"In Kergoat nimmt einen ein tiefer Eindruck mit ..." Breton, gebürtig aus Pas-de-Calais, erzählt von der Vergebung, die er 1890 in Quéménéven bei Locronan erlebte. Zurück in Paris malte er in seinem Atelier diese großartige Komposition. Es ist die jährliche Feier der Kapelle, eine der größten in Cornwall. Die Menge eilt, um Absolution von Sünden zu erlangen. Beim Klang der Trommeln wartet die Prozession darauf, durch den Säulengang einzutreten. Die Vielfalt der bestickten Kostüme verblüfft. Breton porträtiert kollektive Frömmigkeit. Er beschreibt die Szene im Detail: Männer, dann Frauen mit niedergeschlagenen Gesichtern, eine Vielzahl brennender Kerzen, prächtige Banner, verehrte Statuen. Das Rot von Ploarés Gewändern bricht in die Mitte des Grüns des Heiligtums.

Die Leinwand wurde 1893 und 1900 auf den Weltausstellungen in Chicago und Paris präsentiert. Diese Leinwand, die einem amerikanischen Sammler gehörte, wurde 1994 erworben. Zusätzlich zu öffentlichen Subventionen trugen 1.177 lokale Abonnenten zu diesem Kauf bei, ein Symbol für die Verbundenheit von a Region zu seinem Erbe.

Wie Jules Breton entdeckten die in diesem Raum präsentierten Künstler das Finistère meist in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Sie sind fasziniert vom tiefen Mitleid der Bewohner. Das Ordensleben umfasst verschiedene Themen: Gnaden, Messen, Gebete … wo Inbrunst und Bräuche um das Rampenlicht wetteifern.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Brrr, der Tod erwartet dich ... Fürchte Ankou in einer Vollmondnacht. In einer nebligen Atmosphäre wirken die Bäume bedrohlich. Die Geister der Waschfrauen schwenken ihre weißen Leichentücher. Von der Rückseite des Gemäldes fliegen sie in den ersten Stock, um Wilherm Postic zu umzingeln. Es ist Allerheiligen und dieser Ungläubige hat seine Toten nicht geehrt. Glatte Haare, weit geöffneter Mund, panisch, der Tod zu seiner Linken warnt ihn „ich fange und überrasche“. Er wird bald der Welt der Lebenden entrissen sein und im Dickicht liegen, weil das Leichentuch nicht in Richtung der Waschfrau gedreht werden muss, ohne dass ihm dabei die Knochen gebrochen werden. Yan'Dargent erinnerte sich an die fantastischen Legenden seiner Kindheit. Das Thema stammt aus der 1844 erschienenen Sammlung Le Foyer breton von Émile Souvestre.

Im Finistère ist der Ankou die Personifikation des Todes oder seines Dieners. Er ist eine führende Figur in der mündlichen Überlieferung und in bretonischen Märchen.

Auf Wunsch und Sitte des Künstlers forderte sein Sohn 1907 die Exhumierung seines Leichnams und die Beisetzung seines Kopfes mit seiner Familie im Beinhaus. Dies ist die letzte bekannte Kopfabteilung in der Bretagne.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Ein Hafen in der Stadt! Der "Roi des Ciels" (ein Spitzname, den Boudin einst von Corot erhalten hatte) bietet einen Blick auf den Fluss Odet. Vom Kap-Horn-Viertel aus kann man das ruhige Wasser beobachten, das sich bei Flut bis zur Kathedrale erstreckt. Diese urbane Landschaft ist belebt: Spaziergänger auf den Kais, Wäscherinnen bei der Arbeit und sogar der Fährmann, der auf den Kunden wartet. Der Maler bietet traditionelle Elemente der Darstellung an: ausgewogene Komposition durch Bäume an den Seiten der Krümmung der Kais, Tiefe des Gemäldes, das durch den Kontrast von Schatten und Licht geschnitzt wird, Linienspiel von Stangen und Pfeilen. . Allerdings entsteht ein neuer Geist: Der weite Sommerhimmel mit flüchtigen atmosphärischen Effekten, Spiegelungen im Wasser und die fragmentierte Berührung rund um das Boot machen Boudin zu einem Vorläufer des Impressionismus.

