Crown Jewels ist eine eindrucksvolle Installation, die Tony Cragg aus Plastikabfällen komponiert hat, die ganz in Weiß gehalten sind und wie in einer Art Mosaik angeordnet sind, um einer majestätischen Kaiserkrone Gestalt zu geben. Obwohl die Objekte der Komposition, obwohl sie zurückgewiesen werden, sogar ziemlich beschädigt, einzigartig lesbar sind, wird ihre Präsenz jedoch in einem viel breiteren Bild verändert, dem der Krone, das der Betrachter durch einen Prozess des Lesens und Assoziierens rekonstruiert, ausgehend von Verständnis vom einzelnen Objekt / Material bis hin zu einer komplexeren Figur. Das Werk bringt, auch in Anbetracht seiner Entstehungszeit Anfang der 1980er Jahre, sicherlich eine Reflexion über die nationale Identität und über die politische und gesellschaftliche Situation der Thatcher-Ära mit sich, die sich auch in anderen Werken des englischen Künstlers wiederfindet , wie Britain Seen from the North, Union Jack und Riot Policeman.

Tony Cragg verwendet seit den 1970er Jahren seine besondere Technik des Fliegenmachers, aber 1980 setzen sich zwei Innovationen durch: Die Kompositionen von Plastikobjekten beginnen, realen Bildern Gestalt zu geben und nicht mehr abstrakt zu sein, und die Figurationen, um das Lesen zu erleichtern, vom boden, wo der künstler sie bis dahin platziert hatte, wandern sie an die wand. In diesem Übergang von der Horizontalität des Bodens zur Vertikalität der Wand gibt es eine neue Eroberung: Auf dem Boden liegend wäre die Figur durch den veränderten Blickwinkel des Betrachters zwangsläufig perspektivisch verformt worden, während seine Das Exterieur könnte deutlicher hervortreten und seine ganze ikonische Kraft zum Vorschein bringen. Für die Arbeit Crown Jewels wurde die Figur der Krone vom Künstler freihändig nach einem realen Bild der Kaiserkrone gezeichnet, das als Referenz diente und auf einer großen Folie aus transparentem Polyethylen auf dem Boden gezeigt wurde. Dieses Blatt, auf dem die Silhouetten der verschiedenen Objekte, aus denen die Komposition besteht, nachgezeichnet wurden, bildet die Grundlage für die Aufstellung der Arbeit an der Ausstellungswand.

Apollo e Dafne reloaded des neapolitanischen Künstlers und Designers Mario Coppola ist eine monumentale Skulptur aus PLA (Polymilchsäure), die durch Rapid Prototyping by Wire Deposition modelliert wurde. Es handelt sich um eine ortsspezifische Installation, die sich vertikal in fließender Kontinuität zu den Gewölben des Plart-Museums entwickelt, wo sie anlässlich der Personalausstellung der Künstlerin im Jahr 2017 mit dem Titel Cosmogonie von Angela Tecce ihr Debüt feierte.

Das Werk ist eine zeitgemäße Neuinterpretation des Mythos von Apollo und Daphne und das Ergebnis eines Experiments, das antike und moderne Kunst kreuzt, von Bernini bis Moore, von Michelangelo bis Boccioni. "Biodigitale Madonna, die dem Blick des Besuchers entgeht", definiert der Philosoph Leonardo Caffo und betont, wie in der Aktualisierung des Mythos die Angst und das Verlangen von Apollo - hier abwesend - von den Zuschauern verkörpert werden. Im verängstigten Gesicht der Nymphe, Zeichen einer ganz menschlichen Gebrechlichkeit, drückt sich zugleich ein Zustand aus, der über das Menschliche hinausgeht, zwischen Mythologie und Science-Fiction, wo die Frau auch eine Pflanze, eine Maschine, ein Avatar ist . Die Arbeit von Mario Coppola ist auch wegen ihres formalen und methodischen Erfolgs und wegen des verwendeten Materials PLA, einem Biokunststoff pflanzlichen Ursprungs, der hauptsächlich aus Mais hergestellt wird und biologisch abbaubar ist, von großem Interesse. Tatsächlich könnte Mario Coppolas Daphne eines Tages auf die Erde zurückkehren wie jener Lorbeerbusch, von dem Ovid in seinen Metamorphosen erzählt. Eine starke Anregung, die Coppola aus all seinen Arbeiten sowohl als Künstler als auch als Designer hervorgehen lässt.

