Gio Carlo Doria war ein genuesischer Adliger mit einer großen Leidenschaft für die Kunst. Hunderte von Leinwänden wurden in seinem Haus aufbewahrt, einschließlich dieses Gemäldes. Das 1606 von dem jungen Pieter Paul Rubens, Vater des Barock und einem der gefragtesten europäischen Maler, gemalte Porträt zeigt den Adligen zu Pferd: eine Ehre, die eines Herrschers würdig ist. Gio Carlos seltsame Ruhe repräsentiert vielleicht seine Herrschaft über die Naturgewalten. Während des Zweiten Weltkriegs war das Werk von den Nazis gestohlen worden, bevor es Teil der Sammlungen des Museums wurde.

Die Skulptur war Teil des Denkmals für Margarete von Brabant, die Frau von Kaiser Heinrich VII. Sie starb 1311 in Genua und hatte die Ehre, in dem einzigen Grabmal verewigt zu werden, das jemals von Giovanni Pisano, dem größten Bildhauer der italienischen Gotik, geschaffen wurde. Die verschiedenen Elemente, aus denen es bestand, wurden zerstreut, als San Francesco, die genuesische Kirche, in der es aufbewahrt wurde, Ende des 18. Jahrhunderts zerstört wurde. 1960 wurde Justice , ein Meisterwerk mittelalterlicher Ausdruckskraft, in einem genuesischen Garten gefunden und als Zierde für einen Brunnen wiederverwendet. Zusammen mit der Skulpturengruppe mit der Elevatio Animae , die sich jetzt im Museum Sant'Agostino befindet, bildet sie eines der wenigen erhaltenen Elemente des Denkmals.

Der kleine Teller hat einen sehr abgenutzten Bildfilm, und einige Details sind leider verloren gegangen. Die erhaltenen Auszüge ermöglichen es jedoch, das Gemälde näher an den Katalog von Fra Bartolomeo anzunähern, einem Dominikanermönch und Maler, der zwischen dem 15. und 16. Jahrhundert in Florenz tätig war. Die Szene zeigt den Moment, in dem der auferstandene Christus von seiner Nachfolgerin Magdalena erkannt wird, die sich ihm zu Füßen wirft. Doch Jesus ist nun Teil des Himmelreiches und ermahnt sie mit dem Ausruf „Noli me tangere“, rühr mich nicht an. Fra Bartolomeo hat sich mehrmals mit diesem Thema herausgefordert, von dem andere Versionen und einige Zeichnungen erhalten sind.

Der Tisch ist eine Kopie mit Varianten eines Gemäldes von Andrea del Sarto, einem der bedeutendsten Florentiner Künstler des frühen 16. Jahrhunderts. Es wurde von Pier Francesco di Jacopo Foschi, seinem Schüler, aufgeführt. Im Vergleich zum Original herrscht hier eine klassischere und ruhigere Atmosphäre, in der die Figuren aus der Dunkelheit des Hintergrunds hervortreten. Darüber hinaus fügte er im Gegensatz zum Werk des Meisters Pier Francesco Details wie das Kreuz von San Giovannino und das Tuch, auf dem das Jesuskind ausgestreckt ist, Elemente ein, die auf die Passion Christi anspielen.

Um seinen Glauben zu prüfen, forderte Gott den Patriarchen Abraham auf, Isaak, seinen einzigen Sohn, zu opfern. Das Gemälde zeigt den Moment, in dem ein von Gott gesandter Engel den Arm des alten Mannes stoppt, bevor er seine Geste vollendet. Alle Merkmale der Kunst von Orazio Gentileschi sind hier vorhanden, einem pisanischen Maler, der in der Lage war, die Sprache von Caravaggio in eine Symphonie aus kristallinen Lichtern und sehr lebendigen Farben zu verwandeln. Der Maler war in Genua sehr geschätzt, wo er einige Jahre lebte und wo dieses Gemälde mindestens ab dem 18. Jahrhundert dokumentiert ist.

Scipione Clusone war ein Anführer in den Diensten der Republik Venedig und hier wird er dargestellt, während er sich mit Hilfe eines Zwergpagen anzieht. Die Zwerge waren an den damaligen Höfen, wo sie als Diener arbeiteten, ständig präsent und wurden oft in die Gemälde aufgenommen, die die damalige venezianische Gesellschaft darstellten. Im 20. Jahrhundert wurde das Gemälde von deutschen Soldaten gestohlen, um es in einem von Hitler gewünschten Museum auszustellen. Als er 1988 nach Italien zurückkehrte, wurde er diesem Museum zugeteilt.