Die Kathedrale Saint-Corentin ist eines der Lieblingsmotive der Maler, die nach Quimper kamen. Diese Ansicht von Boudin ist von unschätzbarem Wert, da es sich um den ersten dokumentierenden Pfeil handelt, der im Vorjahr fertiggestellt wurde. Entworfen von Joseph Bigot, auch Architekt des 1872 eröffneten Museums, sind sie das Wahrzeichen der Stadt.

Boudin wählt den malerischen Blickwinkel schlechthin, um ein emblematisches Bild von Quimper zu zeichnen. Viele Künstler sind diesem Beispiel gefolgt. Auch heute noch verführt diese Postkartendarstellung. Das Szenario hat sich wenig geändert: ein Vergleich vor Ort!

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

"Wer Sein sieht, sieht sein Ende" ... Auf dieser Insel mit dem Spitznamen "Insel der Toten" meditieren eine Witwe und ihr Kind mit Würde über das Grab ihres Verstorbenen. Die junge Frau blickt nach unten, verinnerlicht schmerzlich ihr Drama. Der Junge kniet auf dem Stein, hebt den Kopf und sieht uns traurig an. Ihr Schweigen setzt sich dem Getöse des glitzernden Meeres im Hintergrund entgegen. Diese dunkle Trauerszene spielt auf einem von Wellen überspülten Friedhof, ohne Blumen oder Farben. Renouf verbrachte den Winter unter den Fischern dieser kargen Insel, die in einem feindlichen Meer liegt. Doch diese ergreifende Szene ist fiktiv: Der Maler hat diesen verlassenen Ort als Kulisse gewählt und diese Figuren platziert, die zu Archetypen der Witwe und Waise des Seemanns werden.

Dieses Gemälde, das im Pariser Salon präsentiert wurde, machte seinen Autor bekannt, der mit der Medaille für den zweiten Platz ausgezeichnet wurde. Es wurde sofort vom Museum erworben. Aus dieser Arbeit wird das Thema der bretonischen Witwe zu einem Gemeinplatz. Witwen nehmen in Sein einen besonderen Platz ein, haben einen fast heiligen Charakter und heiraten nicht wieder.

Das Meer ist im Raz de Sein und ganz allgemein in der Bretagne besonders gefährlich. Schiffswracks sind dort an der Tagesordnung. Die bretonische Frömmigkeit zeichnet sich durch ihre Treue zu den Toten aus. Die Witwen der Matrosen, schwarz gekleidet, wurden oft täglich zum Gebet an den Gräbern ihrer Männer vertreten: Väter, Ehemänner, Kinder. Besonderheit der Ile de Sein: Nach der Cholera-Epidemie von 1886 wurde der Trauerkopfschmuck zum Alltag.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Der Scheiterhaufen tobt. Die heilige Lucia von Syrakus wird unter der Herrschaft des römischen Kaisers Diokletian für seinen Übertritt zum Christentum gemartert, sein Widerstand irritiert: Ein Zeuge springt auf die Stange und schneidet ihm die Kehle durch.

Die Körper drehen sich, drehen sich in alle Richtungen; der rauch steigt in dichten spiralen auf und nimmt den dampfenden stoff des kleides mit sich. Die Gewalt der Szene explodiert in den Wirkungen von Blicken und Perspektiven, in der Virtuosität und in den chromatischen Kontrasten.

Geboren aus der Gegenreformation, die die Bedeutung des Heiligenkults bekräftigte, zeigte die barocke Kunst ihre Pracht in religiösen Kreisen. 1621 fertigte Rubens die Decke für die Jesuitenkirche in Antwerpen an, die 1718 bei einem Brand weitgehend zerstört wurde. Die vorbereitenden Skizzen lassen es heute erahnen.