Riccardo Dalisis Ballerinas sind bunte schwebende Figuren aus Polymethylmethacrylatplatten, die seine berühmten Kompasse in Kupfer und Zinn neu interpretieren, kleine anthropomorphe Skulpturen an der Grenze zwischen Kunst und Handwerk, Märchen und Poesie. In den 2000er Jahren wird der bekannte neapolitanische Architekt mit einem für ihn ungewöhnlichen Material, Plexiglas, konfrontiert und für Plart kreiert er 2011 die Ballerinas. Bei dieser Gelegenheit schrieb Dalisi über Plastik: «Plastik trägt die ganze Materialgeschichte in sich, es deckt sich mit der Geschichte des Menschen und seiner Kultur. Mit Feuer und Schlägen wurden Metalle einst immer raffinierter in ihrer Form (Hämmer, Stäbe, Bleche, bei denen Zinn ein Knotenpunkt ist, ein Wendepunkt für seine Formbarkeit und Widerstandsfähigkeit). Die Materialforschung geht unerschöpflich weiter und führt zu den sogenannten „Kunststoffen“: Sie lassen sich leicht manipulieren und sind ein reines Produkt der Chemie, ein Ausdruck des Wissens über die Zusammensetzung der Materie. Die Natur mit ihrer Vielfalt erscheint heute nur noch als Kapitel eines größeren, vom Menschen geschaffenen Universums. Geometrie (mit Fraktalen usw.), die von menschlichem Einfallsreichtum entwickelt wurde, übertrifft und umfasst das Universum der Geometrie in der Natur. Genauso ist es mit den Materialien“.

Die 577 / S-Lampe ist die 1970er-Edition einer Lampe, die 1925 von Aleksandr Rodtschenko für den Arbeiterclub des sowjetischen Pavillons entworfen wurde und 1925 auf der Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes in Paris präsentiert wurde 1971 Gino Sarfatti, Gründer von Arteluce, nachdem er Skizzen und Zeichnungen von Lampen des russischen Konstruktivisten aus dem Jahr 1925 gesehen hatte, beauftragte seine Designer, sie zu reproduzieren. So wurden 1974 die Lampen Mod. 576, 577 und 577 / S geboren. Insbesondere die 577 / S ist eine Pendelleuchte, die sich durch ein streng geometrisches Design auszeichnet, das durch die Kreuzung von vier Platten gleicher Form aus satiniertem Opalpolymethylmethacrylat entsteht. In Bezug auf die ästhetischen Aspekte der Lampe können wir sicherlich bestätigen, dass Rodtschenko eine sehr genaue Vorstellung von der Konzeption von Objekten hatte, die ihm aus seinem Festhalten an den Prinzipien des sowjetischen Konstruktivismus kam, einer dynamischen Konzeption des Objekts, die, oft muss es nicht nur synthetisch sein, sondern auch die Voraussetzungen für Wandlungsfähigkeit und Anpassungsfähigkeit an die kollektive Umgebung erfüllen.

Unter den Leuchten in der Sammlung der Plart Foundation befindet sich die ikonische Ufo-Lampe, die 1957 von Ettore Sottsass für Arredoluce entworfen wurde, ein italienisches Unternehmen, das 1943 von Angelo Lelli gegründet wurde und dazu bestimmt war, das Design von elektrischen Beleuchtungskörpern in Italien für die Forschung zu markieren , Liebe zum Detail und technologische Innovationen, die bei der Herstellung jedes Produkts angewendet werden.