Die dynamische Malerei des Neapolitaners Luca Giordano faszinierte die Genuesen, die mehrere seiner Gemälde sammelten. Dieses Gemälde gehörte dem Adligen Costantino Balbi, aus dessen Sammlungen viele Werke durch Erbschaft in den Palazzo Spinola gelangten. Erst in den letzten Jahren wurde die Leinwand, die nicht in diesen Erbgängen enthalten ist, vom Museum gekauft. Es stellt eine Episode der Legende von Rom dar: Die Stadt war gerade gegründet worden und König Romulus beschloss, sie zu bevölkern, indem er die Frauen eines rivalisierenden Volkes, der Sabiner, entführte.

Das Gemälde stammt zusammen mit dem mit Giaele und Sisara aus einer Villa in Genua Cornigliano, die zuvor den Spinolas gehörte und dann im 19. Jahrhundert an die Familie Dufour verkauft wurde. Verschiedene Dokumente aus dem im Palazzo Spinola aufbewahrten historischen Archiv informieren uns über zahlreiche Renovierungen in diesem Feriendomizil, vor allem durch Paolo Francesco Spinola, Besitzer des Palazzo Spinola zwischen dem 18. und 19. Jahrhundert.

Wie auf der Leinwand, die als Pendant fungiert, ist auch in diesem Gemälde eine Episode aus dem Buch der Richter dargestellt, mit der Absicht, zwei Heldinnen des Alten Testaments zu verherrlichen: Delilah, von den Philistern angeheuert, schafft es, Samson zur Enthüllung zu bewegen dass das Geheimnis seiner Stärke im Haar liegt. Das Mädchen lässt ihn dann seine Haare schneiden, während er schläft, was seine Gefangennahme begünstigt.

Die hier dargestellte Episode erzählt, wie Jael, die Frau des Häuptlings Eber, den kanaanäischen Feldherrn Sisara tötete, indem er einen Pflock in seinen Tempel schlug, nachdem er ihn überredet hatte, in seinem Zelt zu ruhen.

Die Szene wird von Bartolomeo Guidobono mit beredter Theatralik dargestellt. Tatsächlich war der Künstler damals für seinen ausgeprägten dekorativen Geschmack berühmt und fertigte mit großer Vielseitigkeit große Freskenzyklen sowie Gemälde auf Keramik an.

Die daneben ausgestellte Leinwand mit der Darstellung von Samson und Delilah zeichnet sich durch die gleichen Abmessungen aus und ist seit ihren Anfängen ihr Gegenstück.

Die Leinwand ist Teil eines Nukleus von Werken aus dem Palazzo Cattaneo Adorno, der von der Nationalgalerie von Ligurien erworben wurde. Wie die beiden anderen Kompositionen im selben monumentalen Format mit Merkur und Argos und Perseus und Andromeda stellt das Gemälde eine Episode der Metamorphosen des lateinischen Dichters Ovid dar.

Hier werden wir Zeuge der verzweifelten Flucht von Siringa, verfolgt vom Gott Pan, kurz vor ihrer Verwandlung in Sumpfschilf. Die Nymphe wird ihre eigene Metamorphose dank des Eingreifens der links dargestellten Najaden vollziehen, die sie so vor den Begierden Pans retten werden. Er wird feststellen, dass er ein Bündel Schilfrohr umarmt und, verzaubert vom Klang des Windes, der durch sie hindurchstreicht, seine Flöte erfindet, die zu Ehren der Nymphe auch Spritze genannt wird.

Das Gemälde ist Ergebnis der Zusammenarbeit von Gregorio und Lorenzo De Ferrari. Der erste war einer der Protagonisten der genuesischen Barocksaison. Sein Sohn Lorenzo, hier am Anfang seiner Karriere, wird 1734-1736 sein der Leiter der Renovierungskampagne, die Maddalena Doria Spinola im zweiten Adelsgeschoss des Palazzo Spinola durchführen wollte und die ihren Höhepunkt erreichen wird mit der Gründung der Spiegelgalerie.