Dieses Werk auf Holz entstand aus einem wichtigen Auftrag von Rubens im Jahr 1620, in dem sich der Maler verpflichtete, in weniger als einem Jahr eine Reihe von Gemälden zu schaffen, um die Decke dieser ab 1615 erbauten Kirche zu schmücken Er musste "die Zeichnungen der 39 Gemälde im kleinen Format mit eigener Hand zeichnen und dann Van Dyck und einigen anderen Studenten die endgültige Ausführung überlassen" aus seinem Atelier. Dieses Modell, eine in Öl gemalte Skizze, nimmt seinen ganzen Wert an: Durch die Hand des Meisters selbst illustriert er sein Genie und zeugt von dem, was seine Zeitgenossen "die Beweglichkeit und Raserei seines Pinsels" nannten.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Schweigen! Wir müssen sie nicht aufwecken. Sie liegt nackt auf dicken Kissen, verlassen, dem Staunen dargeboten. Ihre Haut ist marmorweiß, ihr Kopf und ihre Brüste sind klein. Ihr idealisierter Körper hat sinnliche Rundungen. Es ist keine Frau, sondern eine Göttin, die wir betrachten. Verstörende und vollkommene Schönheit.

Aber warum diese linke Hand am Handgelenk geschnitten und die Beine auf Höhe der Oberschenkel brutal abgeschnitten? Dieses Werk ist das Fragment einer größeren Komposition: die bewegliche Arabeske des wellenförmigen Körpers der Venus auf einem mit einem geblümten Laken bedeckten Bett, an dessen Ende zwei Engel ein Vogelpaar beobachten. In der oberen rechten Ecke gab eine Landschaft dem Ganzen Tiefe. Wir wissen nicht, wann es auf dieses markante Oval reduziert wurde.

Warum ein verkürztes Werk ausstellen? Dell'Abate wurde im frühen 16. Jahrhundert in Italien für seinen Sinn für Landschaften, Genreszenen und weibliche Typen berühmt. 1552 an den Hof des Königs von Frankreich berufen, hebt er Le Primatice für die Dekoration des Schlosses von Fontainebleau hervor. Er brachte einen Geschmack für die Landschaft und pastorale Szenen in die Kunst von Bellifontana ein.

Das Thema der schlafenden Venus, umgeben von Liebe, ist ein Klassiker der Renaissancekunst. Nicolò konnte es in Italien und in der französischen Königssammlung studieren. Es verleiht ihm Leben und Kanzel, mit der Flexibilität seines Pinsels und seinen perlmuttfarbenen Farben. Viele seiner Werke wurden im 17. Jahrhundert zerstört oder retuschiert, ihr üppiger Charme traf die puritanischste Sensibilität. Diese Venus ist eines der seltenen Beispiele ihres zarten Talents.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Stellen Sie sich den heiligen Paulus im flackernden Kerzenlicht vor: hieratisch, wird lebendig, wird unwirklich. Ihr Gesicht taucht lebendig und farbenfroh aus dem goldenen Hintergrund auf, göttliches Licht. Stehend, mit dem Gesicht zugewandt, gehört seine Gestalt der himmlischen Welt an. Das Schwert seines Martyriums ist auch das Symbol seiner Karriere als Soldat. In der Hand seine Briefe, Briefe an die ersten christlichen Gemeinden.

Zu Beginn der Renaissance vermischte das sienesische 14. Jahrhundert Einflüsse: von der Kunst der byzantinischen Mosaike für die statische Haltung und den starren Blick und von der gotischen Kunst für ihr Spitzbogenformat oder ihre punzierten Motive. Bereits der Untergrund evoziert die Perspektive und die Schatten die Modellierung des Körpers.

Das älteste auf Holz gemalte Werk der Sammlung ist ein Fragment des Altarbildes in der Kirche San Domenico in Siena.