Die Ende der 1950er-Jahre von Ettore Sottsass entworfene Leuchte kann als wichtiger Vorläufer der italienischen radikalen Designbewegung der 1960er-Jahre und gleichzeitig als Vorläuferin der Postmoderne der 1980er-Jahre angesehen werden. Ufo zeichnet sich durch eine starke skulpturale Präsenz aus, die von Sottsass' Interesse an konstruktivistischer Skulptur beeinflusst ist, und durch eine Aufmerksamkeit für Funktionalität, die auch in der Verwendung innovativer Materialien liegt. Ufo besteht aus nur zwei bedruckten Platten aus Polymethylmethacrylat (PMMA) (eine weiß, die andere gelb), die von vier emaillierten Metallstäben zusammengehalten werden und in acht farblosen Acrylfüßen enden. Die beiden PMMA-Elemente mit ihren zart geschwollenen Formen streuten das Licht mit einem weichen und warmen Effekt und verbargen seine Quelle. Die Tischlampe könnte auch umgedreht werden, um einen alternativen Lichteffekt zu erzeugen. Die frühe Verwendung von Kunststoffen durch Sottsass für diese Leuchte nimmt die intensiven Experimente mit Kunststoffen im Beleuchtungssektor vorweg, die in den 1960er Jahren in Italien stattfanden, und ist bezeichnend für eine Ikonographie dieser Zeit, die der Weltraumforschung, und die sich auf die Bilder von bezieht Sputnik, der erste künstliche Satellit, der im selben Jahr in die Umlaufbahn gebracht wurde.

Metropoligth ist eine Leuchte, die 1970 von dem deutschen Designer Jan Roth entworfen und von Design M des bekannten Designers Ingo Maurer hergestellt wurde. In der Sammlung Plart gibt es zwei Exemplare dieser Lampe, eines kam Ende der 1980er Jahre in die Incutti-Sammlung, das andere ist das Ergebnis einer privaten Spende im Jahr 2009. Die weiße Metropoligth besteht aus einer eiförmigen Form, die von einem großen gekreuzt wird Hülsen. Der Körper der Leuchte besteht aus zwei identischen glockenförmigen Elementen, die durch einen einfachen Verriegelungsmechanismus verbunden sind. Das Material, aus dem es hergestellt wird, ist Polystyrol (expandiertes Polystyrol), ein Material, das in Bereichen wie Verpackungen oder Wärmedämmung weit verbreitet ist.

Polystyrol oder Polystyrol in halbexpandierter Form liegt in körniger Form vor, ähnlich wie weiße Perlen. In dieser Form wurde es beispielsweise für die Kreation eines der berühmtesten Stühle im Möbeldesignbereich verwendet, dem Sacco-Sessel, der 1968 von Gatti, Paolini und Teodoro entworfen und von Zanotta hergestellt wurde. In der expandierten Form – der der Metropoligth-Leuchte – wird Polystyrol hingegen nur sehr wenig als Konstruktionsmaterial, aber regelmäßig für Isolierungen, Verpackungen und Lebensmittelverpackungen verwendet, Bereiche, in denen es wegen seiner Fähigkeit zur Aufnahme von Feuchtigkeit geschätzt wird und gleichzeitig hart aber flexibel zu sein. Im kreativen Bereich wurden expandierte synthetische Materialien wie Polystyrol in den 1960er Jahren als eigenständiger künstlerischer Ausdruck in Werken von Künstlern wie Gianni Colombo, Nicola Carrino und Piero Gilardi verwendet (später auf die Verwendung von weicherem und nachgiebigerem Polyurethan umgestellt). Schaum), Michelangelo Pistoletto, Jean Dubuffet und Giuseppe Antonello Leone. Wie bereits erwähnt, ist es schwieriger, seine Anwendung in der Gestaltung von Designobjekten zu finden, was die Metropoligth-Leuchte in diesem Bereich fast einzigartig macht.