Auch in diesem Gemälde ist es so stellte eine Metamorphose dar: die schöne Io ist wurde von Jupiter in eine weiße Färse verwandelt, um sie vor der Eifersucht seiner Frau Juno zu verbergen. Im Mittelpunkt steht Argo, der Hirte mit den tausend Augen – von einer Augenbinde verdeckt – dem Juno das Kalb denn anvertraut hatte hielt sie von ihrem Mann fern. Merkur auf der rechten Seite schafft es durch die Melodie der Flöte und die Geschichte des Mythos von Pan und Syringa , den Wächter einzuschläfern, um ihn zu töten und Io aus seiner Kontrolle zu befreien.

Der junge Mann in Rüstung auf der rechten Seite ist Perseus, dargestellt, während er sich erholt, nachdem er Andromeda gerettet hat, auf der linken Seite liegend. Die junge Frau war als Strafe für den Stolz ihrer Mutter Kassiopeia dem unter ihr versteinerten Seeungeheuer geopfert worden. Das Gemälde erzählt auch den mythologischen Ursprung der Koralle, die aus Algen geboren wurde, die mit dem Blut des Monsters getränkt waren und in Kontakt mit dem Kopf der Medusa, der in der unteren Mitte abgebildet ist, in Stein verwandelt wurden. Die Meeresbewohner um Perseus und Andromeda spielen mit den Korallen und staunen freudig über diese Verwandlung.

Die Leinwand sanktioniert den Übergang von der Generation von Gregorio mit barocker Prägung zu der seines Sohnes Lorenzo, der sich durch mehr auszeichnete elegant und gelassen, typisch für das achtzehnte Jahrhundert.

Die Leinwand ist Teil einer Reihe von Gemälden, die dem berühmten mythologischen Helden gewidmet sind. Zusammen mit den anderen drei daneben ausgestellten schmückte es einst die Räume des Palazzo Cattaneo Adorno (heute Via Garibaldi), ein Haus, in dem sich auch die anderen monumentalen Darstellungen der Metamorphosen befanden, die gleichzeitig von der Nationalgalerie von Ligurien erworben wurden .

Herkules ist in diesem Fall dargestellt, wie er den zweiten der zwölf Tests besteht, denen er unterzogen wurde, um die Schuld zu sühnen, seine eigene Familie ausgerottet zu haben. Das Seeungeheuer, das kurz davor ist, seinen Füßen zu erliegen, ist die Hydra von Lerna, ausgestattet mit zahlreichen Köpfen, die nachwachsen können. Die Haut, die der Held trägt, ist stattdessen der Beweis der Überwindung der ersten Anstrengung oder der Kampf gegen den nemeischen Löwen.

In dieser Leinwand ist Herkules beschäftigt, während man sich der siebten Anstrengung gegenübersieht. Er besiegt einen riesigen Stier, der Feuer aus seinen Nasenlöchern spucken kann und der die Insel Kreta heimgesucht hat. Dank seiner außergewöhnlichen Stärke wird der Halbgott Erfolg haben in dem Unternehmen, das Fabeltier zu zähmen.

Wie die anderen Gemälde derselben Serie ist auch dieses Thema wurde von Gregorio De Ferrari in der Reifephase seiner Tätigkeit geschaffen, die in der Werkstatt von Domenico Fiasella, einem der bedeutendsten, begann repräsentative genuesische Meister des siebzehnten Jahrhunderts, und dann bereichert durch direkte Kenntnis von Correggios Malerei. Emilianische Vorschläge In diesem Fall wurden sie mit Hinweisen auf die Manieren von Giovanni Benedetto Castiglione, bekannt als il Grechetto, einem weiteren berühmten Protagonisten der genuesischen Barocksaison, verziert.

Neben der Überwindung der zwölf Aufgaben musste sich Herkules weiteren Prüfungen stellen, darunter dem Kampf gegen den Riesen Antäus. Diese, der Sohn von Gea, der Göttin der Erde, war praktisch unverwundbar, wenn sie mit dem Boden in Berührung kamen. Bevor der Halbgott ihn besiegte, war er daher gezwungen, ihn vom Ursprung seiner Kraft zu heben und ihn dann zu zermalmen.

Die ganze Anstrengung der beiden kämpfenden Giganten wird von Gregorio De Ferrari durch den äußerst aufwändigen Einsatz von Licht mit stark verkürzten Körperhaltungen wiedergegeben, die durch schnelle und prägnante Pinselstriche aufgebaut sind.