Ende des 14. Jahrhunderts gab es keine Staffeleimalerei. Die Kirche ist der wichtigste künstlerische Auftraggeber. Vasari in seinem Leben beurteilt Bartolo di Fredi als „mittelmäßigen Maler seiner Zeit“, aber er hatte einigen Erfolg und fertigte dieses Altarbild an. Wenden Sie die Goldhintergrundtechnik an: Bringen Sie auf einem Träger, der geklebt und dann mit einem roten Präparat beschichtet wird, goldene Blätter an, Symbole der heiligen Welt. Dieses Polyptychon in fünf Tafeln stellte die Jungfrau der Evangelisten in einem Rahmen in der Mitte dar. St. Paul war zu seiner Linken. Die wenigen bekannten Objekte sind in Museen und Sammlungen auf der ganzen Welt verstreut.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Die Liebe der Götter ist kein langer stiller Fluss! Als Beweis zeigt diese virtuose Skizze in Brauntönen die üppige Entführung der Proserpina, der zentralen Figur. Während er es beherrscht, wird sein Onkel Pluto, der römische Gott der Unterwelt, von Amors Pfeil getroffen. Der Gott ist an seinem Zweizack und der vom Cherub getragenen Fackel erkennbar. Unten beobachtet die Nymphe Cyané das Drama. Ihre unerschöpflichen Tränen werden durch die umgestürzte Vase symbolisiert.

Diese feurige Szene bezieht ihr mythologisches Thema aus Ovids Metamorphosen.

Das ovale Format ist typisch für beliebte Medaillon-Motive. Würde es ohne ein identifizierbares Ergebnis das Vorhandensein von Signatur und Datum, selten für eine Skizze, zu einem eigenständigen Werk machen?

Boucher, ein bemerkenswerter französischer Rokoko-Künstler unter Louis XV, demonstriert hier ein Jahr vor seinem Tod seine Meisterschaft.

Bouchers Arbeit genießt die Freiheit der Berührung, die die vorbereitende Übung bietet. Eine Skizze lässt Raum für ungestüme Bewegung und ist nicht mit Details überfrachtet. Der Maler wendet die monochrome Technik an, die darin besteht, Farbverläufe mit einem einzigen Farbton zu verwenden.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Es ist eine großartige Nacht in Versailles ... Die Aussicht auf den Park Petit Trianon leuchtet für eine außergewöhnliche Nacht. Die Feuer der Bündel in den Gräben und die Laternen, die an den Bäumen hängen oder in den Blumenbeeten versteckt sind, lassen Sie viele kleine Silhouetten in der Dunkelheit sehen. Die Menge beeilt sich, das Spektakel der Rotunde des Tempels der Liebe zu entdecken, die meisterhaft beleuchtet ist. In dieser seltenen Nachstellung dieses Gartens in der Kunst des 18. Jahrhunderts spielt der Maler mit Hell-Dunkel und Reflexionen im Wasser. Im Garten des Petit Trianon wurden unter der Ägide von Marie Antoinette prächtige Feste organisiert. Hier wäre nichts anderes als der Empfang vom 6. Juni 1782 zu Ehren des Grafen des Nordens, Sohn von Katharina II., dem zukünftigen Paul I. von Russland, dargestellt worden.

Dieses Gemälde illustriert Hubert Robert, den unerschöpflichen Chronisten der Ereignisse des Pariser Lebens: Partys, städtische Arbeiten, Brände. Heute ist dieser Künstler mit einer bemerkenswerten offiziellen Karriere vor allem für seine Ruinendarstellungen mit sentimentalem Inhalt bekannt.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Eine Frau ihrer Zeit. Die elegante Frau, die zu Hause sitzt, schreibt am Vorabend der Französischen Revolution an ihre Kinder. Die schöne Fremde starrt uns an, immer noch in ihre Aufgabe vertieft. Ihre Kleidung spiegelt eine neue Mode wider, die zur Schlichtheit tendiert: ein perlweißer Gehrock, ein transparenter Schleier am Hals und die Charlotte auf ihrem naturgepuderten Haar. Sie verkörpert im Zeitalter der Aufklärung die moderne, befreite und kultivierte Frau des Wohnzimmers. Dieses Porträt wurde von einer Künstlerin, Adélaïde Labille-Guiard, angefertigt. In dieser Arbeit zeigt er eine erstaunliche Fähigkeit, Materialien wiederzugeben: Die Reflexionen des Satins und die Opazität des Holzes des mit grünem Filz bedeckten Schreibtisches kontrastieren mit einem neutralen Hintergrund.