Bei dem hier dargestellten Objekt handelt es sich um ein Spielzeug, das in eine bestimmte Hobby-Kategorie fällt, die des Modellbaus, der nach dem Zweiten Weltkrieg dank Kunststoffen und neuen Formverfahren wie dem Spritzguss, dank denen detailgetreue Details hergestellt werden konnten, einen rasanten Aufschwung erlebte auch in sehr kleinen Formaten erhalten: Teile von Schiffen, Flugzeugen und anderen Fahrzeugen, die früher aus Holz, Blech und anderen natürlichen Materialien bestanden, wurden jetzt aus Kunststoff hergestellt, und zwar in viel größeren Mengen und zu geringen Kosten. Unser Objekt gehört unter anderem zu einer besonderen Sphäre des Modelns, die sich mit dem Erfolg der großen Hollywood-Filme zu verbreiten beginnt. Tatsächlich beginnen die großen Filmfirmen, Lizenzen für die Produktion von Merchandising-Artikeln an Spielzeugfirmen zu verkaufen, was zusammen mit der Werbung für dieselben Filme den Ruhm von Figuren nährt, die zu Kultobjekten geworden sind. Um dies zu bestätigen, reproduziert das fragliche Spielzeug die Figur von King Kong, Protagonist des gleichnamigen Films, der 1933 von Merian Caldwell Cooper und Ernest Beaumont Schoedsack inszeniert wurde. Produziert wird das Styroporobjekt von der amerikanischen Firma Aurora Plastics Corporation, die 1950 von dem Ingenieur Joseph Giamarino und dem Unternehmer Abe Shikes in Brooklyn gegründet wurde. Zu Beginn seiner Tätigkeit produzierte Aurora spritzgegossene Kunststoffmaterialien für Dritte, aber 1952 begann das Unternehmen mit der Produktion von Kunststoffmodellen. Wie anhand des Objekts berichtet, wurde der zur Sammlung der Plart Foundation gehörende King Kong 1964 hergestellt. Die Aurora Plastics Corporation lieferte zusammen mit den Montageanleitungen der verschiedenen Teile, aus denen der Bausatz bestand, auch den Styrene Plastic Cement , der Klebstoff, der zum Verkleben der verschiedenen Teile des Modells verwendet wurde.

In England war Newfeld Limited, das in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts von Charles Neufeld in der Stadt Ashford, Middlesex, gegründet wurde, einer der ersten Spielzeughersteller, der von Disney eine Lizenz zur Herstellung von Waren erhielt, die von Zeichentrickfilmfiguren inspiriert waren. Das Unternehmen trug zum Vergnügen der Nachkriegskinder bei, indem es Bendy Toys gründete, eine Handelsmarke, mit der es Spielzeug vertrieb, das sich durch die extreme Flexibilität der Körper auszeichnet, von denen höchstwahrscheinlich der Name Bendy stammt. Die Spielzeuge der Marke Bendy Toys reproduzierten zusätzlich zu den Disney-Figuren auch die Figuren der Muppets, die einen außerordentlichen Erfolg hatten, um das Unternehmen dazu zu bringen, Muppetts Baby zu erschaffen. Über den Produktionsprozess von Spielzeug der Marke Bendy ist bekannt, dass sie ihr Leben als Tonmodelle gleicher Größe beginnen, aus denen eine Gipsform hergestellt wird, aus der wiederum eine Metallform hergestellt wird, die bei der Herstellung einiger Spielzeuge verwendet wird. Wenn Sie Bendy Toys untersuchen, können Sie sehen, dass sie aus einem schwammigen Gummi bestehen, das tatsächlich ein Metallskelett enthält.

Das Modell Phonola 547 ist ein Funkempfänger, der 1939-40 von Pier Giacomo Castiglioni, Livio Castiglioni und Luigi Caccia Dominioni entworfen und in Italien von Fimi-Phonola aus Saronno hergestellt wurde. Das schwarze Radio hat eine sehr innovative Form: Es erinnert tatsächlich an ein Telefongerät mit rechteckigem Sockel und einem hervorstehenden und leicht geneigten Lautsprecher, der von einem konvexen Gitter bedeckt ist, mit großen zylindrischen Löchern, die zur Erhöhung der Verbreitung in der Umgebung nützlich sind von Schallwellen. Bei der Gestaltung der Phonola 547 nahmen die Designer militärische Geräte als Referenz für ihre geringe Größe, Funktionalität und Praktikabilität. Die Absicht von Fimi-Phonola war es tatsächlich, ein Gerät auf den Markt zu bringen, das wenig kostet, aus billigen Materialien hergestellt wird, aber die Aufmerksamkeit auf qualitative, funktionale und ästhetische Aspekte nicht vernachlässigt. Die Realisierung des Modells 547 war eine großartige Zusammenarbeit zwischen den Designern und Technikern von Fimi, so dass die Entwicklung der Form des Radios, die der Anordnung der internen Geräte folgt, das Ergebnis dieser Zusammenarbeit war. Die perfekte Synergie zwischen Funktion und Form, die Form, die sich perfekt an den Inhalt anpasst und seine Qualitäten verstärkt, wäre jedoch ohne die Erfindung von Kunststoffmaterialien nicht möglich gewesen. Das Chassis des Radios besteht in der Tat aus einer Mono-Druckgussschale aus Phenolharz, dem berühmten Bakelit, dem ersten vollständig synthetischen Kunststoff, der 1907 von Leo Hendrik Baekland patentiert wurde und auch als „Material mit tausend Verwendungsmöglichkeiten“ bekannt ist zahlreiche Anwendungen: von der Herstellung von Radios, Weckern, Telefonen, Zahnbürsten oder Schmuck.