Diese Szene beschließt die irdische Geschichte des Herkules: Nach einem intensiven Leben voller Prüfungen und Entbehrungen stirbt der Held an der Eifersucht seiner Frau Dejanira. Neidisch auf die Aufmerksamkeit, die ihre Gemahlin der schönen Iole geschenkt hatte, besprengte sie das Kleid des Halbgottes tatsächlich mit einem starken Gift, das aus dem Blut des Zentauren Nessus gewonnen wurde. Sobald sie getragen wurde, verursachte die Tunika Herkules so starke Schmerzen, dass er sterben wollte. Dies ist der Moment, den Gregorio De Ferrari darstellt: Herkules hat sich gerade auf den von ihm errichteten Scheiterhaufen gestürzt, während Philoctetes, den der Halbgott gebeten hatte, das Feuer anzuzünden, zur Linken vor Angst flieht.

Die kleineren Abmessungen im Vergleich zu den anderen vier dem Herkules gewidmeten Leinwänden lassen Zweifel aufkommen, ob dieses Werk zu der den Arbeiten gewidmeten Serie gehört, auch wenn es ikonografisch den idealen Abschluss darstellt. Tatsächlich zeigt die Leinwand den glücklichen Epilog der Geschichte des Helden, der von seinem Vater Jupiter vor dem Scheiterhaufen gerettet und im Olymp willkommen geheißen wurde. Herkules steht kurz davor, die in Blau gekleidete Göttin der ewigen Jugend Hebe zu heiraten und sich den unsterblichen Göttern anzuschließen. Oben links scheint Jupiter mit der Krone die in der Ecke abgebildete Figur mit dem Federhut anzusprechen: Es handelt sich vielleicht um das Selbstbildnis des Malers, der jugendliche Züge in die Komposition einfließen lassen wollte.

Die Szene zeigt den Hintergrund rechts: Herkules, der von seinem vergifteten Gewand zerrissen davonläuft und die drei Stunden warten, um ihn im Olymp willkommen zu heißen.

Dank der großzügigen Schenkung eines Privatsammlers gelangte das Gemälde in den Besitz der Galleria Nazionale della Liguria.

Die Zeichnung bezieht sich auf ein bekanntes Gemälde, das heute in Großbritannien aufbewahrt wird (National Trust of Wilthshire Wilthshire, National Trust), auf dem Carlo Maratti, ein berühmter Vertreter des römischen Barock, beim Akt des Porträtzeichnens dargestellt wird Adliger Nicolò Maria Pallavicino . Letzterer, ein wohlhabender genuesischer Bankier, der sich in Rom niedergelassen hat, wird dargestellt, als er Arkadien betritt, von Apollo begrüßt und von den Personifikationen der Tugenden erwartet wird. Auf diese Weise wollte der Kunde seine Ernennung zum Ehrenakademiker in der renommierten Accademia di San Luca, einer historischen Kunstinstitution, feiern. Er war der Cousin der Pallavicinos, denen der Palazzo Ende des 17. Jahrhunderts gehörte, denen die Zeichnung gehörte. Wie die Quellen in diesem Gebäude dokumentieren, wurde es im 19. Jahrhundert verkauft, aber der Kauf des Blattes durch den Staat im Jahr 2000 ermöglichte es, es wieder in dem Haus auszustellen, in dem es sich historisch befand.

Maler kalabrischer Herkunft, arbeitete Mattia Preti hauptsächlich in Neapel und Rom und beendete sein Leben auf Malta.

Das Gemälde, zusammen mit dem mit der Auferweckung des Lazarus , entstand vermutlich im siebten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts, während des längeren Aufenthalts des Malers auf der Mittelmeerinsel. Die Gemälde, die en Pendant entstanden sind, zeigen eine profunde Kenntnis sowohl der römischen Bildkultur zwischen den 1630er und 1640er Jahren, in der sich der Künstler ausbildete, als auch der neuen Anregungen, die Preti nach seiner Tätigkeit aufgenommen hat in Neapel.

Mattia Preti, Maler kalabrischer Herkunft, arbeitete hauptsächlich in Neapel und Rom und beendete sein Leben in Malta.