Adelaïde Labille-Guiard ist eine der berühmtesten Porträtmalerinnen des späten 18. Jahrhunderts. Sie ist auch eine renommierte Miniaturistin und Pastelistin, nachdem sie eine Lehre bei dem großen Meister Quentin de La Tour absolviert hatte und mit nur zwanzig Jahren in die Académie de Saint-Luc, eine Malakademie, aufgenommen wurde. Anschließend trat sie gleichzeitig mit ihrer Rivalin Élisabeth Vigée Le Brun, mit der sie oft verglichen wird, in die Académie Royale de peinture et de sculpture ein. Berühmt wurde er durch die Porträts, die er zunächst für die Töchter Ludwigs XV. und nach der Revolution für die von vierzehn Abgeordneten der Nationalversammlung, darunter das von Robespierre, anfertigte. Darüber hinaus kämpfte die Künstlerin für die Verbesserung des Status von Malerinnen, indem sie ihre eigene Kunstschule für Mädchen gründete.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Stellen wir eine unfertige Leinwand aus? Diese Landschaft bietet einen Panoramablick über das Pierrefonds-Tal in der Oise-Region. Am Horizont sieht man den Wald von Compiègne. Die leuchtenden Ruinen der mittelalterlichen Burg dominieren die Komposition. Corot stellte seine Staffelei neben den Weg, um die Landschaft zu malen. Der freie Malkurs wurde ihm vorgeworfen. Die Arbeit wirkt wie eine Studie und nicht wie eine abgeschlossene Arbeit. Der erste Stock ist eine solide Konstruktion und ignoriert die Linie. Die Erde, das Gras und die Figur sind schnell ausgelöscht. Die zweiten Stockwerke sind detaillierter: Bäume, Felder, Architektur, Wolken. Aber alles basiert auf einer modernen Verwendung von Farbe mit einer engen Palette auf Kosten der Details. Corot war einer der ersten, der im Freien studierte, was für die damalige Zeit überraschend ist.

„Pleinairismus“ bezieht sich auf das Arbeiten außerhalb des Ateliers. Möglich wurde dies durch die industrielle Erfindung von farbigen Metallschläuchen im Jahr 1841, die das Mahlen und Mischen von Pigmenten überflüssig machten. Sehr oft fertigt der Künstler vor Ort Zeichnungen oder Gouachen an, um Motive und Lichter zu fixieren, die er dann im Atelier in den Gemälden verwendet.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Staatliche Hinterlegung 1896, Eigentumsübertragung vom Staat auf die Gemeinde Quimper 2013

Beobachten Sie schnell, wie die Stadt Ys in den Horizont taucht, bevor sie verschwindet! Göttlicher Zorn drückte sich aus, genau wie dieser bedrohliche Himmel. Auf ihrer Flucht von einer brechenden Welle verfolgt, scheinen König Gradlon und Saint Guénolé vor dem Gemälde zu fliehen, während Prinzessin Dahut um ihr Überleben kämpft. Mit einer Abfolge von Kurven und warmen Farben, die Aktion suggerieren, lenkt der Künstler den Blick auf die Mitte der Leinwand. Das Pferd des Königs bäumt sich unter dem Gewicht der Sünden der schönen Dahut auf, die mit ihrem frivolen Leben für die Zerstörung des bretonischen Atlantis verantwortlich ist. Die Verurteilung kommt vom Mönch mit dem Heiligenschein. Was beschwört dieser Finger, der zum Himmel zeigt? Sicherlich die Stimme Gottes, die dem König befiehlt, seine Tochter zu ertränken.

Diese Legende stammt aus der Volksliedsammlung Le Barzaz-Breiz des Folkloristen La Villemarqué.

