Der Bildhauer, inspiriert von dem antiken Mythos, der vor allem von Ovid in seinen Metamorphosen verbreitet wurde, hält den Moment fest, in dem Pluto, der König der Unterwelt, Proserpina, die Tochter der Göttin Ceres, gewaltsam entführt, die verzweifelt ihren Arm in einem Extrem zum Himmel reckt Hilfe suchen. Francesco Maria Schiaffino, in Rom im Atelier von Camillo Rusconi ausgebildet, schlägt ein Modell des Meisters vor, das wiederum von der berühmten Gruppe von Gian Lorenzo Bernini inspiriert ist, die in Rom in der Galleria Borghese aufbewahrt wird, und löst seine akzentuierte Dynamik in einer dekorativeren Wiedergabe auf, die typisch ist für die Sensibilität der Rokoko-Kultur. Zu Füßen der beiden Charaktere nimmt der furchterregende dreiköpfige Hund des Gottes Cerberus an der Veranstaltung teil, so der alte Wächter des Jenseits. Der Bildhauer erhält eine sehr feine Wiedergabe von Details, wodurch der Marmor fast duktil wird, wie in den Händen von Pluto zu sehen, der auf Proserpinas weiches Fleisch drückt. Das Drama endet dann mit einem Happy End: Dank eines Granatapfels, der ihr von Pluto angeboten wird, wird sich Proserpina in den Gott verlieben, bis sie ihn heiratet und die Königin des Hades wird. Sie durfte jedoch sechs Monate im Jahr bei ihrer Mutter Ceres auf der Erde leben, die Wiesen zum Blühen bringen und den Frühling einläuten. Mit diesem Mythos erklärten die Alten den Wechsel der Jahreszeiten.

Die vier Skulpturen sind Teil der berühmten Serie „Die Metamorphosen“, die seit dem 18. Jahrhundert die Spiegelgalerie schmückt. Filippo Parodi, der größte genuesische Bildhauer des 17. Jahrhunderts, übersetzte, nachdem er die Lehre von Gian Lorenzo Bernini in Rom übernommen hatte, mit großer Virtuosität und poetischer Sensibilität einige der Mythen aus Ovids Metamorphosen-Fabeln, die von jungen Menschen und verwandelten Nymphen erzählen, in Marmor von den Göttern in natürliche Elemente verwandelt, wie Adonis von Venus in eine Anemone und Clizia von Apollo in eine Sonnenblume verwandelt wird.

Die prächtige Skulptur bietet ein bewegendes Bild des leidenden Christus, während er kraftlos neben der Geißelsäule zusammenzubrechen scheint. Der in Rom im berninischen Kontext ausgebildete Künstler scheint den Schmerz der Gegeißelten im fast ekstatischen Ausdruck des Gesichts und in der raffinierten Eleganz des Modells zu sublimieren, das für einen Raum geeignet ist, der der privaten Andacht vorbehalten ist.

Die Statue, die gemäß einer im 17. und 18. Jahrhundert üblichen Verwendung mit irrelevanten Teilen wieder eingesetzt wurde, stellte ursprünglich einen jungen Athleten dar, der durch Hinzufügen des Lockenknotens auf der Stirn, ein Attribut der Gottheit, in das Bild des Griechen verwandelt wurde Gott Dionysos. Ähnliche Veränderungen sind auch bei den anderen antiken Statuen in der Galerie zu sehen, die darauf abzielen, die Themen der Skulpturen mit denen des allgemeinen ikonografischen Programms der prächtigen Umgebung in Einklang zu bringen.

Das Werk gehörte ursprünglich zum Inventar des Privatbesitzes des Königs, da es in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts vom Souverän von einem der genuesischen Förderer erworben wurde. Das raffinierte Porträt der jungen Frau mit einer blumengeschmückten Frisur und einer im Ausschnitt des Kleides platzierten Rose scheint sich mit der Göttin Flora zu identifizieren. Die noch von romantischer Sensibilität durchdrungene Pose der Figur und die Darstellung der Modellierung spiegeln bereits die naturalistische Kultur wider, die sich zwischen Ende des 19. und Anfang des 20. Jahrhunderts auch in Genua etablierte und im Bürgertum stark verankert war Umgebung.