Der Tomato Chair wurde 1971 vom skandinavischen Designer Eero Aarnio für Adelta entworfen. Seine Produktion erfolgt daher zu einer Zeit, in der die mit dem Design und der Produktion von Glasfaser verbundenen Schwierigkeiten dank Formtechniken, an deren Verbesserung dieselben Designer mitgewirkt haben, vollständig überwunden sind. In der Produktion von Eero Aarnio stellt der Tomato Chair eine Weiterentwicklung des Pastil Chair dar, eines eiförmigen Stuhls, der der Form eines Tabletts ähnelte und der Aarnio 1968 den Design Award des American Institute of Interior Designers einbrachte. Der Pastil-Stuhl konnte schwimmen und eine Person im Wasser tragen, aber er war instabil. Es genügte Arnio, sich vorzustellen, dem Pastil-Design drei kugelförmige Elemente hinzuzufügen, zwei an der Seite und eines auf der Rückseite, um den neuen Sitz mit dem Namen Tomato Chair zu stabilisieren. Die drei hinzugefügten kugelförmigen Elemente verleihen dem Stuhl nicht nur Stabilität, sondern erfüllen auch die Funktionen von Armlehnen und Rückenlehne. Auch die lexikalische Komponente macht diese Session zu einem gefeierten Erlebnis. Das Wort Tomate spiegelt in seiner englischen Version tatsächlich sein Aussehen wider: Wenn Sie den Stuhl von vorne betrachten, können Sie die beiden Kugelformen erkennen, die den beiden "o" des Wortes "Tomate" entsprechen.

Das Tablett, der kleine Teller und der Krug auf diesem Foto sind typisches Geschirr, das in den 1930er Jahren von der englischen Firma Brookes & Adams hergestellt wurde. Die Herstellung dieser Objekte ist eng mit der Beetle Products Co. verbunden, der es 1925 gelang, Formpulver aus der Kondensationsflüssigkeit von Thioharnstoff mit Formaldehyd herzustellen. Diese Pulver, das Beetle Molding Powder, wurden mit Zellstoff vermischt und von verschiedenen Firmen, darunter Brookes & Adams, zur Herstellung von Geschirr und Haushaltsartikeln verwendet, die unter dem Handelsnamen Bandalasta bekannt sind. Die Artikel der Marke Bandalasta zeichnen sich durch eine große Auswahl an Farben und Marmorierungseffekten aus, die das Unternehmen durch Mischen von Farbstoffen mit Gießpulver erzielen konnte. Die Mischungen wurden verwendet, um komplette Geschirrsets herzustellen, von denen jedes tatsächlich die gleiche Nummerierung auf dem Boden hatte. In einem kommerziellen Katalog der späten 1920er Jahre präsentierte Brookes & Adams seine Produkte wie folgt: „Bandalasta wurde in einer Vielzahl von wunderschönen marmorierten und durchscheinenden Pastelltönen hergestellt. Bei den Marbled-Farben waren keine zwei Stücke genau gleich, sondern alle Stücke der gleichen Farbnummer wurden gemischt, damit sie in kompletten Sets aufgebaut werden konnten. [Bandalasta-Produkte werden in einer Vielzahl von wunderschönen durchscheinenden Marmor- und Pastelltönen hergestellt. Bei marmorierten Farbtönen sind keine zwei Teile genau gleich, sondern alle Teile der gleichen Farbnummer werden zusammengefügt, sodass sie komplette Sets bilden können]. Der Präsentationstext betont marmorierte Effekte und Farbvarianten. Die bis dahin hergestellten Kunstharze, die Bakelite, waren eigentlich nur in Braun- und Strohgelbtönen erhältlich. Andererseits eröffneten die Käfer-Formmassen dank ihrer Semitransparenz in den 1920er Jahren die Möglichkeit, Kunststoffe einzufärben, eine Qualität, die uns heute für diese Materialien so selbstverständlich erscheint, die es damals aber tat nicht es war keineswegs offensichtlich.