Durch die Auseinandersetzung mit dieser Legende wird Luminais mit der keltischen Bewegung des späten 19. Jahrhunderts in Verbindung gebracht. Das Museum bewahrt auch die vorbereitende Skizze des Werks von bescheidenerer Größe auf. Es hat nicht die gleiche evokative Kraft wie dieses riesige Gemälde, das für den Salon bestimmt ist. In Paris wurden innerhalb einer dichten Ausstellung nur die großen Formate ausgezeichnet.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Eine der schönsten Frauen von Paris ist in Quimper! Marie-Thérèse de Cabarrus ist 23 Jahre alt. Sie hat gerade Graf Claude de Saint-Amand Matignon geheiratet. Die weiße Farbe des (Ball-?) Kleides und die orange Blumenkrone symbolisieren ihre Reinheit und der Veilchenstrauß ihre Bescheidenheit. Die statische halbsitzende Haltung an der Armlehne des Sofas, die Wölbung der Schulter und die Reinheit des Gesichts erinnern an Ingres' Zeichnung (aus der Chassériau geformt wurde). Die Sinnlichkeit des Blicks und die geöffneten Lippen zeugen vom Einfluss von Delacroix. Trotz seines frühen Todes im Alter von 37 Jahren war Chassériau einer der berühmtesten Porträtmaler des 19. Jahrhunderts. Als Zeichen der Verbundenheit des Paares mit der Region, in der sie ihre Ferien verbrachten, vermachte das gleiche Modell dem Museum dieses Porträt.

Ausgestellt im Salon von 1848, hier die Beschreibung des Schriftstellers Théophile Gautier, Freund des Malers: „Das Mädchen in einem eisweißen Seidenkleid mit schillernden Reflexen, den Umhang über den Arm gefaltet, steht auf einer Steppdecke Butterblumensofa mit Knöpfen; eine Hand baumelt ein Strauß Parma-Veilchen, die andere hängt lässig an der Seite […]; zwischen dem Purpur ihres perlzahnigen Mundes explodiert ein Lächeln wie ein Blitz.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Hier ist eine Frau im Duft der Heiligkeit. Still und still hebt sich die im 13. Jahrhundert heiliggesprochene heilige Elisabeth von Ungarn blass von einem dunkleren Hintergrund ab, der aus dünnen Linien besteht. Der Glanz von Roségold erhellt es. Göttliche Intervention! Die Blumen ersetzen die Brote, die sie gegen den Rat ihres Mannes an die Armen verteilte.

Nach dem Studium an der Akademie, zunächst in Wien und dann in Paris, freundete sich List mit Gustave Klimt an. 1905 gründeten sie die Zweite Wiener Secession, die sich gegen eine sklerotische Kunst erhob. Seine Malerei zeichnet sich auch durch ihre weiblichen Figuren aus, inspiriert von nordischer Poesie, mittelalterlicher Geschichte und Mythologie. 1907 nahm er an der Ausstellung der Gruppe teil, für die er ein der Heiligen Elisabeth gewidmetes Triptychon malte, von dem diese Tafel stammt.

In Wien ausgestellt, wurde das Triptychon sofort vertrieben. Das Museum behält die beiden Seitenwände. Das zentrale, horizontale Element wird in einer anderen Kollektion aufbewahrt.

List ließ sich von den Malern der frühen Renaissance bei seiner Wahl der Tempera inspirieren, einer Malerei, die mit dem Ei verbunden ist, einer Technik, die bei der Herstellung von Ikonen und Fresken verwendet wird. Auch die Verwendung von Gold trägt zu diesem Ansatz bei, wie in den Werken der Sieneser Bartolo di Fredi und Sano Di Pietro.

Als plastischer Ausdruck symbolistischer Literatur will dieses Gemälde der sichtbaren Realität und dem Naturalismus widersprechen. Kultivieren Sie einen Geschmack für das Bizarre und Mysteriöse, indem Sie die Vorstellungskraft ansprechen. Die Künstler dieser Strömung illustrieren ein verlorenes Ideal, indem sie sich von der Vergangenheit, Mythologien, Geschichten und Legenden inspirieren lassen.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Ich werde niemals dein Wasser trinken. Diese kleine satteltaschenförmige Skulptur, die 1887 von Paul Gauguin modelliert wurde, scheint keine funktionale, sondern dekorative Berufung zu haben. Der Künstler hatte 1886 gerade seinen ersten bretonischen Aufenthalt in Pont-Aven verbracht. Bei seiner Rückkehr nach Paris traf er bei dem Versuch, sich zu erneuern und seine Kreationen zu verwerten, Ernest Chaplet, einen der kreativsten Töpfer seiner Zeit. Er wird in seine Technik eingeweiht. Gauguin projiziert dort sein peruanisches Erbe. Bei dem vorgestellten Stück handelt es sich um eine teilweise glasierte Keramik mit einem Motivdekor von jungen Bretonen in traditionellen Kostümen. Es gibt auch Gänse, ein wiederkehrendes Motiv in Gauguin. Die Inspiration kommt von in der Bretagne hergestellten Notizbüchern.

