Dehnungen, saure Farben. Die aus der Halbfigur entnommenen Figuren werden zur Gewohnheit, dringen in den Raum des Betrachters ein und erscheinen an den Rändern des Bildraums. Es sind Beteiligungsmechanismen, die mit Richtungslösungen angereichert sind, die darauf abzielen, die direkte Beteiligung des Zuschauers zu provozieren. Die dramatische Handlung entwickelt sich durch die sehr nahe Einstellung, die Liebe zum Detail, den Kontrast zwischen der Würde Christi und der Schande des Kreuzes, dem leidenden Gesicht und der Eleganz des rosa Gewandes.

Trotz seiner abruzzesischen Herkunft ist Nino Caffé eigentlich ein Maler aus den Marken, der zunächst in Ancona und ab 1930 in Pesaro ausgebildet wurde. Student in Urbino, wo er 1935 seinen Abschluss machte und später Lehrer an der dortigen Akademie wurde.

In dem Bild von Jesi erreichen Anklänge an die französische Schule des Fin de Siecle und an die Zartheit Boldinis, des unbestrittenen Meisters der Porträtgattung, in der Darstellung weiblicher Figuren Höhepunkte absoluter Virtuosität.

Auf dieser Linie kontrastiert Nino Caffè die bescheidenen Gesten der Frau mit der Sinnlichkeit der weißen nackten Schultern, die tatsächlich zum signifikanten Zentrum der Komposition werden. Die sitzende junge Frau ist in einem Abendkleid dargestellt, mit einer Blume im Haar, das zu einem weichen Knoten zusammengerafft ist. Ein schnelles Malen mit großen Pinselstrichen definiert das Kleid, während bei Teint und Frisur das Zeichen sorgfältiger und detaillierter wird. In ihrer rechten Hand, die auf ihrem Schoß ruht, entblößt die Frau einen geschlossenen, rot gefärbten Fächer, der leicht zu deuten ist und auf eine Weiblichkeit anspielt, die noch nicht vollständig zum Ausdruck kommt, sich aber entfaltet. Andererseits scheint die erotische Figur am besten geeignet zu sein, interpretative Schlüssel zum Bild zu bieten.

Die Platte wurde kürzlich einer Restaurierung unterzogen, die es ermöglicht hat, die ursprüngliche Farbe wieder zum Vorschein zu bringen und die Arbeit eines raffinierten Künstlers zu enthüllen, der in der Lage ist, Pigmente klug einzusetzen, um wertvolle Effekte von Helligkeit und Brillanz zu erzeugen, insbesondere bei der Wiedergabe von Teint .

Diese Verkündigung, an die die Inschrift erinnert, ist eine Kopie eines wunderbaren Freskos, das in der Basilika von SS gefunden wurde. Annunziata von Florenz. Der Überlieferung nach wurde das Fresko um die Mitte des 13. Jahrhunderts von einem Maler namens Bartolomeo gemalt, mit Ausnahme des von einem Engel geschaffenen Gesichtes der Jungfrau. Das heutige Bild stammt jedoch aus dem 14. Jahrhundert. Die große Hingabe an die Florentiner Verkündigung führte zu ihrer raschen und auffälligen Verbreitung, wie die zahlreichen Repliken belegen, die von bekannten und unbekannten Autoren in den Kirchen von Florenz und Umgebung bis auf die andere Seite der Alpen angefertigt wurden. Es gab auch viele Andachtsreproduktionen für die Gläubigen, Drucke, Exvotos, Holzschnitte, die eine weite Verbreitung mit sich brachten. Der Künstler kannte daher das ikonografische Referenzmodell sehr gut, dem er bis auf die Haltung des Engels äußerst treu bleibt. Im Gegensatz zum Original hat der Engel noch nicht vor der Jungfrau gekniet, sondern im unmittelbar vorangegangenen Moment ertappt, wie er seine Knie im Gleitflug in der Luft gebeugt hat, ohne den Boden zu berühren. Besonders geeignet, um der Figur Bewegung und mehr Körperlichkeit zu verleihen, die sich dank des Faltenwurfs des Kleides, gegen den sich die Knie drücken, und des auf den Boden projizierten Schattens in seiner ganzen Körperlichkeit präsentiert.

Der Autor des Gemäldes ist Francesco da Ponte aus Bassano del Grappa bei Venedig, der im 16. Jahrhundert in Venetien lebte und arbeitete. Das Gemälde ist ein seltenes Beispiel eines Nachtgemäldes aus dem 16. Jahrhundert und basiert vollständig auf dem Kontrast zwischen Licht und Schatten. Es stellt ein Interieur mit Frauen dar, die typisch weiblichen Handwerken nachgehen (Kochen, Spinnen, Sticken ...) und einem Jungen, der das Feuer im Vordergrund nährt. Es wird angenommen, dass es höchstwahrscheinlich zu einer Serie gehört, die die vier Jahreszeiten darstellt, für die es den Winter symbolisiert. Das Nachtlicht im Inneren des Gemäldes ermöglicht ein genaues Studium von Licht und Farben. Auf der linken Seite des Hintergrunds befinden sich zwei Personen, während auf der rechten Seite in einer unwirklichen Landschaft ein Mann zum Himmel betet und im dunklen Himmel ein himmlisches Licht aufgeht und ein Kind zeigt.

Giovanni Fazi ist einer der bedeutendsten Jesi-Künstler des 19. Jahrhunderts, der in Rom an der Akademie von S. Luca ausgebildet wurde. Ab 1880 war er Lehrer am Technischen Institut von Jesi und spielte eine wichtige Rolle bei der Definition der künstlerischen Entscheidungen und des Geschmacks der Stadt und bei der Ausbildung junger Talente. Das Gemälde zeigt das Porträt einer jungen Frau in bäuerlicher Kleidung mit dem typischen Kopfschmuck der Markentradition: das Taschentuch über dem Kopf gefaltet und mit Nadeln befestigt; auch in Latium und Kampanien weit verbreitet, tatsächlich lebte der Künstler auch in diesen Gebieten lange Zeit.