Das Gemälde wurde zusammen mit dem mit der Begegnung des heiligen Franziskus und des heiligen Dominikus wahrscheinlich im siebten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts während des längeren Aufenthalts des Malers auf der Mittelmeerinsel gemalt. Die Gemälde, die en Pendant entstanden sind, zeigen eine profunde Kenntnis sowohl der römischen Bildkultur zwischen den 1630er und 1640er Jahren, in der sich der Künstler ausbildete, als auch der neuen Anregungen, die Preti nach seiner Tätigkeit in Neapel aufgenommen hat.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts „Les grandes têtes d'hommes coëffées“ genannt à l'Orientale“ dokumentieren diese Kompositionen die Aufmerksamkeit des genuesischen Malers für die Stiche von Rembrandt van Rijn, die er während eines Aufenthalts in Rom in den 1730er Jahren studierte.

Dies sind Werke, die aus einer tiefgreifenden Reflexion des Autors über die vom holländischen Meister gestochenen Bilder hervorgehen, angefangen von seinen zahlreichen Selbstporträts bis hin zu einer Reihe von Männerbüsten in orientalischer Kleidung, die nach einer Mode hergestellt wurden, die beachtlichen Erfolg hatte in Amsterdam, wo diese fantasievollen Porträts, bekannt unter dem Begriff Tronie , sie wurden weit verbreitet.

Die Serie wurde der Galleria Nazionale della Liguria in Erinnerung an die Kunsthistorikerin und Lehrerin Anna De Floriani geschenkt.

Zugehörigkeit zu einer Adelsfamilie Der Genuese Giovanni Battista Paggi wurde 1581 ins Exil gezwungen, weil allerdings des Mordes schuldig in der Selbstverteidigung. Nach einem Aufenthalt in Aulla und Pisa gelangte er nach Florenz an den Hof von Francesco I. de Medici. Ende 1590 hatte der Maler die Chance nach Genua zurückzukehren, jedoch nur innerhalb der Residenzen von Prinz Giovanni Andrea I. Doria, seinem Beschützer, da sie von der Gerichtsbarkeit der Republik ausgeschlossen waren.

Die Geißelung, signiert und datiert 1591, stammt aus der von Andrea Doria außerhalb der Stadt erbauten Villa alt, wo es wahrscheinlich eine der von Giovanni Andrea und seiner Frau Zenobia Del Carretto erbauten Kapellen schmückte. Das Werk offenbart die Aneignung einiger Merkmale und Methoden der florentinischen Malerei des ausgehenden 16. Jahrhunderts durch den genuesischen Künstler.

Die raffinierte Komposition, die um 1615 gemalt wurde, zeigt eine Episode aus Torquato Tassos Gerusalemme liberata, einer Komposition, die auf dem Gebiet der Bildproduktion außerordentlich erfolgreich war und deren Erstausgaben von Bildern des Genuesen Bernardo Castello illustriert wurden. Sogar in der Bibliothek von Paggi, einem kultivierten und modernen Künstler, gab es eine Kopie von Tassos Gedicht.

In der Arbeit, unter den meisten frühe Darstellungen des literarischen Themas vor Ort, der Krieger Rinaldo, ist Dargestellt, wie er der schönen Armida den Spiegel vorhält und sich bemüht, ihr Haar zu stylen, begleitet von einem Putto mit einem Blumenstrauß. Zwischen den Büschen auf der linken Seite tauchen die Kreuzfahrerritter Guelfo und Ubaldo auf, die zur Isola della Fortuna geschickt wurden, um Rinaldo durch den Liebeszauber der Zauberin Armida zur Besinnung zu bringen.

Cornelis de Waels Rolle im kulturellen Umfeld des frühen 17. Jahrhunderts in Genua beschränkte sich nicht nur auf die Produktion von Gemälden. Tatsächlich war er der Bezugspunkt für die große Gruppe flämischer Künstler, die ihre Werke in der Stadt verkaufen wollten. In diesen Jahren wirkten Antoon van Dyck, aber auch Jan Wildens und Jan Roos, Meister der sogenannten „Genremalerei“. In dieser Art von Werk zeichnete sich Cornelis aus, dh das Werk, das die damaligen Schriftsteller als "mit kleinen Figuren" definierten und das überfüllte Szenen mit Adligen oder Bürgerlichen darstellte.

Die Leinwand ist mit einer anderen Komposition verbunden, die die Eucharistiefeier für Pilger darstellt, in der in Übereinstimmung mit der Landschaft die Anwesenheit der Hand von Cornelis 'älterem Bruder Lucas de Wael angenommen wurde. Die beiden Darstellungen waren Teil einer Reihe von Beispielen der Tugend der Kapuziner , die Cornelis während seiner Tätigkeit in Genua wahrscheinlich in den 1640er Jahren geschaffen hatte.