Mehr als die Linie des Objekts gilt das Interesse des Künstlers dem Material und seiner Modellierung. Mit braunem Sandstein assoziiert Gauguin einen partiellen kupferbraunen Lack, der an die ledernen Satteltaschen der Pilger in Compostela erinnert. Es wird angenommen, dass er ungefähr hundert dieser Töpferwaren hergestellt hat, von denen nur sehr wenige überlebt haben. Es gab keinen Erfolg. Gauguin schrieb an seine Frau: "Ich mache Keramikskulpturen, Schuffenecker sagt, sie seien Meisterwerke und der Schöpfer auch, aber sie seien wahrscheinlich zu kunstvoll, um sie zu verkaufen." Paul Gauguin ist bekannt für seine Malerei, aber er ist auch Bildhauer, Graveur und konnte seine künstlerischen Erfahrungen vervielfachen.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Das Feuer knistert, der Rauch steigt auf, Komplementärfarben bewegen sich. In der Mitte eines Panoramablicks ist ein Fischerboot bei Ebbe gestrandet. Einige Männer schmelzen den Teer, um die Wasserdichtigkeit des Rumpfes zu stärken. Die Bucht erstreckt sich bis zum Eingang von Pont-Aven, wo Sie links eine Mühle am Fluss und den Glockenturm des Dorfes sehen können. Tatsächlich erweitert der Maler die Szene, indem er die Realität modifiziert. Um eine flache Vegetationsfläche zu entwickeln, wird der Hügel zu einer überhängenden Masse. Maufra schließt sich somit der Pont-Aven-Schule an, durch die extreme Vereinfachung der Formen und die Verwendung des dunklen Rings, der sie trennt. Aber seine Kunst ist hybrid und originell: Vom Impressionismus behält er die Berührung und das Interesse an Reflexionen auf dem Wasser.

1888 war Pont Aven Schauplatz wichtiger Kunststoffinnovationen. Radikale Vereinfachung der Formen, Verwendung reiner Farben, die auf flachen Flächen angeordnet sind, der gewöhnlichen Wahrnehmung entfremdet, Verlassen der klassischen Rahmung und Perspektive, ähnlich wie bei japanischen Drucken: all dies kennzeichnet die spätere formale Revolution, von der jeder Künstler betroffen ist hat sich auf seine Weise angeeignet. Der Begriff „Synthese“ definiert diesen neuen Ansatz, der das Beobachten durch seine Neuerfindung durch das Imaginäre ersetzt. Diese Befreiung vom akademischen Griff, dieses von Gauguin befürwortete „Recht, alles zu wagen“, führt die Malerei in andere Territorien, in andere Experimente.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Es ist ein Tag zum Feiern in Perros-Guirec! Maurice Denis beobachtet das Treiben im Hafen. Die Boote sind für die Regatten unterwegs. Kinder spielen Entenrennen und rennen rechts von der Leinwand davon. Im Vordergrund drei kostümierte Frauen, die der Künstler mit schwarzen Flächen formte. Vor ihnen der wie ein Baumstamm behandelte Hauptmast, der die Plane in seiner Höhe kreuzt. Seine gewundene Dekoration reagiert auf die Arabesken auf der Wasseroberfläche. Diese unterschiedlichen Elemente zeugen vom Einfluss der japanischen Druckkunst im Werk des Malers.

Denis ist Teil der Nabi-Kunstbewegung. Diese Strömung will die Malerei vom Realismus befreien und in ihr einen spirituellen und sakralen Charakter finden.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Mitten in einem dichten Wald spielt sich eine seltsame Szene ab: Was machen diese drei Frauen mit teilnahmslosen Blicken? Sie sind in eine merkwürdige Zeremonie verwickelt. Einer von ihnen kniet in der Mitte und scheint vor einer brennenden Flamme auf einem Felsen ein Opfer darzubringen. Könnte es ein Altar übernatürlicher Formen sein? Wir können ein friedlich schlafendes Tier sehen. Durch die ockergrüne Farbe fügt sie sich harmonisch in das übrige Unterholz ein. Paul Sérusier wendet hier die von der Pont-Aven-Schule und von Paul Gauguin übernommenen Bildprinzipien des Synthesism an. Die ordentlichen Stämme zeigen ihre Äste nicht, was diesem Wald ein unverhältnismäßiges Aussehen verleiht. Die Perspektive wurde verboten, wie in der Kunst der japanischen Druckgrafik, die westliche Künstler beeinflusste.

Die Nabi-Bewegung, Erbe der Prinzipien der Pont-Aven-Schule, entfernt sich von der Realität, indem sie die Formen vereinfacht und die Farbpalette reduziert. Für diese Künstler „ist jedes Kunstwerk eine Umsetzung, eine Karikatur, das leidenschaftliche Äquivalent einer empfangenen Sensation“. Inspiriert vom Wald von Huelgoat, einer wilden Region, ist Sérusiers Kunst auch Teil der symbolistischen Bewegung: Dort findet er Material, um ein mystisches und zeitloses Werk zu schaffen.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

Twilight Conflagration ... Fünf Seekiefern nehmen die gesamte Höhe der Leinwand ein. Ich bin das Subjekt der Komposition. Der Rest ist schlecht detailliert, der Boden im Vordergrund ist in Dunkelheit getaucht. Wie in der Kunst der japanischen Druckgrafik sind die Formen synthetisch, es gibt das Wesentliche. In seinem Tagebuch von 1916 drückte sich Vallotton auf diese Weise aus und wollte die Emotionen hervorrufen, die die Landschaft ihm durch „ein paar eindrucksvolle Merkmale, ein oder zwei ausgewählte Details, ohne Aberglauben an genaues Timing oder Beleuchtung“ verleiht.

Das Rot der Stämme befreit sich vom Realismus, wie es die Ästhetik der Nabi-Gruppe, zu der es gehört, wünscht. Der gebürtige Schweizer trägt den Spitznamen „Der fremde Nabi“. Maler, Grafiker, Zeitschriftenillustrator, er ist ein vollendeter Künstler.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.

"Gib alle Hoffnung auf oder du, der du eintrittst". Das ist die Warnung, die uns dieser Gipsabdruck von Rodin gibt. Die drei Männer sehen sie alle in der gleichen gedrückten Position an: Rücken gebeugt, Kopf gesenkt, ein Arm nach vorne und ein Bein gebeugt. Woher? Mit dem zum Boden ausgestreckten Arm scheinen die weißen Schatten von einer dunklen unterirdischen Kraft eingesaugt zu werden. Und aus gutem Grund schließen sie sich den Verdammten von Hell's Gate an.

Als Teil einer viel ehrgeizigeren Arbeit dominieren Silhouetten die Komposition.

Die Skulptur ist von Dantes Göttlicher Komödie inspiriert. Nach einer Arbeit des Modellierens des Tons wird ein Gips gegossen, die ersten Schritte beim Modellieren der Skulptur vor dem Gießen der Bronze.

Der Staat beauftragte Rodin's Gate to Hell im Jahr 1880, um Besucher des Musée des Arts Décoratifs in Paris willkommen zu heißen, das die Regierung errichten wollte. Er musste seine berühmtesten Skulpturen wie „Der Denker“ oder „Der Kuss“ zusammenbringen. Das Werk wurde nie fertiggestellt, jedoch stellte der Künstler 1900 in einer Einzelausstellung eine Gipsversion davon aus.

Die Schatten wurden 1914 in die Sammlung des Museums aufgenommen, als Rodin noch lebte. Viele Jahre lang in den Reserven staatlicher Einlagen vergessen, haben sie sich verschlechtert. Das nationale Inventar ermöglichte es, das Stück wiederzuentdecken. 2006 wurde für das Werk eine Restaurierung vorgenommen: Die linken Arme zweier Figuren wurden erneuert und alles auf einem Holzträger stabilisiert.

© Musée des Beaux-Arts de Quimper.